Crítica – Divino Amor

Brasil, 2027, apesar de ainda se declarar um estado laico, o país se tornou um lugar teocrático, no qual todos precisam frequentar igrejas, casar e ter filhos. Scanners na entrada de qualquer revelam o estado civil de cada um que entra, bem como se uma mulher está grávida e quem é o pai. Drive thrus de oração garantem que as pessoas ainda possam ouvir a palavra divina mesmo no caminho para casa ou para o trabalho. Esse é o prognóstico de futuro feito pelo diretor Gabriel Mascaro em Divino Amor, filme feito lá em 2017, antes do último período eleitoral e do que está acontecendo hoje no país, mas que não soa muito distante da realidade frente a tudo que está acontecendo.

A trama é centrada em Joana (Dira Paes), uma funcionária de cartório que lavra divórcios. Crente verdadeira em todo o discurso religioso que varre o país, Joana tenta convencer todos que chegam a não se divorciarem, levando-os a participar da igreja da qual faz parte: a Divino Amor. Lá, há uma espécie de terapia religiosa de casais que inclui até a prática de swing, com os casais trocando de parceiro durante a transa, embora não seja permitido que nenhum homem ejacule em uma mulher que não seja a sua esposa. Joana e o marido, Danilo (Júlio Machado, do ótimo A Sombra do Pai) estão desesperadamente tentando ter um filho, mas não conseguem. Quando Joana milagrosamente fica grávida e descobre que o bebê não carrega consigo o DNA de nenhum homem registrado, ela começa a enfrentar a desconfiança da sociedade.

Crítica – Crazy Ex-Girlfriend: 4ª Temporada

Quando escrevi sobre a terceira temporada de Crazy Ex-Girlfriend, elogiei o fato da série finalmente colocar a protagonista (e outros personagens importantes) para confrontarem seus próprios problemas e se esforçarem para tentar melhorarem. Pois esta quarta e última temporada de Crazy Ex-Girlfriend amarra com competência a jornada de amadurecimento de seus personagens.

A trama começa mais ou menos no ponto em que a temporada anterior terminou. Com Rebecca (Rachel Bloom) indo para a prisão depois de arremessar Trent (Paul Welsh) de um telhado para salvar Nathaniel (Scott Michael Foster). A experiência na prisão leva Rebecca a entender o peso de suas ações e a faz repensar seu trabalho como advogada. Ao mesmo tempo, sua vida amorosa fica balançada quando Greg (Skylar Astin, substituindo Santino Fontana) retorna a West Covina.

Já ciente de seus problemas, a narrativa acompanha o percurso de Rebecca em lidar com eles e tentar ser uma pessoa melhor. Poderia ser uma jornada linear, com a protagonista melhorando a cada episódio, mas o texto reconhece que não é um processo fácil, que eventualmente ela regride, que não é possível fazer tudo sozinho, que é necessário apoio de amigos, de terapia e eventualmente de medicação.

Crítica – Annabelle 3: De Volta Para Casa

Depois de chamar atenção no primeiro Invocação do Mal (2013), a boneca Annabelle acabou ganhando sua própria série de filmes derivados. O primeiro foi bem fraquinho, o segundo melhorava ao contar a origem da boneca e ao trazer um estilo de direção semelhante ao que James Wan fez nos dois Invocação do Mal. Já este Annabelle 3: De Volta Para Casa fica em um morno meio termo, sendo levemente melhor que o primeiro, mas mais fraco que o segundo.

A trama começa justamente quando o casal Ed (Patrick Wilson) e Lorraine Warren (Vera Farmiga) entram em contato com a boneca maldita. Eles a levam para casa, guardando-a no cofre de objetos sobrenaturais. Anos se passam e, durante uma viagem do casal, a filha deles, Judy (Mckenna Grace), fica em casa com uma babá, Mary Ellen (Madison Iseman). Mary Ellen acaba levando uma amiga para a casa dos Warren, Daniela (Katie Sarife) que tem curiosidade em relação aos artefatos sobrenaturais guardados ali. Ela acaba entrando no cofre dos Warren e acidentalmente liberta a boneca Annabelle, colocando todos na casa em risco.

Crítica – Olhos que Condenam

A história do grupo de jovens que ficaram conhecidos como “Os cinco do Central Park” ficou em bastante evidência na época da prisão e julgamento dos cinco, condenados pelo estupro de uma mulher que corria no Central Park à noite apesar da pouca quantidade de provas materiais e das suspeitas que as confissões dos cinco rapazes negros foram obtidas à força pela polícia. A minissérie Olhos que Condenam, dirigida por Ava DuVernay, responsável por Selma: Uma Luta Pela Igualdade (2015), tenta contar a história desses jovens do momento em que são presos à eventual absolvição deles quase duas décadas depois.

Apesar de obviamente mostrar o sofrimento dos personagens diante da injustiça que sofreram e dos desafios do encarceiramento, o interesse de DuVernay parece ser nos sistemas de apoio desses personagens, em como suas famílias, amigos iu comunidade tentaram ajudar os cinco a resistirem. É algo similar ao que Barry Jenkins fez no recente Se a Rua Beale Falasse, no qual ele também focava no modo como o afeto é o que faz as pessoas perseverarem e sobreviverem diante de estruturas de poder opressivas.

Crítica – Bloodstained: Ritual of the Night

O termo “sucessor espiritual” tem sido usado bastante pela indústria de games nos últimos anos, principalmente no reino dos jogos independentes. Criadores que deixaram suas desenvolvedoras, mas que querem fazer o mesmo estilo de jogo que faziam e tentam criar algo similar aos seus maiores sucessos. Keiji Inafune, criador de Mega Man, tentou fazer isso com Mighty Nº9, parte da equipe responsável por Banjo-Kazooie tentou fazer isso com Yooka-Laylee. Os esforços de ambos resultaram em grandes decepções que falhavam tanto em capturar o espírito do que tornou as propriedades originais tão memoráveis ou que falhou em atualizar os elementos desses jogos para os dias atuais, fazendo tudo parecer datado.

Eu falo tudo isso para dizer que este Bloodstained: Ritual of the Night é a mais nova tentativa de um “sucessor espiritual”. Desenvolvido por Koji Igarashi, responsável pelo excelente Castlevania: Symphony of the Night, Bloodstained tenta resgatar a excelência do estilo “Metroidvania” (uma junção de Metroid e Castlevania) que Igarashi construiu em jogos como Symphony of the Night ou Aria of Sorrow. Me aproximei de Bloodstained temendo uma decepção similar a Mighty Nº9 ou Yooka-Laylee, mas o que encontrei foi algo que conseguia soar simultaneamente contemporâneo e nostálgico.

Crítica – Upgrade

A trama de Upgrade se passa em um futuro próximo no qual a tecnologia e inteligências artificiais são parte do cotidiano, desde de dirigir nossos carros a checar o que temos na geladeira para fazer compras online quando algo acaba. O protagonista Grey (Logan Marshall Green) é um sujeito avesso a tecnologia, embora sua esposa trabalhe em uma grande empresa de informática. Um dia o casal é assaltado, a esposa de Grey é morta durante o assalto e Grey fica tetraplégico.

Após o assalto ele é abordado por um magnata da tecnologia que lhe oferece um chip experimental que pode retornar os movimentos aos seu corpo. Grey aceita, mas ao voltar a se movimentar, ele começa a ouvir a voz da inteligência artificial, Stem (Simon Maiden), falando com ele. Stem se prontifica a ajudar Grey a desvendar o crime levou à morte de sua esposa, mas também começa a controlar cada vez mais o corpo do protagonista, o que coloca os dois em conflito.

Inicialmente o filme parece disposto a falar sobre tecnologia e os impactos dela em nossa vida, mas a partir do momento em que Grey e Stem começam a entrar em conflito pelo controle do corpo, a trama fica mais focada nessa disputa dos dois. De certa forma, a narrativa lembra um pouco o recente filme do Venom (2018), que também tratava de uma entidade violenta tentando controlar o corpo de um sujeito passando por maus bocados, sem falar que Logan Marshall Green é muito parecido com Tom Hardy.

Crítica – Mistério no Mediterrâneo

Não sei explicar o motivo que me levou a assistir este Mistério no Mediterrâneo. Apesar de ter apreciado o trabalho de Adam Sandler em Os Meyerowitz: Família não Se Escolhe (2017), dirigido por Noah Baumbach, sei que Sandler nunca rende nos filmes que ele próprio produz o mesmo que rende quando trabalha com outros cineastas. Além disso, os últimos filmes que Sandler produziu em sua parceria com a Netflix, como Lá Vem os Pais (2018) ou Sandy Wexler (2017) foram porcarias atrozes que me fizeram questionar minha própria sanidade. Como se isso já não desse um prospecto suficientemente ruim, ainda havia o fato de que Mistério no Mediterrânio foi dirigido por Kyle Newacheck, que cometeu a hecatombe que foi Perda Total (2018), filme que coloquei entre os piores daquele ano.

Mas então, porque fui assistir Mistério no Mediterrâneo? Bem, não tenho uma resposta específica e direta para isso, talvez tenha sido tédio, talvez eu possua um lado masoquista que me impele a assistir filmes cujo prognóstico parece ruim, talvez eu tenha problemas de autoestima e me sujeitar a ver esse tipo de coisa seja uma forma de autopunição, não sei. De todo modo, o resultado de Mistério no Mediterrâneo é bem melhor do que as produções anteriores de Sandler para a Netflix, o que é um patamar baixo a superar, admito, mas já é alguma coisa.

Crítica – Jessica Jones: 3ª Temporada

Depois da fraca segunda temporada, não estava esperando muita coisa desta terceira e última temporada de Jessica Jones. O que encontrei, no entanto, foi um competente estudo sobre trauma e moralidade que aprofunda o que conhecíamos sobre os personagens.

A trama começa quando Jessica (Krysten Ritter) conhece o chantagista Erik (Benjamin Walker), um sujeito com a estranha capacidade de sentir a maldade das pessoas e que usa seus dons para chantagear criminosos. Quando uma das vítimas de Erik fere Jessica enquanto tenta matá-lo, a detetive decide ajudar Erik a descobrir quem é a ameaça. Na busca, Jessica se depara com o perigoso serial killer Gregory Sallinger (Jeremy Bobb), um sujeito astuto e engenhoso que mesmo sem poderes representa uma grande ameaça para a detetive. Ao mesmo tempo, Trish (Rachael Taylor) começa a por em uso seus novos poderes, tentando iniciar uma jornada como vigilante.

Se na temporada anterior a trama demorava a delinear seu conflito principal, aqui as coisas engrenam muito mais rápido. Ainda sofre do típico “inchaço da Netflix”, perdendo um pouco de fôlego quando passa da metade e parecendo que seria melhor com uns dois episódios a menos, mas ainda assim é um ritmo melhor do que o segundo ano da série. Outro problema é a conveniência dos poderes de Erik, que na maior parte do tempo funciona mais como um dispositivo de roteiro do que como um personagem plenamente realizado.

Crítica – Blindspot: 3ª Temporada

Quando escrevi sobre a segunda temporada de Blindspot, falei que o encerramento do arco envolvendo a organização Sandstorm era uma oportunidade para a série se reinventar, encontrar novos rumos. Lamentavelmente não foi isso que aconteceu e a série se prende a uma repetição dos mesmos formatos, sendo que estes já não se justificam mais.

A trama se passa um ano e meio depois dos eventos da temporada anterior. O grupo se debandou e Jane (Jamie Alexander) está vivendo no exterior quando é procurada por Weller (Sullivan Stapleton) que tem uma mensagem de Roman (Luke Mitchell) que só poderia ser aberta por Jane e Weller juntos. A mensagem revela novas tatuagens no corpo de Jane que dão pistas para um novo plano de Roman.

Ou seja, o primeiro episódio praticamente reseta tudo, restaurando o status quo e joga no lixo qualquer oportunidade de deixar a série crescer ou se transformar, prendendo-a aos mesmos padrões narrativos dos anos anteriores. O salto temporal também significa que temos que retornar a nos familiarizar novamente com os personagens visto que eles agora estão em situações diferentes.

Crítica – Fora de Série

A primeira impressão que este Fora de Série me passou era de que seria basicamente uma versão feminina de Superbad: É Hoje (2007), já que a estrutura era basicamente a mesma: duas amigas nerds que sempre foram párias em sua escola decidem ter uma última noite de festa para quebrar as regras e, quem sabe ficarem com seus respectivos crushes, tudo embalado por uma mistura entre drama e comédia. A diferença aqui é a personalidade e senso de extravagância que Olivia Wilde, em seu primeiro filme como diretora, consegue imprimir aqui.

A trama acompanha as amigas Molly (Beanie Feldstein, irmã de Jonah Hill que, curiosamente, estrelou Superbad) e Amy (Kaitlyn Dever). Elas passaram toda a vida escolar preocupadas em entrar em boas universidades, sem participar de festas ou quaisquer atividades sociais. Nas vésperas da formatura do colégio elas descobrem que muitos colegas também passaram em boas universidade e fizeram isso sem abrir mão da vida social. Assim, a dupla resolve se envolver em uma noite de festas para compensar tudo que não aproveitaram.

Crítica – MIB Homens de Preto: Internacional

Esse MIB Homens de Preto: Internacional desde o início me parecia um daqueles filmes feito dentro de sala de reunião por executivos de estúdio. Aquele tipo de produto sem alma feito para seguir filões comerciais e surfar na atual onda de “universos cinematográficos” consolidada pela Marvel. Fui assistir, portanto, sem esperar nada e ainda assim foi decepcionante. É, de fato, exatamente o que imaginei que seria, um caça-níqueis cínico, mas este sequer consegue oferecer um módico de diversão.

A narrativa acompanha a agente M (Tessa Thompson), novata na MIB depois de uma vida inteira crendo na existência da agência. Ela é mandada pela agente O (Emma Thompson) para a filial de Londres, na qual deve trabalhar com o experiente agente H (Chris Hemsworth) para resolver uma crise intergaláctica.

De cara já dá para perceber como a trama recicla a narrativa do primeiro filme, que, por sua vez, já era reciclada no segundo e terceiro filme da franquia. É a mesma história do veterano que precisa ensinar o novato, enquanto precisam proteger um objeto que é poderoso e pequeno cujo valor eles inicialmente não sabem. Não bastasse a falta de imaginação, falta também ritmo, desenvolvimento e personagens interessantes.

Crítica – Obsessão

Obsessão (não confundir com o filme homônimo de 2013 estrelado por Nicole Kidman) parecia ser mais um daqueles filmes de stalker, mas por conta da presença da atriz francesa Isabelle Huppert e da direção de Neil Jordan, imaginei que a fita poderia ser capaz de se elevar acima da banalidade de sua premissa. Infelizmente isso não acontece e o resultado é algo mais próximo de um daqueles suspenses B que passam nas madrugadas da TV aberta.

A trama é protagonizada por Frances (Chloe Moretz), uma garota que mora em Nova Iorque e recentemente perdeu a mãe. Um dia, ela encontra uma bolsa deixada no metrô e resolve devolver à dona, cujos documentos se encontram dentro. Assim, ela conhece Greta (Isabelle Huppert), uma viúva solitária. Frances se solidariza com a mulher e aos poucos começam a se aproximar, mas conforme passa tempo com Greta, Frances descobre que o encontro entre as duas não foi tão fortuito quanto pensara e que a senhora guarda segredos sombrios.

Crítica – Dor e Glória

Dor e Glória é provavelmente o melhor trabalho do diretor espanhol Pedro Almodóvar desde A Pele que Habito (2011). O filme é uma espécie de autoficção na qual Almodóvar reflete sobre suas paixões, frustrações e o move sua arte. É, talvez, o mais perto que o diretor chegou de uma autobiografia.

A narrativa é centrada no diretor de cinema Salvador Mallo (Antonio Banderas) que começa a enfrentar sérios problemas de saúde e, em decorrência disso, começa a refletir sobre sua trajetória de vida e a arte que produziu.

Desde o início fica evidente que o personagem vivido por Banderas foi concebido como um simulacro do próprio Almodóvar, dos figurinos e maneirismos, passando pelo penteado, tudo remete ao célebre diretor espanhol. Não temos como saber o que Almodóvar tirou diretamente da própria biografia ou do que é ficção, mas não importa. O que importa é como o filme, possivelmente mais que qualquer outro filme do diretor, nos proporciona esse mergulho pelo fluxo de consciência do realizador.

Crítica – Black Mirror: 5ª Temporada

De volta ao seu formato de apenas três episódios por temporada (as duas anteriores, produzidas pela Netflix, tinham seis), este quinto ano de Black Mirror é uma espécie de “volta às origens” em mais de um sentido. Muita gente considera que Black Mirror é uma série sobre os males da tecnologia e sobre o futuro, mas eu considero equivocadas as duas asserções. Se olharmos as duas primeiras temporadas e episódios como Toda a sua História, Hino Nacional ou Volto Já, eram menos sobre o poder destrutivo da tecnologia e mais como esses recursos são mais um veículo para neuroses e inquietações humanas que provavelmente existem desde a origem da nossa espécie. Esses episódios também falam sobre coisas que já vivemos hoje e não do que viveremos, da sociedade em panóptico graças a meios digitais, da espetacularização da polícia ou como a internet não permite que nada morra de verdade.

Essa quinta temporada de Black Mirror volta ao espírito dos primeiros episódios ao focar mais nas questões humanas do que em distopias ou em gadgets estranhas. O primeiro episódio, Striking Vipers, trata de dois amigos de faculdade (interpretados por Anthony Mackie e Yahya Abdul-Mateen) que se reaproximam anos depois através de um jogo de realidade virtual. A questão de avatares no mundo virtual serve menos para falar de tecnologia e mais sobre os tabus de sexualidade impostos pela sociedade.

Crítica – Killing Eve: 2ª Temporada

A primeira temporada de Killing Eve foi uma grata surpresa, construindo uma das melhores séries de espionagem da televisão graças ao roteiro afiado e excelente trabalho das atrizes Sandra Oh e Jodie Comer. Essa segunda temporada mantem o alto nível da primeira, focando mais na relação das duas protagonistas do que na intriga da espionagem propriamente dita.

A trama começa bem no ponto em que o ano de estreia encerrou, com Villanelle (Jodie Comer) em fuga depois de ter sido esfaqueada por Eve (Sandra Oh). Além de procurar por Villanelle, Eve se envolve na investigação de misteriosos assassinatos envolvendo uma empresa do ramo digital que pode ter ligação com a agência russa para a qual Villanelle trabalhava.

Jodie Comer continua excelente em retratar a psicopatia excêntrica de Villanelle, alguém que claramente vê as pessoas ao seu redor como meros objetos, não tem qualquer reserva em ser extremamente cruel ou violenta, nem usar as pessoas apenas para descartá-las logo depois.

Crítica – X-Men: Fênix Negra

Não estava lá muito empolgado para X-Men: Fênix Negra. As muitas refilmagens não transmitiam confiança para o resultado final e o fato da compra da Fox pela Disney, já tornava o filme datado antes mesmo de estrear, afinal todos sabiam de antemão que esse universo e personagens serão inescapavelmente reiniciados pela Marvel e integrados ao seu universo cinematográfico. Ainda assim, me surpreendi com o resultado, sendo melhor que X-Men:Apocalipse (2016) e X-Men: O Confronto Final (2006).

Na trama, depois que um resgate espacial dá errado, Jean Grey (Sophie Turner) acaba escapando da morte depois que uma onda de energia cósmica envolve seu corpo. O poder é muito grande para que ela controle, fragilizando sua mente e a fazendo lembrar de traumas do passado. Com isso, o poder de Jean se torna grande demais para que Charles Xavier (James McAvoy) a ajude a controlar e ela se torna uma perigosa ameaça. Ao mesmo tempo, a misteriosa alienígena Vuk (Jessica Chastain) chega à terra disposta ao obter o poder cósmico absorvido por Jean.

A narrativa é bem eficiente em construir o arco de perdição e redenção de Jean, machucando as pessoas próximas por acidente, sendo temida pelos aliados e se sentindo enganada e abandonada por pessoas que admirava. Assim, torna-se compreensível que ela cedesse aos impulsos raivosos da força cósmica que a domina, bem como se deixar influenciar por Vuk.

Lixo Extraordinário – O Filho do Máskara

O Máskara (1994) foi responsável para apresentar ao mundo o talento cômico de Jim Carrey com um senso de humor energético e que remetia a antigos desenhos dos Looney Tunes. Por muito tempo se especulou uma continuação e ela só aconteceu pouco mais de dez anos depois, já sem Carrey atrelado ao projeto, neste horrendo O Filho do Máskara, lançado em 2005.

O primeiro filme se apoiava quase que inteiramente na comédia corporal de Carrey e sua energia anárquica, então sem ele o que sobra? A resposta é: praticamente nada. A trama desta continuação é centrada em Tim (Jamie Kennedy), um desenhista atrapalhado que acaba encontrando a máscara do deus nórdico Loki (Alan Cumming) por acidente. Um dia, usando a máscara, Tim vai para cama com a esposa, Tonya (Traylor Howard), e seu filho nasce com os poderes da máscara. Isso os coloca na mira de Loki, que está em busca da máscara a mando do pai, o deus Odin (Bob Hoskins), e vê no bebê uma ameaça.

De cara já é difícil de simpatizar com Tim, apresentado como um completo idiota infantilizado incapaz de fazer qualquer coisa sozinho e que trata a esposa quase como uma mãe que precisa fazer tudo para ele. Não há uma característica que o redima, não há uma razão para torcer por ele, tampouco ele é particularmente engraçado, se limitando a fazer cara de abestalhado diante das ações alopradas do filho e do cachorro, que está usando a máscara.

Crítica – The Perfection

A impressão de assistir este The Perfection é a de estar diante de uma mistura de Whiplash: Em Busca da Perfeição (2014) com o terror corporal de David Cronenberg. Ele é mais centrado no gore em si mesmo do em que pensar nos abusos físicos e psicológicos que suas personagens sofreram para se tornarem boas musicistas, mas o resultado é um suspense razoável.

A trama acompanha Charlotte (Allison Williams), uma violoncelista que ficou anos afastada da profissão para cuidar da mãe doente. Depois da morte da mãe, ela retorna ao prestigioso conservatório no qual estudou, mas descobre que seu antigo professor já a substituiu por uma nova pupila, Lizzie (Logan Browning). Charlotte e Lizzie, no entanto, acabam se aproximando e começam a viver um romance. Durante uma turnê à China, as duas viajam para o interior do país, mas Lizzie começa a se sentir mal e a exibir sintomas estranhos.

A partir daí o filme entra completamente no domínio do horror corporal, com insetos saindo do corpo de Lizzie e mutilações bastante gráficas sendo exibidas ao público para chocar e impactar. As reviravoltas, que constantemente voltam no tempo para nos mostrar que algo anteriormente visto não era bem o que pensávamos também tentam servir a este propósito, mas como esse é um expediente que se repete algumas vezes ao longo do filme, ele acaba se tornando previsível e é fácil antever o revés final envolvendo Charlotte, Lizzie e o professor do conservatório no qual ambas estudaram, Anton (Steven Weber).