Conheçam os vencedores do Oscar 2026

 

Em uma cerimônia apresentada por Conan O’Brien, o Oscar 2026 teve Uma Batalha Após a Outra como seu grande vencedor, levando seis estatuetas, incluindo melhor filme e melhor diretor. Pecadores filme mais indicado da noite, com dezesseis menções, venceu quatro Oscars. O filme brasileiro O Agente Secreto infelizmente não levou nenhuma estatueta e o brasileiro Adolpho Veloso que concorria ao prêmio de melhor fotografia por Sonhos de Trem também não venceu, com Pecadores levando a estatueta e Autumn Durald Arkapaw fazendo história ao se tornar a primeira mulher a vencer na categoria. Na categoria de curta-metragem houve um inesperado empate, com dois filmes recebendo o prêmio, algo que só aconteceu sete vezes ao longo da história da premiação. Por mais que tenha sido uma pena o Brasil não ter levado nada, fico contente com a vitória do filme de Paul Thomas Anderson (que estava na minha lista de melhores filmes do ano passado), um realizador com uma trajetória robusta que desde Magnólia (1999) merecia reconhecimento da Academia.

Apesar de gostar de O’Brien, a cerimônia em si foi morna, com algumas piadas do apresentador não funcionado e um tom estranhamente pouco crítico, tanto dos apresentadores quanto dos vitoriosos que, ao contrário de edições anteriores, como no ano passado, pouco se posicionaram frente aos problemas recentes do país como os ataques ao Irã ou o modo como a ICE lida com os imigrantes. Talvez tenha sido algo proposital para evitar melindrar parte da audiência, mas também baixou a temperatura ao ponto da noite não oferecer muitos momentos memoráveis. Um dos poucos destaques foi o in memoriam, momento em que a Academia presta homenagem aos que faleceram ao longo do último ano. Pela primeira vez em muito tempo esse segmento soou verdadeiramente como uma homenagem afetuosa aos que partiram e não uma vinheta burocrática feita para cumprir protocolo.

Confiram abaixo a lista completa de indicados com os vencedores destacados em negrito.

Crítica – O Refúgio

 

Filmes de piratas fizeram muito sucesso na Hollywood dos anos 1930 e 1940, alçando ao estrelato nomes como Errol Flynn. Assim como aconteceu nos westerns, no entanto, esses filmes meio que saíram de moda com o tempo e era raro a indústria voltar a eles, com algumas tentativas como A Ilha da Garganta Cortada (1995) resultando em fracassos retumbantes. A coisa mudou quando a Disney lançou Piratas do Caribe: A Maldição do Pérola Negra (2003) com enorme sucesso e iniciando uma franquia que se estendeu por cinco filmes (embora o quarto e o quinto sejam muito ruins) e outras produções.

Era de se imaginar que a aventura do capitão Jack Sparrow faria por essas histórias de swashbuckling o que Gladiador (2000) e O Senhor dos Anéis: A Sociedade do Anel (2001) fizeram pelos épicos ou que Moulin Rouge (2001) e Chicago (2002) fizeram pelos musicais, reinvigorando o gênero e iniciando um novo ciclo de produção dessas narrativas. Não foi o que aconteceu, ao menos nos cinemas, já que na televisão tivemos algumas séries com piratas. Algumas tentativas de aventuras marítimas como Mestre dos Mares (2003) ou No Coração do Mar (2015) eram mais interessados em algo mais histórico do que o tom aventuresco das aventuras de piratas. Faço todo esse preâmbulo porque meu tempo assistindo este O Refúgio, produção da Prime Video, me fez pensar como a indústria hollywoodiana realmente passou batido por uma possível onda de filmes de piratas e essa aventura estrelada por Priyanka Chopra e Karl Urban se situa exatamente nesse gênero.

Crítica – Máquina de Guerra (2026)

 

Um grupo de soldados de elite em missão na floresta encontra uma criatura alienígena com armas avançadas que começa a caçá-los. Essa é a premissa de O Predador (1987) que é emulada diretamente por este Máquina de Guerra (não confundir com o filme de mesmo nome protagonizado por Brad Pitt e também lançado pela Netflix), que não faz nada interessante com o conceito além de repetir de maneira burocrática elementos já conhecidos.

Conflito mecânico

A narrativa acompanha o soldado 81 (Alan Ritchson, de Reacher) que tenta entrar para os rangers, a divisão de elite do exército dos Estados Unidos. Anos atrás ele prometeu ao irmão que os dois fariam a seleção para os rangers, mas o irmão é morto em combate junto com o resto da unidade, deixando o protagonista como o único sobrevivente. Agora, ele tenta entrar para a divisão de elite como meio de cumprir a promessa ao irmão. O protagonista chega à etapa final da seleção, uma missão simulada em meio a montanhas remotas. Durante a missão, no entanto, ele e os companheiros encontram uma enorme criatura metálica que caiu dos céus em um meteoro e começa a caçá-los.

Crítica – Iron Lung: Oceano de Sangue

 

Nunca joguei o game homônimo que este Iron Lung: Oceano de Sangue se baseia. Tampouco tenho muito conhecimento sobre o youtuber Markplier que dirigiu e estrelou o filme. Parto, portanto, do olhar de um neófito a tudo isso e o que eu posso dizer é que essa tentativa de um horror cósmico e claustrofóbico é bem sem graça.

Segredo do abismo

A narrativa se passa em um futuro apocalíptico no qual boa parte da humanidade e planetas habitáveis desapareceu. A chance de sobrevivência da humanidade reside em uma lua tomada por um oceano de sangue. Lá, Simon (Markplier) é um condenado em busca de redenção que aceita ser colocado em um Iron Lung, um pequeno submarino lacrado, para explorar o mar de sangue e possivelmente encontrar algo que possa dar esperança de sobrevivência à humanidade. Como câmeras não funcionam direito no mar de sangue, ele precisa recorrer a raio-x para ter imagens das imediações e logo encontra criaturas sombrias e horrores inimagináveis no local.

Crítica – A Empregada

 

O diretor Paul Feig fez seu nome em comédias e surpreendeu ao migrar para o suspense com Um Pequeno Favor (2018) sua segunda incursão ao gênero foi justamente a continuação Outro Pequeno Favor (2025), que ficou bem abaixo do antecessor. Agora ele retorna com outro suspense neste A Empregada.

Tensões domiciliares

A narrativa acompanha Millie (Sydney Sweeney), que está recomeçando a vida depois de sair da prisão. Ela consegue um trabalho como empregada doméstica na casa da rica Nina (Amanda Seyfred). Nos primeiros dias no trabalho, Millie percebe que a patroa é uma mulher instável e agressiva que não perde a oportunidade de humilhá-la. Ainda assim ela continua no emprego por necessidade. Ao mesmo tempo ela vai se aproximando do marido de Nina, Andrew (Brandon Sklenar), e logo começa a desejá-lo, formando um perigoso triângulo amoroso.

Crítica – Isso Ainda Está de Pé?

 

Depois do equivocado Maestro (2023), um filme tão desesperado por Oscars que se entregava a excessos que o tornavam risível, Bradley Cooper retorna como diretor neste Isso Ainda Está de Pé? A produção é uma comédia dramática muito mais contida e sincera que seu trabalho anterior.

Rir para não chorar

A narrativa é centrada em Alex (Will Arnett) e Tess (Laura Dern) eles estão casados há 25 anos, mas o casamento esfriou. De maneira extremamente casual, como se não fosse grande coisa, eles decidem se separar. Alex se muda para um apartamento e os dois filhos do casal parecem compreender o que está acontecendo sem muitos problemas. Eles, no entanto, tem dificuldade de explicar a decisão para as pessoas próximas, como os pais de Alex ou o casal de amigos Balls (Bradley Cooper) e Christine (Andra Day). Um dia Alex entra num bar e percebe que está sem dinheiro. A única maneira de pagar seu drinque é se inscrevendo para se apresentar no open mic de stand up comedy do bar. Mesmo sem piadas, ele se conecta com o público ao compartilhar histórias sobre seu casamento fracassado. Encorajado pelos demais comediantes do local, Alex decide tentar a comédia.

Crítica – A Noiva!

 

Dirigido por Maggie Gyllenhaal, A Noiva! é um filme esquisito e digo isso como elogio. Nem tudo que ele tenta fazer funciona e parece ter dificuldade de organizar suas várias ideias em um pacote coeso, no entanto, há algo bastante singular na releitura que a diretora faz da história da “noiva do Frankenstein”.

Casamento sangrento

A narrativa se passa nos Estados Unidos na década de 1930. A criatura de Frankenstein (Christian Bale) vai ao país procurando a doutora Euphronius (Annette Benning), uma cientista proeminente no campo da reanimação. Ele pede ajuda para criar uma companheira e aplacar a solidão que sente há mais de um século. Junto da cientista ele escava um cadáver recém enterrado e reanima sua Noiva (Jessie Buckley), ela tem poucas memórias de sua vida pregressa e disputa o controle do seu corpo com o espírito da escritora Mary Shelley (também Jessie Buckley), autora do romance Frankenstein. Juntos Frank e sua Noiva partem para explorar a cidade, mas logo se tornam alvo das pessoas por conta de sua aparência.

Crítica – Embaixo da Luz de Neon

 

Como lidar com a perspectiva de morte iminente? O que fazer quando sabemos que temos pouco tempo neste mundo e como nos preparamos para esse fim? Não são perguntas fáceis, mas é com elas que o documentário Embaixo da Luz de Neon tenta dialogar, produzindo um retrato sensível de alguém que vê o fim se aproximar.

Vida poética 

O documentário acompanha aquele que pode ser o último ano da vida da poeta Andrea Gibson. Três anos antes ela tinha recebido um diagnóstico de câncer de ovário e depois de vários tratamentos a doença insistia em voltar. A essa altura ela já ultrapassou o prognóstico de dois anos de vida e o câncer já se tornou metástase e se espalhou para os ossos. A narrativa acompanha Andrea e a esposa, Megan Falley, em seu cotidiano.

Seria fácil construir tudo como uma narrativa sorumbática sobre a dor e sofrimento de uma paciente oncológica nos altos e baixos dos estágios finais da doença, mas Andrea, Megan e, por consequência, a narrativa não se permitem deixar o desespero tomar conta. Temos os momentos dos resultados dolorosos de exames, dos efeitos colaterais severos de medicação, do desalento no qual Andrea questiona a própria existência.

Em meio a toda essa dor, no entanto, o casal encontra momentos de felicidade, seja durante um breve recuo do câncer, seja em um jantar com amigas ou em momentos de cumplicidade nas quais as duas deitam no chão da casa ao lado dos animais de estimação e trocam confissões de mãos dadas.

Enquanto elas conversam, a montagem transita entre várias imagens de arquivo do passado recente de Andrea desde que recebeu o diagnóstico e também de momentos anteriores de sua vida. O recurso soa como um esforço de nos deixar imersos no fluxo de pensamento da personagem, ilustrando seus sentimentos, memórias e relação com o mundo, principalmente nas cenas em que ela declama suas poesias. As falas de Andrea lidam com a angústia do fim, mas celebram uma vida bem vivida, na qual ela conseguiu viver fazendo o que ama, encontrou uma companheira e se depara com seus possíveis momentos finais cercada de afeto. Uma ponderação de como a finitude da nossa existência é o que torna belo cada um dos momentos de amor ou felicidade que experimentamos, mesmo aqueles que parecem pequenos no grande esquema das coisas.

Rockstar da poesia

O documentário também analisa a trajetória artística de Andrea e como ela se tornou relevante no meio da poesia, em especial por sua apresentações de poesia falada. Explorando como a arte feita por ela se conecta com seus sentimentos, acompanhamos algumas apresentações que revelam a intensidade com a qual ela declama suas palavras e a força de suas apresentações, que movem o público de uma maneira que parece mais próxima de uma estrela da música.

Para quem não conhece a obra de Andrea, o filme oferece um bom ponto de entrada para sua obra e analisa seus impactos da arte queer e no meio da poesia como um todo. A cena da apresentação final de Andrea serve como uma celebração de sua vida e arte, uma catarse poderosa a respeito de não perder a força de vontade mesmo quando o fim se aproxima. Seria, inclusive, um bom ponto para encerrar o filme, com a apoteose da artista conseguindo entregar uma performance derradeira depois de meses com a saúde fragilizada. Sim, a cena final de Andrea e Kate conversando enquanto olham o último exame e conversam sobre os pássaros pousados na árvore serve como uma delicada reflexão final do modo como as duas encaram o relacionamento delas e o inexorável fim que acaba se colocar diante delas, mas penso que a performance da poesia funciona melhor como clímax.

Embaixo da Luz de Neon equilibra muito bem o tema delicado que trata, refletindo sobre vida, morte, amor e despedida com muita delicadeza e lirismo.

 

Nota: 9/10

Trailer

Crítica – Sirât

 

O texto que abre Sirât explica o título. O termo se refere à ponte entre o inferno e o céu, uma ponte que seria fina como um fio de cabelo e afiada como uma navalha. Um desafio extremo para quem busca sair do tormento eterno rumo à salvação. O filme é uma tentativa de construir algo que reflita esse percurso letal, mas não entrega o que promete.

Deserto particular

A narrativa acompanha Luis (Sergi López), um homem de meia idade que viaja junto com o filho pequeno Esteban (Bruno Nuñez Arjona) para uma grande rave no meio do deserto ao sul do Marrocos. Ele procura a filha que desapareceu meses atrás, mas ninguém no local reconhece as fotos que Luis leva consigo. Um grupo avisa a Luis que estão indo dali para outra festa no deserto próximo da Mauritânia e Luis decide acompanhá-los apesar dos avisos que a estrada é perigosa e que o carro dele talvez não seja capaz de atravessar.

Crítica – Kokuho: O Preço da Perfeição

 

Conheço muito pouco sobre o teatro kabuki, forma de encenação tradicional do Japão, então uma das coisas que me atraiu para este Kokuho: O Preço da Perfeição foi ele contar uma história sobre este universo. É um épico dramático que se estende por décadas e analisa os altos e baixos da dedicação de um artista ao seu ofício e a maneira muito particular com a qual o kabuki funciona.

Palco da vida

A narrativa começa no Japão dos anos 60 e é centrada em Kikuo (Ryo Yoshizawa), um jovem filho de um figurão da yakuza. Quando seu pai é assassinado, Kikuo tenta se vingar, mas seu plano falha. Sem ter para onde ir, Kikuo é adotado pelo ator kabuki Hanjiro Hanai (Ken Watanabe). No kabuki apenas homens atuam, isso significa que até papéis femininos são interpretados por homens. Os atores que se dedicam a papéis femininos são chamados de onnagatas e Hanai é um famoso onnagata. Ao adotar Kikuo, Hanai decide treiná-lo para ser um onnagata junto com seu próprio filho, Shunsuke (Ryusei Yokohama). A esposa de Hanai se opõe que ele ensine Kikuo, já que o kabuki é um ofício passado de pai para filho e por ser alguém que não vem de uma linhagem kabuki, Kikuo poderia não ser aceito e isso poderia desonrar até a família de Hanai. Ainda assim, o veterano ator decide preparar Kikuo para o kabuki junto com Shunsuke. Conforme Kikuo demonstra talento e chama a atenção de Hanai, uma rivalidade cresce entre Shunsuke e Kikuo.