As histórias sobre o Rei Arthur, a espada Excalibur e outros
elementos de sua mitologia já foram contadas e recontadas inúmeras vezes sob
diferentes perspectivas. Este Cursed: A
Lenda do Lago tenta olhar a lenda arturiana sob a perspectiva feminina,
algo que não é exatamente novidade, já que As
Brumas de Avalon (tanto o livro quanto a minissérie) fizeram isso décadas
atrás. Baseado em um romance escrito por Tom Wheeler e Frank Miller, este Cursed: A Lenda do Lago tenta recontar
as origens dos personagens arturianos centrando sua história em Nimue, que
posteriormente se tornaria A Dama do Lago, figura que guardaria a Excalibur a
espera do eterno e futuro rei bretão.
Na série, Nimue (Katherine Langford) é uma jovem ligada ao
povo feérico (uma denominação geral para seres mágicos) que é treinada pela mãe
para se tornar a próxima sacerdotisa de seu povo por conta de sua afinidade com
o oculto. Nimue, no entanto, rejeita os desígnios da mãe e as habilidades que
tem. Tudo muda quando paladinos vermelhos da igreja invadem sua vila e atacam
os habitantes. Nimue recebe a mítica espada de seu povo das mãos de sua mãe,
que a orienta a entregar o artefato para Merlin (Gustaf Skarsgard). Ao longo de
sua jornada Nimue encontrará aliados como um jovem ladrão chamado Arthur (Devon
Terrell).
O primeiro A Barraca do Beijo(2018) não era só um romance adolescente cheio de clichês, mas
trazia também uma representação problemática de conflito amoroso e de relações
entre homens e mulheres. Este Barraca do
Beijo 2 faz exatamente a mesma coisa, piorado por suas inchadas duas horas
e dez minutos, que torna toda a experiência ainda mais arrastada e entediante.
Na trama, Elle (Joey King) está em seu último ano do ensino
médio e tenta manter o relacionamento à distância com Noah (Jacob Elordi) que
está na faculdade. Ao mesmo tempo em que navega pelas dificuldades de uma
relação à distância, ela lida com o fato de Lee (Joel Courtney) estar namorando
com Rachel (Meganne Young) e não tem mais tempo para ela. Ao mesmo tempo um
novo bonitão, Marco (Taylor Zakhar Perez) chega na escola para balançar o
coração de Elle.
Impressiona o quanto o filme é extenso, tem várias subtramas
e ainda assim há a sensação de que muito pouco acontece. Talvez porque a
maioria dessas subtramas tem pouco impacto na narrativa principal, como a do
colega de Elle que está apaixonado por um outro rapaz da turma. É um arco que
não se relaciona com nenhum dos outros do filme e poderia ser removido sem
qualquer prejuízo para a trama. Toda a questão do concurso de dança, cujo
objetivo era conseguir dinheiro para que Elle fosse para Harvard, também não
tem muita relevância porque no final ela sequer decide a faculdade que vai e o
concurso acaba sendo um dispositivo de roteiro para forçar uma aproximação entre
ela e Marco.
Os personagens demonstram não ter aprendido nada desde o
filme anterior. A amizade entre Lee e Elle continua tão tóxica, controladora e
manipuladora quanto no primeiro filme. Lee continua a cobrar “lealdade” da
amiga, dizendo se sentir traído quando ela pensa em ir para outra faculdade
diferente da que escolheram para ir juntos e novamente coloca Elle para
escolher entre Lee e Noah, o que continua a ser um conflito tão estúpido e
forçado quanto no primeiro filme.
As cobranças de Lee para que Elle seja verdadeira e leal a
ele são agravadas pela postura hipócrita do personagem, que ao invés de ser
sincero com a amiga e com a namorada sobre a necessidade de ter espaço para
ambas, prefere ficar calado e manipular as duas a se odiarem. Ao invés, por
exemplo, de dizer para Elle que precisa de mais tempo sozinho com a namorada,
ele finge um machucado na perna para desistir do concurso de dança e a empurra
para os braços de Marco. O pior é que Elle nem fica incomodada ao saber da
mentira de Lee, o que apenas reforça a natureza unilateral da relação, já que
Lee sempre fica irritado e indignado toda vez que Elle faz algo que ele não
quer.
O conflito na relação entre Elle e Noah soa como algo
pequeno demais que poderia ser resolvido em cinco minutos de conversa, mas que
dilatado em mais de duas horas fica entediante e sem sentido. O triângulo
amoroso com Marco surge como mera necessidade de roteiro, cheio de
conveniências de trama para aproximar os dois, com Marco nunca conseguindo ter
uma personalidade própria, mais soando como um clone latino de Noah. Marco
também não tem qualquer narrativa ou motivação pessoais, existindo apenas para
gravitar em torno de Elle e motivar brigas entre as fãs a respeito de quem Elle deveria realmente escolher.
Assim como no primeiro filme, as tentativas de humor variam
entre o constrangedor e o forçado. As interações de Elle com as meninas
populares da escola, por exemplo, parecem saídas de uma cópia ruim de Meninas Malvadas (2004) e muitas
situações cômicas sequer fazem sentido. Um exemplo é a cena em que Elle
acidentalmente liga o sistema de som da escola enquanto começa a falar sobre
como Marco é gostoso e Lee sai correndo pelo campus, se batendo e derrubando
outros, para avisar a amiga. Porque Lee simplesmente não ligou para o celular
de Elle? Teria sido muito mais rápido.
Para piorar, a trama sequer oferece muito senso de conclusão
preferindo terminar em um gancho (ou ameaça) para um terceiro filme ao invés de
simplesmente resolver o dilema apresentado para Elle nesse filme. O final
também faz parecer muito fácil entrar em universidades de ponta, com a
protagonista sendo aceita com uma redação cafona sobre não saber o que quer do
futuro e querer aproveitar o tempo junto dos amigos. Porque alguém daria uma
vaga tão disputada em Harvard ou Berkeley para uma estudante que não tem a menor ideia
do que quer estudar ou de como deseja empregar o conhecimento obtido na
universidade? Como tudo mais no resto da narrativa, é algo que acontece
simplesmente porque o roteiro exige.
A Barraca do Beijo 2 continua
a exibir uma visão problemática e equivocada sobre amizade e relacionamentos
amorosos, piorado pela duração inchada, diálogos constrangedores e situações
forçadas.
Foram anunciados hoje, 28 de julho, os indicados à 72ª
edição dos Emmy, premiação máxima da televisão dos Estados Unidos. Um dos
grandes destaques foi a minissérie Watchmen,
que recebeu 26 indicações. Além dela, The
Marvelous Mrs. Maisel se destacou na categoria de comédia, com 30
indicações. Na categoria de série de drama houve um empate entre Succession e Ozark, ambas com 18 menções, enquanto que The Mandalorian, do streaming
Disney+, levou 15 indicações.
A entrega dos prêmios deverá ser apresentada por Jimmy
Kimmel e está marcada para 20 de setembro, mas por conta da pandemia do COVID-19
ainda não tem local nem formato definido, podendo inclusive acontecer de forma
completamente virtual.
De início confesso que não me empolguei muito com Ghost of Tsushima. Parecia só mais um
jogo de mundo aberto que combinava ação e furtividade. Não que esses elementos
estejam ausentes, no entanto o que envolve neste exclusivo para Playstation 4 é
a maneira como ele é apresentado.
A narrativa acompanha o samurai Jin Sakai. Durante a invasão
dos mongóis à ilha de Tsushima no Japão praticamente todos os samurais são
eliminados e Jin mal sobrevive. Como o último samurai em sua ilha, cabe a ele
enfrentar a ocupação mongol, mas para derrotar um inimigo tão numeroso e tão
cruel, ele precisa recorrer a táticas furtivas que vão de encontro ao código de
honra dos samurais. Desta maneira, Jin precisa escolher entre seu lar e sua
honra.
O jogo não perde tempo em te deixar livre para explorar a
ilha e chama atenção como a interface tem pouquíssima informação. Não há
minimapa (é preciso entrar no menu de personagem para ver o mapa completo),
bússola ou outros ícones. A saúde do personagem só aparece durante combate.
Tudo isso parece feito para que possamos absorver os ambientes ao nosso redor,
as florestas de bambu, os campos de flores, as fontes termais, tudo repleto de
efeitos de partículas com folhas e pétalas sempre flutuando no ar.
Depois que Paper
Mario: Sticker Star e Paper Mario:
Color Splash entregaram resultados abaixo do que os fãs esperavam, havia a
expectativa de que este Paper Mario: The
Origami devolvesse a franquia ao auge de seus três primeiros jogos. Tudo
parecia no caminho certo com a volta dos parceiros que acompanhavam Mario,
acessórios equipáveis e outros elementos que tornaram essa série de jogos tão
adoradas. Apesar de acertar em muitos elementos e ser superior aos dois jogos
anteriores, o jogo tem algumas mecânicas que não são tão bem implementadas.
A trama e o universo
Na trama, Mario é convidado ao castelo de Peach para
participar do Festival do Origami, mas chegando lá descobre que a princesa e
toda população foram transformados em Origamis pelo maligno rei Olly, que leva
o castelo ao topo de uma montanha e o cerca com cinco fios longos de papelão.
Cabe a Mario destruir os fios e resgatar a princesa. Para isso, ele terá a
ajuda de Olivia, a irmã de Olly que não concorda com os planos de dominação do
rei origami.
As melhores histórias de zumbis são as que exploram essa
transformação e a disseminação da praga como metáfora para relações humanas e
questões presentes na nossa estrutura social.A primeira temporada de Boca a
Boca, série brasileira produzida pela Netflix, faz exatamente isso, além de
ganhar uma relevância maior para os seus temas por conta de ser lançada em meio
à pandemia do coronavírus. O texto a seguir pode conter SPOILERS da temporada.
Criada por Esmir Filho, responsável por Os Famosos e os Duendes da Morte (2009), a trama se passa em uma
pequena cidade rural que é atingida por uma espécie de vírus que só atinge
jovens e é transmitido pelo beijo. Os infectados deixam de sentir qualquer
coisa, física ou emocionalmente, virando praticamente zumbis (sem o componente
do canibalismo). Os jovens Alex (Caio Horowicz), Chico (Michel Joelsas) e Fran
(Iza Moreira) tentam descobrir o que está acontecendo e como o contágio talvez
esteja relacionado com uma seita que vive nos arredores da cidade.
A crise expõe as rachaduras na sociedade aparentemente
perfeita da cidade de Progresso, demonstrando o preconceito e a clara divisão
de classes sociais que existe no local apesar de tentarem projetar a imagem de
um local desenvolvido e inclusivo. Aos poucos vamos descobrindo como essas
famílias aparentemente bondosas, tolerantes e progressistas escondem segredos
por baixo dessa aparente correção moral e ninguém é tão certinho como aparenta.
Desde o material de divulgação fica bem evidente que Encontro Fatal é um daqueles suspenses B
feitos a toque de caixa. Um produto com todo o jeito de filme exaustivamente
reprisado nas madrugadas de sábado no Supercine da Globo. Ainda assim você
espera que ele ao menos seja um bom filme B e consiga oferecer boas cenas de
suspense, mas nem isso ele consegue, como outros clones recentes de Atração Fatal (1987), a exemplo dos
fracos Acrimônia(2018), Fica Comigo(2017) ou Paixão Obsessiva(2017).
Na trama, Ellie (Nia Long) é uma advogada que está deixando
seu trabalho em uma poderosa firma para iniciar uma nova vida em uma cidade costeira
e recomeçar a vida ao lado do marido, Marcus (Stephen Bishop). Em seu último
trabalho na firma, entretanto, ela reencontra um antigo romance de faculdade em
David (Omar Epps), eles se conectam rapidamente e David deixa claro que quer
algo mais, mas Ellie decide não ir adiante. David não aceita e continua a
encontrar maneiras de entrar na vida de Ellie.
O primeiro problema aparece já no início com a construção
quase que ausente da crise do casamento de Ellie com Marcus. Se os personagens
não falassem que há uma crise, não teríamos como saber, já que isso não é
mostrado, não é sentido. Assim, o conflito inicial de Ellie ceder ou não às
investidas de David não tem impacto, porque não temos a exata dimensão de que
maneira o casamento dela está com problemas ao ponto de trair o marido parecer o
único jeito dela sentir alguma coisa.
Depois de comandar um navio durante um sequestro de piratas
somalianos em Capitão Phillips
(2013), Tom Hanks volta ao leme como capitão neste Greyhound: Na Mira do Inimigo. A trama, baseada em fatos reais, se
passa durante a Segunda Guerra Mundial e foca no navio Greyhound, incumbido de
proteger um comboio marítimo de suprimentos rumo à Inglaterra durante um longo
trecho em que não possuem cobertura aérea. Hanks interpreta o capitão Krause.
Inexperiente em combate, Krause se vê cercado por submarinos nazistas e agora
precisa enfrentá-los sozinhos.
A trama é basicamente essa, sem muitos arcos de personagem
nem ninguém passando por grandes transformações ou aprendizados. Tal como
aconteceu com Dunkirk (2017) a
narrativa confia que a tensão da situação vai ser suficiente para envolver o
espectador, mas, diferente do filme de Christopher Nolan, não consegue criar
situações de tensão ou batalha tão impactantes.
Nas entranhas do navio Tom Hanks consegue construir uma
sensação crível da tensão e insegurança de Krause diante de uma situação de
combate tão desfavorável. Ele e o resto do elenco conseguem minimamente nos
envolver com a situação, embora o filme consista basicamente de pessoas
gritando números de coordenadas por noventa minutos.
Pelo trailer Os
Tubarões de Copacabana parece ser um daqueles filmes sobre amigos que se
reencontram depois de um tempo afastados e passam a refletir sobre a vida,
sobre o passado e pensar nos rumos que tomaram. De certa forma ele é sobre
isso, mas, ao mesmo tempo, trata de tantas outras coisas que mal consegue
construir uma mensagem coesa.
Na trama, Nando (Raul Gazolla) recebe a notícia que Neto, um
amigo de sua antiga turma de surfe, morreu em um acidente. Apesar de estarem
afastados desde que Neto casou com uma ex-namorada de Nando, Zulma (Alcione
Mazzeo), ele resolve ir ao velório acompanhado dos outros membros da turma. O
evento serve de catalisador para o reencontro de Nando com Tiago (Ricardo Macchi),
Ezequiel (Ricardo Herriot), Bruno (Alex Teix) e Marcelo (Andre Luiz Pereira).
Ao mesmo tempo, Nando precisa lidar com o fato de seu pai estar com câncer
terminal e com os avanços de Nicole (Rayane Morais), a filha de Zulma com Neto.
Baseada em um quadrinho escrito pro Greg Rucka (que não li),
The Old Guard é uma produção da
Netflix que acompanha um grupo de guerreiros imortais. Liderados por Andy
(Charlize Theron), eles passam os séculos combatendo injustiças e recrutando os
novos imortais que surgem ao longo do tempo.
A trama se passa nos dias atuais quando Andy e seus aliados
começam ter sonhos envolvendo uma jovem militar, Nile (Kiki Layne), o que
indica que ela pode ser uma nova imortal e eles devem encontrá-la. Ao mesmo
tempo, eles têm seu segredo descoberto por Copley (Chiwetel Ejiofor), um
ex-agente da CIA a serviço da companhia farmacêutica liderada por Merrick
(Harry Melling). Merrick quer o grupo de Andy como objeto de pesquisa,
esperando que a partir deles consiga reproduzir o que os torna imortais.
A ideia de um grupo operando nas margens da história
interferindo em segredo na humanidade é bem interessante, mas nunca é
plenamente explorada pelo filme, soando como potencial desperdiçado. Há uma
breve explicação de Copley de como as ações deles beneficiaram a humanidade e
algumas piadas que Andy ou Booker (Matthias Schoenarts) fazem com nomes
conhecidos da história, no entanto fica a impressão de que o filme explora
pouco aquilo que tem de mais singular, que seria esse “efeito borboleta”
causado pelos personagens.
O cineasta Ingmar Bergman costuma investigar os medos,
anseios e neuroses presentes na mente e na existência humana, como o relação
com a morte em O Sétimo Selo(1957)
ou a recuperação de traumas e identidade em Persona
(1966). Neste Sonata de Outono
Bergman mira seu olhar para as relações entre pais e filhos, na maneira como
isso nos define, nos marca e, de certa forma, nos traumatiza.
Na trama, a pacata Ava (Liv Ullman) recebe a mãe, Charlotte
(Ingrid Bergman), uma reconhecida pianista internacional, em sua casa. Ava
anseia pelo afeto e aprovação da mãe, mas Charlotte continua a tratá-la com
frieza e distanciamento. Aos poucos as tensões entre as duas vão crescendo até
inevitavelmente explodirem.
O confronto é construído de maneira bem cuidadosa e
inicialmente sutil. Quando Charlotte chega à casa de Ava o diálogo entre as
duas parece ameno e cordial, mas o texto e a interpretação de Ullman e Bergman
deixa algumas pistas dos problemas na relação de ambas. Um exemplo é quando Ava
menciona para a mãe que Helena (Lena Nyman), sua irmã caçula e com problemas de
saúde, está morando com ela. A surpresa de Charlotte soa estranha, afinal que
mãe ficaria anos sem saber do paradeiro da filha deficiente? Além disso, mais
que surpresa, Charlotte demonstra incômodo com a presença de Helena.
A trama desse Desperados
é praticamente uma cópia de Caindo na
Estrada (2000). Aqui, Wes (Nasim Pedrad) manda uma correspondência
comprometedora para o novo namorado, Jared (Robbie Amell), que está
hospitalizado. Para evitar que ele a leia, Wes empreende uma viagem com as
amigas Brooke (Anna Camp) e Kaylie (Sarah Burns) para o México para apagar o
e-mail antes que Jared o leia.
O problema nem é repetir a trama de outro filme, mas
conduzir tudo de uma maneira extremamente previsível e não muito engraçada. É
óbvio que Wes irá descobrir que o pretendente que ela conhece no hotel, Sean
(Lamorne Morris), é mais adequado para ela do que Jared. É óbvio que Jared iria
se revelar um babaca machista (a frase dele sobre a antiga ex ser louca é um
indicativo claro).
Do mesmo modo, é óbvio que a protagonista irá aprender que
anular a própria personalidade e se comportar de modo submisso só para arranjar
homem não é saudável. Devo dizer que em pleno 2020 um filme tratar essa
descoberta da personagem como um grande revelação e momento de clareza mental,
como se estivesse nos ensinando algo inédito, soa antiquado e fora do tempo em
que vivemos. Parece mais algo pensado para o fim dos anos 90.
Lembro do vidente Walter Mercado aparecendo na televisão
brasileira no final da década de 90 fazendo previsões astrológicas e dos
comerciais de seu “disque-vidente”, mas, apesar de sua aparência excêntrica,
nunca dei muita atenção a ele. Também nunca me chamou atenção o seu
desaparecimento súbito das telas, parecia só mais uma tendência de
entretenimento que tinha se esgotado. Pois o documentário Ligue Djá: O Lendário Walter Mercado chega para dar um outro
entendimento à trajetória do vidente e como ele foi de um ator de telenovelas
em canais hispanohablantes nos Estados Unidos até a fama internacional.
O documentário narra a vida do vidente, sua infância em
Porto Rico e sua ascensão à fama. Há uma defesa para a relevância da figura de
Mercado na televisão por questões de representatividade. Numa época em que
poucos latinos chegavam ao mainstream
das grandes emissoras dos Estados Unidos, ter esse guru latino respeitado por
todos serviria como valorização da comunidade.
O filme também chama atenção para a sexualidade do vidente,
que era constantemente alvo de piadas e imitações em programas de humor (como o
personagem Walter Merdado na Praça é
Nossa) que em geral o ridicularizavam pelo seu jeito andrógino e afeminado.
Walter é elusivo em tratar a questão da sexualidade, precisando ser pressionado
pelos entrevistadores (um dos poucos momentos em que o filme nos deixa ouvir as
perguntas) até admitir ser virgem e se assumir como assexuado.
O título Warrior Nun faz
uma promessa muito clara ao seu espectador: freiras guerreiras armadas até os
dentes enfiando a porrada em demônios do inferno. É tudo que eu esperava da
série, uma adaptação do quadrinho de mesmo nome de Bem Dunn (que não li), e em
geral ela cumpre o que promete, ainda que tenha alguns problemas.
A narrativa é protagonizada por Ava (Alba Baptista), uma órfã
tetraplégica recém-falecida que acidentalmente tem implantado no seu corpo o
artefato místico conhecido como Halo. Uma aureola de anjo passada por gerações
por uma ordem secreta da Igreja Católica que treina freiras para combaterem
demônios que tentam invadir o nosso mundo. Ressuscitada pelo poder do Halo, Ava
agora precisa se tornar a nova Irmã Guerreira.
O percurso de Ava é uma típica jornada de herói, mas o texto
ao menos consegue dar a ela alguma personalidade e motivações compreensíveis. A
atriz portuguesa Alba Baptista convence do deslumbramento inicial da personagem
em conseguir voltar a se mover e seu desejo de ter uma vida normal, dando a Ava
energia e senso de humor que nos faz conectar com a protagonista. A série
abraça a natureza pulp de sua premissa
e nunca cai na besteira de se levar mais a sério do que deveria.
Este Sombras da Vida é
basicamente uma história de fantasma contada do ponto de vista do próprio
fantasma ao invés daqueles assombrados por ele. É menos uma história de terror
ou mistério e mais um drama existencial que tenta entender o que é ser um
fantasma.
A trama segue o casal interpretado por C (Casey Affleck) e M
(Rooney Mara). Quando C morre em um acidente de carro, ele volta para sua casa
como um fantasma, daqueles com um lençol branco na cabeça, para observar o luto
da esposa. A existência do fantasma se estende ao longo dos anos e ele continua
a habitar a casa mesmo depois da esposa ter se mudado do imóvel.
É um filme com poucos diálogos, que se constrói muito a
partir das imagens para nos dar a dimensão do isolamento e solidão de seus
personagens, seja a esposa enlutada interpretada por Rooney Mara, seja no
fantasma que vaga pelas eras. O som é um elemento que ajuda a destacar a
solidão e o isolamento dos personagens, seja pelos ruídos ambientes com insetos
ou vento que explicitam o vazio daquele lugar, seja pelo uso de efeitos sonoros
em volume considerável para mostrar as quebras nesse silêncio.
Lançado em 2011, este Reféns
é mais um filme de suspense sobre invasão domiciliar na qual uma família de
classe alta tem sua residência invadida por bandidos cruéis atrás de seus bens,
sendo agredida e torturada pelos criminosos. Parecia ser um filme bem clichê e,
na verdade, é bem clichê, mas o problema é que sequer consegue fazer isso
direito.
A narrativa é centrada na família de Kyle (Nicolas Cage). Um
dia a casa dele é invadida por um quarteto de ladrões que querem o dinheiro
vivo e as joias que ele e a esposa, Sarah (Nicole Kidman), guardam na casa. Com
medo que os ladrões os matem quando conseguirem o que querem, Kyle se recusa a
abrir o cofre, ao mesmo tempo que teme que a filha, Avery (Liana Liberato),
chegue em casa e seja também feita de refém.
A primeira coisa que salta aos olhos é como todos os
personagens do filme, sem qualquer exceção, são incrivelmente burros. Os
ladrões usam os nomes reais, mostram o rosto para as vítimas e só lembram de
amarrar os reféns depois do filme já ter passado da metade. Já os reféns também
são idiotas ao extremo. Quando Avery volta para casa e percebe os ladrões, ao
invés de tentar sair pela janela do quarto por onde entrou ela desce e tenta
sair pela frente, o que obviamente a faz ser pega.
Feel the Beat,
produção original da Netflix, tem uma trama bem presa a lugares-comuns.
Apresenta uma narrativa sobre uma jovem que perde sua grande chance na Broadway e
acaba voltando para sua cidade natal no interior e precisa reconstruir a vida.
Já vimos inúmeros filmes com premissas parecidas e Feel the Beat não sai muito do traçado desse tipo de filme.
Na trama, April (Sofia Carson) é uma jovem dançarina com
aspirações de fazer sucesso na Broadway. Depois de um mal entendido com uma
poderosa diretora, April vê sua carreira acabar praticamente antes de começar.
Sem chances, ela retorna a sua cidade natal. Uma chance de retornar à dança
aparece quando sua antiga professora de dança, Barb (Donna Lynn Champlin, a
Paula de Crazy Ex-Girlfriend), que a
chama para ajudar o estúdio de dança em uma competição nacional. Assim, April
tentará usar a competição para ganhar notoriedade e retornar a Broadway, mas as
desajustadas alunas de Barb podem dar mais trabalho do ela esperava.
É claro que ao longo da competição ela irá aprender com as
alunas a ser mais humilde e as alunas aprenderam a importância da dança. É
evidente que terão uma escola rival composta por esnobes com técnica impecável,
mas sem o coração das alunas desajustadas de April. É lógico que no clímax
April terá que escolher entre o sucesso na Broadway que tanto almeja e a
lealdade a suas alunas. É tudo extremamente previsível, mas, ainda assim, o
filme consegue envolver graças ao carisma do elenco.
Filmes que acontecem em um único espaço e com poucos
personagens precisam encontrar meios de fazer a trama render com o número
limitado de sets e personagens que tem em mãos. Esse 7500, produção da Amazon Prime estrelada por Joseph Gordon-Levitt
quase consegue, mas tem dificuldades com o final.
Na trama, Levitt é Tobias, co-piloto de um voo saindo de
Berlim com destino a Paris. Quando terroristas tentam invadir a cabine do avião
e o piloto é gravemente ferido, cabe a Tobias fazer um pouso de emergência em
segurança enquanto o resto dos terroristas tenta invadir sua cabine.
O filme trabalha a tensão aos poucos, começando com uma
sensação de normalidade, passando por uma impressão de que algo está estranho até
finalmente tudo explodir em uma situação de perigo constante. O som é um
elemento fundamental para a construção da tensão aqui, já que o barulho das
incessantes pancadas dos terroristas tentando invadir porta da cabine serve
como um constante lembrete do perigo que todos correm ali.
Desenvolvido pela Remedy, os mesmos criadores de Alan Wake e Quantum Break, Control foi
lançado em agosto de 2019, mas só agora eu consegui jogá-lo e fiquei
impressionado pelo como o game consegue criar uma atmosfera singular de
estranheza e mistério. Na trama do jogo, a protagonista Jesse está em busca do
irmão que foi levado por agentes do governo quando eram crianças. A busca leva
Jesse ao prédio do misterioso Departamento Federal de Controle, uma espécie de
departamento secreto voltado para pesquisar e defender a população de ameaças
paranormais.
Lançado em 2010, o filme uruguaio
Miss Tacuarembó parece aquele musical
bem tradicional sobre uma mocinha sonhadora em busca do sonho de ser cantora.
De certa forma é isso, mas, ao mesmo tempo, o modo relativamente autoconsciente
com o qual conta essa história acaba fazendo dele algo mais que isso.
Na trama, a jovem Natalia Cristal
(Natalia Oreiro) sempre sonhou em ser uma cantora de sucesso, desde sua
infância na pequena cidade de Tacuerembó até quando se mudou para a Argentina.
Ela acredita ter conseguido sua chance quando é chamada para participar do reality show “Tudo por um Sonho”, mas na
verdade isso é um pretexto da produção para promover um encontro entre ela e
sua mãe adotiva, Haydeé (Mirela Pascual), a quem Natalia não vê há anos.
A história é contada sob o
enquadramento do reality show, com
Natalia e Haydeé contando a história delas para a excêntrica apresentadora do
programa, Patricia (Rossy de Palma). As idas ao passado curiosamente tem a
fotografia carregada em tons de sépia, conferindo as imagens um aspecto de foto
antiga, desgastada, denotando que estamos diante de uma memória.
Em seu primeiro episódio, a minissérie Pequenos Incêndios Por Toda Parte, adaptação do romance de mesmo
nome de Celeste Ng, parece ser mais uma daquelas narrativas do “salvador
branco”, aquela em que uma pessoa branca privilegiada ajuda uma pessoa negra
que aparentemente é incapaz de ajudar a si mesma juntas as duas aprendem
valiosas lições uma com a outra. A indústria hollywoodiana adora esse tipo de
história, muitas vezes premiando esses filmes que colocam pessoas negras como
figuras passivas que precisam de um branco para lutarem pelo que querem, já
vimos isso em Um Sonho Possível (2009)
ou em Green Book(2019) e essa minissérie
parecia ser mais um exemplar desse clichê anacrônico. O texto a seguir contem
SPOILERS para a série.
Digo “parecia” porque, na verdade, ela é qualquer coisa
menos isso. A trama usa esse premissa batida para virá-la ao avesso, para
mostrar que a “salvadora branca” não é a heroína da história, mas a vilã. Que
esse tropos não é progressista, mas
uma força de manutenção do status quo,
feito para que tudo continue igual, expiando a culpa de uma elite branca pelas
desigualdades, mas sem promover uma transformação real, mantendo as minorias no
lugar que as elites reservaram a elas.
Contando com nomes como Tiffany Haddish e Salma Hayek,
esperava que esse Sócias em Guerra fosse
ao menos divertido, mas o que encontrei foi um produto vazio, que raramente faz
rir. Na trama, Mia (Tiffany Haddish) e Mel (Rose Byrne) são amigas de infância
que juntas abriram uma empresa de cosméticos. Quando a empresa está com
problemas financeiros, elas recebem uma oferta da megaempresária Claire Luna
(Salma Hayek) para adquirir parte da empresa delas. No processo de aquisição Claire
começa a jogar uma sócia contra a outra, colocando em risco a amizade das duas.
Haddish e Byrne conseguem convencer como duas pessoas que se
conhecem a vida inteira, mas o roteiro muitas vezes pesa tanto a mão na
imaturidade e estupidez das duas que é difícil se importar com elas. Isso fica
evidente em situações cômicas sem sentido, como quando elas tentam roubar um
drone no escritório de Claire. Elas estavam prestes a se encontrar com uma
pessoa que poderia salvar o negócio delas e a primeira coisa que tentam fazer
enquanto esperam para entrar na reunião é roubar algo que nem precisam? Qual o
motivo disso?
