Crítica – Cowboy Bebop

 

Cowboy Bebop é um dos meus animes preferidos. Tinha uma ambientação singular que misturava sci-fi com western, film noir e filmes de kung fu embalado por uma marcante trilha sonora de jazz. Por isso fiquei animado com a possibilidade de uma adaptação live-action ainda que também tenha ficado preocupado considerando que a maioria das adaptações de animes é bem ruim. Aqui o resultado final é irregular, com erros grosseiros para cada elemento que a série faz direito.

A trama se passa em um futuro no qual a humanidade colonizou o sistema solar. Em uma sociedade profundamente desigual e marcada por crimes, caçadores de recompensa prosperam capturando criminosos que a lei não dá conta de prender. Spike (John Cho) e Jet (Mustafa Shakir) são dois desses caçadores que vagam pelos planetas atrás de uma recompensa que garanta a próxima refeição. Conforme caçam criminosos, Spike acaba sendo confrontando pelo passado que tentou abandonar e fica na mira do poderoso grupo criminoso conhecido como O Sindicato.

Reflexões Boêmias: 5 Canções de Sondheim

 

Considero Stephen Sondheim um dos melhores e talvez o melhor compositor a trabalhar em musicais da Broadway. Responsável por peças como West Side Story, Gypsy, A Little Night Music, Sweeney Todd, Company ou Into The Woods, Sondheim compôs para alguns dos maiores espetáculos da Broadway, a maioria dos que foram citados aqui (que representam uma pequena parte da produção dele) inclusive foram adaptados para cinema com graus variáveis de sucesso. Sondheim nos deixou na última sexta-feira, 26 de novembro, aos 91 anos e deixa um legado imenso para a música, o teatro e o cinema.

Como uma pequena homenagem e celebração ao seu corpus de produção, resolvi falar um pouco das cinco canções dele que mais gosto. Deixo claro que faço essa lista com base em preferências pessoais mesmo, daquilo dele que mais me toca, me impacta. As escolhas também foram baseadas em músicas que servissem de amostra da versatilidade de Sondheim como compositor, que podia ir de composições simples a altamente complexas (em geral não é fácil cantar Sondheim). Em comum, no entanto, todas essas canções são excelentes em externar aquilo que os personagens sentem. Suas dores, suas dúvidas, seu júbilo e seu afeto. Muitas vezes tudo isso junto. Mesmo com a dor de termos perdido um compositor tão singular, encontro conforto em saber que carregarei as músicas dele comigo para sempre.

Crítica – Tick, Tick...BOOM!

 

Estreia de Lin Manuel Miranda como diretor, este Tick, Tick...BOOM! é uma biografia do compositor Jonathan Larson, responsável por Rent um dos musicais teatrais mais marcantes da década de 1990. Apesar de influente, Larson morreu jovem, antes da estreia de Rent e nunca viu o sucesso de seu trabalho.

A trama adapta o monólogo teatral homônimo escrito e protagonizado por Larson, com cenas do cotidiano do personagem mais ao estilo de uma biografia tradicional. A narrativa foca na tentativa de Larson (Andrew Garfield) em emplacar seu primeiro musical, Superbia, e a pressão que ele sente por estar prestes a fazer trinta anos e não ter encontrado o sucesso. Então acompanhamos o personagem em sua vida cotidiana com essas cenas intercaladas pelo personagem performando o espetáculo sobre esse período da vida dele, como se as cenas no teatro dessem ao espectador a perspectiva subjetiva do protagonista.

No papel seria um experimento interessante, com as cenas biográficas e as cenas do teatro dialogando constantemente. Uma oferecendo o universo interno e subjetivo do personagem e outra mostrando o universo externo a ele e como Larson se relacionava com as pessoas ao seu redor. Na prática, no entanto, as cenas biográficas tem pouco a fazer além de servir como mera ilustração ao monólogo teatral e musical do personagem. Ele diz algo no palco e entra uma cena ilustrando o que ele disse sem que essa cena ofereça ao espectador nenhuma nova informação em relação às cenas no palco.

Crítica – A Máfia dos Tigres: 2ª Temporada

 

A primeira temporada de A Máfia dos Tigres se tornou um fenômeno de audiência ao estrear durante o início do lockdown da pandemia. Todo mundo trancado em casa sem saber o que fazer e de repente surge essa série documental sobre sujeitos bizarros donos de zoológicos improvisados e uma denúncia sobre a falta de regulação dos EUA sobre a posse de animais silvestres. Parecia a distração perfeita para as incertezas pandêmicas. Mais de um ano depois a segunda temporada estreia na Netflix com a esperança de replicar o fenômeno e o resultado é muito ruim.

A primeira temporada tinha como eixo central as denúncias de precariedade, maus tratos e violações trabalhistas cometidas por uma série de donos de “zoológicos” de beira de estrada que lucravam em cima de animais silvestres. No meio do caminho a série se detinha sobre as maluquices e excentricidades desses indivíduos, mas ao menos havia um foco muito claro.

Essa segunda temporada é desprovida de foco ou de uma trama que unifique as histórias, partindo das tentativas de libertar Joe Exotic, depois falando sobre o sumiço do marido de Carole Baskin e sobre os problemas legais de Jeff Lowe, mas não há nada que una direito essas tramas, são uma série de histórias soltas. Mais que isso, os personagens que entram nessa temporada, já que os da anterior ou foram presos ou se recusam a falar, são completamente desinteressantes.

Crítica – Deserto Particular

 

O título Deserto Particular reflete bem o estado dos dois protagonistas. Ambos presos a uma vida solitária, incapazes de viverem plenamente e sem perspectiva ao redor. Dirigido por Aly Muritiba (que recentemente conduziu a série documental O Caso Evandro), o filme foi o escolhido para representar o Brasil no Oscar 2022 e é um estudo sensível sobre identidade e a necessidade de conexão afetiva.

Na trama, Pedro (Antonio Saboia) é um policial passando por uma crise, depois que um episódio de agressão põe sua carreira em risco. Enfrentando punições disciplinares, sem salário e cuidando do pai que tem Alzheimer, Pedro é bastante solitário. A única pessoa com quem ele parece ter uma conexão é Sara (Pedro Fasanaro), uma mulher do interior da Bahia com quem ele se relaciona por mensagens. Quando Sara deixa de responder, Pedro decide dirigir de Curitiba até Juazeiro para encontrá-la.

A trama demora um pouco de engrenar, se estendendo muito no início em mostrar as dificuldades de Pedro em cuidar do pai ou nas minúcias das consequências da agressão que ele cometeu, inclusive estabelecendo prazos para as etapas do processo administrativo. A questão é que muitos desses elementos não repercutem no restante do filme. Eu entendo que o caso de agressão está ali para mostrar o beco sem saída profissional de Pedro e eventualmente mostrar o alcance da homofobia dele, do mesmo modo que o pai está ali para mostrar as raízes da masculinidade tóxica do protagonista. Ainda assim, se eu parasse de assistir o filme em seus primeiros trinta minutos, teria uma impressão completamente equivocada sobre o que ele trata, dada a atenção constante sobre a agressão e o pai.

Jogamos o beta de The King of Fighters XV

 

A franquia The King of Fighters foi uma parte grande da minha adolescência, com horas em fliperamas ou no primeiro Playstation jogando as várias versões anuais. Depois um longo hiato, a SNK trouxe de volta a série com The King of Fighters XIV que, confesso, joguei pouco. Tinha problemas, como um netcode ruim e visuais datados, mas era um bom recomeço. Agora, com The King of Fighters XV, a SNK promete refinar o que foi apresentado no game anterior e os trailers davam a entender que a desenvolvedora poderia cumprir a promessa com visuais melhores, lutas mais ágeis e online com rollback netcode.

Por conta de tantos elementos promissores, corri para jogar o beta aberto assim que foi anunciado e devo dizer que fiquei bastante empolgado para o produto final. O beta dá acesso a oito dos prometidos trinta e nove que farão parte da versão de lançamento. Entre os lutadores disponíveis estão alguns já presentes no game anterior como Kyo, Iori e o protagonista da atual narrativa, Shun’ei. Outros são personagens que retornam depois de um longo hiato, como Chizuru ou Shermie, e também uma nova lutadora, Dolores, que fará parte da equipe liderada por Isla, a rival de Shun’ei em KOF XV.

Experimentei um pouco cada, com personagens que retornam como Kyo e Iori trazendo elementos similares ao jogo anterior, mantendo muito da estrutura de combos e set ups de KOF XIV. Já os que não estavam presentes no game anterior trazem muitos golpes que me lembro, mas balanceados para o novo estilo de jogabilidade, enquanto que a novata Dolores consegue se integrar bem ao plantel de personagens e trazendo algum frescor com suas habilidades de terra e lama. Visualmente é um salto enorme em relação ao anterior, com cores mais vívidas, personagens mais expressivos, melhores texturas nas roupas e efeitos de partícula mais intensos.

É uma versão ainda mais refinada do jogo anterior e seu combate envolvendo equipes de três lutadores, mais ágil e com mais opções para o jogador se expressar e construir combos. Uma coisa que me incomodava em KOF XIV era a dependência de entrar em Max Mode para conseguir criar combos mais longos e poderosos. Aqui o Max Mode está presente, mas temos outras opções para estender combos. A primeira delas é o chamado Max Mode Quick, que quando ativado permite cancelar absolutamente qualquer movimento e deixa o oponente vulnerável para que o usuário continue seu combo.

Na prática funciona como a Roman Cancel de Guilty Gear e dá ampla possibilidade para o jogador ser criativo com seus combos ao invés de ficar preso a caminhos lineares como muitos jogos de luta recentes que tem uma grande preocupação com o balanceamento para o cenário competitivo de esports, algo que aconteceu com Mortal Kombat 11 ou Street Fighter V, ambos muito criticados pela estrutura muito restritiva de suas mecânicas (embora SFV tenha lidado com isso bem em suas temporadas posteriores com novas mecânicas ou a inserção de personagens como Rose e Oro).

A outra ferramenta são os especiais EX, que permitem o gasto de uma parte da barra de especial para uma versão amplificada dos golpes especiais do personagem, algo semelhante aos especiais EX de Street Fighter, Mortal Kombat ou Injustice. No game anterior essas versões amplificadas de golpes especiais só eram possíveis em Max Mode, então aqui temos mais versatilidade em seu uso. Os Shatters Strikes, por sua vez, funcionam de maneira similar aos Focus Attacks de Street Fighter IV, permitindo se proteger e contra-atacar os golpes dos adversários.

Outra coisa que chama atenção é o online e como funciona bem. Testei com partidas na mesma região que eu e com jogadores de outras áreas e tudo fluiu muito bem. A impressão em partidas na mesma região é que eu estava jogando com pessoas no mesmo console e não online. Mesmo com pessoas em outra região o máximo que acontecia era um pequeno tempo de carregamento para iniciar a luta e alguns ocasionais frames de atraso. O único problema que experimentei foi que em duas partidas fui desconectado com uma mensagem de erro antes da luta começar e não sei se isso foi alguma coisa do netcode do jogo ou da conexão do oponente.

Tive também um pequeno incômodo com o fato de que em 90% das partidas que joguei eu era colocado como segundo jogador (mesmo quando eu vinha de vitórias em partidas anteriores) e costumo preferir começar no lado do jogador 1. Não é nada que afete a performance, mas essa constância em começar no outro lado me fez até pensar que tinha algum tipo de configuração de preferência que eu não tinha feito, mas mexi em todos os menus e não encontrei nenhuma opção de definir o lado preferido. Não sei exatamente como o jogo organiza isso ou se todo mundo passou por essa situação, mas seria mais interessante variar um pouco mais o lado em que o jogador inicia. Outro elemento que senti falta no online é a possibilidade de reordenar seu time ao dar um rematch contra o mesmo jogador, já que ao fazer isso uma nova partida reinicia automaticamente sem dar chance para que ambos lutadores mudem a ordem dos times.

De todo modo, a experiência do beta de The King of Fighters XV mostra que o jogo será uma versão ainda mais refinada do game anterior, tanto em jogabilidade quanto na qualidade do online e me deixou bastante empolgado pelo produto final.

Rapsódias Revisitadas – A Família Addams

 

Lançado em 1991, A Família Addams não teve um percurso fácil até o lançamento. Os personagens criados por Charles Addams para uma tirinha de quadrinhos tinham encontrado sucesso em uma série de televisão na década de 60, mas não tinham aparecido na mídia por décadas. Barry Sonnenfeld, que até então nunca tinha dirigido nenhum filme, mas tinha ampla experiência como diretor de fotografia, tendo trabalhado em produções como Arizona Nunca Mais (1987), Harry & Sally: Feitos um Para o Outro (1989) ou Louca Obsessão (1990).

A produção

Sonnenfeld foi abordado pelo produtor Scott Rudin depois que nomes como Terry Gilliam e Tim Burton recusaram o projeto. Sonnenfeld leu o roteiro e não gostou, achou que tinha um humor muito próximo da série da década de 1960 e pouco dos cartuns de Charles Addams e argumentou com Rudin que o roteiro era ruim. Rudin aceitou as críticas como mais uma razão para Sonnenfeld aceitar o projeto, já que ele entendia bem os personagens e a produtora Orion aceitou a indicação de Sonnenfeld por confiar em Rudin.

Drops – Age of Calamity: Guardian of Rememberance

 

Depois da decepção que foi a primeira expansão para Hyrule Warriors:Age of Calamity, a segunda expansão Guardian of Rememberance consegue evitar os problemas da DLC anterior, dando uma experiência que agrega tanto em termos de jogabilidade quanto de narrativa.

A história começa depois da campanha principal, com Purrah e Robbie consertando Terrako, o pequeno Guardião que veio do futuro, e descobrindo novos fragmentos de memória dele. As novas missões se situam dentro desses fragmentos de memória e ajudam a entender como Terrako viajou no tempo ou como Astor conseguiu o poder de Calamity Ganon. Algumas dessas memórias também exploram mais as ações dos pilotos das Bestas Divinas e suas contrapartes futuras, ampliando o desenvolvimento desses personagens que ficaram um pouco de lado na campanha principal, algo que apontei quando escrevi sobre o jogo base.

Crítica – Vingança & Castigo

 

O faroeste (ou western) é um dos gêneros mais identificáveis da produção hollywoodiana. Suas tramas e sua mitologia se relacionam com o evento histórico da expansão dos Estados Unidos rumo à costa oeste e visam construir o entendimento do povo estadunidense como audaz, desbravador, capaz de domar o mais hostil dos ambientes graças à sua força e inteligência. Muitos filmes foram feitos a partir de figuras históricas reais como Wyatt Earp ou Doc Holiday.

O protagonismo do western, no entanto, sempre esteve nas mãos de pessoas brancas apesar do registro histórico também mostrar a presença importante de figuras negras como Bass Reeves. Ao fazer isso, a iconografia do gênero acaba dando a impressão de que apenas os brancos tinham as características ideais para prosperarem no velho oeste. Por isso a revisão feita neste Vingança & Castigo é tão importante, mostrando as histórias negras presentes neste momento histórico.

Apesar de se basear em figuras que existiram de verdade no período, a narrativa em si é ficcional. A narrativa acompanha o pistoleiro Nat Love (Jonathan Majors) em sua busca por vingança contra o criminoso Rufus Buck (Idris Elba), responsável pela morte da família de Nat. Tendo escapado da prisão recentemente e se reunido com seu perigoso bando, Rufus toma o controle de uma pequena cidade. Sabendo que não tem como enfrentar Rufus sozinho, Nat se reúne com um grupo de caçadores de recompensa liderados pelo xerife Bass Reeves (Delroy Lindo).

Crítica – Querido Evan Hansen

 

Filmes musicais estão normalmente associados à comédia, mas é perfeitamente possível que o gênero trate de temas mais pesados como suicídio e saúde mental sem parecer que está suavizando a gravidade dessas questões. Querido Evan Hansen, adaptação de um musical da Broadway de mesmo nome, tenta abordar exatamente esses temas, mas tem alguns problemas.

Evan (Ben Platt) é um adolescente tímido que sofre de depressão e ansiedade. Para lidar com isso, seu terapeuta sugere que ele escreva cartas para si mesmo na tentativa de colocar para fora seus sentimentos. Um dia ele acidentalmente imprime uma dessas cartas na escola, que é encontrada por Connor (Colton Ryan) que acha que Evan estava zombando dele. Dias depois Connor se suicida e a carta de Evan é a única coisa encontrada com ele fazendo todos acreditarem que aquela era a carta de suicídio de Connor e que ele e Evan eram amigos. Confrontado pelos pais de Connor, Evan não consegue dizer a verdade e confirma a mentira, que vai ganhando grandes proporções conforme a história se espalha e ele passa a apreciar o fato de finalmente ser notado e ter amigos.

Crítica – Alerta Vermelho

 

Hollywood às vezes cai no erro de achar que basta juntar vários astros que estão em alta num mesmo filme para multiplicar seus ganhos. A história mostra que isso nem sempre dá certo, como no esquecível A Mexicana (2001) que reuniu Brad Pitt e Julia Roberts ou no fraco Passageiros (2016) que juntou Chris Pratt e Jennifer Lawrence. Alerta Vermelho é o mais novo lembrete que nem sempre uma quantidade grande de astros de alta visibilidade equaciona em um bom filme.

Na trama, o agente do FBI John Hartley (Dwayne “The Rock” Johnson) se une ao ladrão Nolan Booth (Ryan Reynolds) para tentar capturar a Bispo (Gal Gadot), a mais elusiva ladra do mundo. A dupla corre contra o tempo para recuperar três valiosos ovos adornados de joias que pertenceram à Cleópatra e que Bispo deseja roubar. É uma trama simples, feita para justificar viagens ao redor do mundo, perseguições e diálogos ferinos entre os personagens, mas nem tudo sai como deveria.

Crítica – Mario Party Superstars

 

Já faz algum tempo que os games da franquia Mario Party não agradam os fãs. Os problemas começaram em Mario Party 9 no Nintendo Wii, quando a navegação no tabuleiro foi reformulada para que todos os personagens andassem juntos em um carro, o que tirava muito da dimensão estratégica. Os problemas continuaram em Mario Party 10 no WiiU e apesar da Nintendo tentar reformular muita coisa em Super Mario Party no Nintendo Switch as coisas não melhoraram muito. Pois com este Mario Party Superstars a Nintendo tenta colocar a franquia de volta aos trilhos ao literalmente retornar ao passado, trazendo ao Switch tabuleiros dos três primeiros jogos no Nintendo 64 e cerca de 100 minigames selecionados entre os melhores da série.

O jogo traz cinco tabuleiros, cada um com seu próprio nível de dificuldade e estratégia, direto dos três primeiros jogos. Logicamente algumas mecânicas foram reajustadas para melhor balanceamento e para comportar algumas mecânicas como o uso de itens que não estavam presentes nos tabuleiros do primeiro Mario Party. A progressão é similar ao dos games clássicos, quatro jogadores em um tabuleiro competem para conseguir moedas e comprar estrelas para ganhar a partida. Cada tabuleiro tem também algumas mecânicas próprias, como a ilha do Yoshi, que permite trocar Toadette (que vende as estrelas) de lugar com Bowser, o laser gigante de Espaçolândia que remove moedas de quem estiver em seu caminho ou a complexa dinâmica entre dia e noite em Medolândia.

Drops – Um Lobo Entre Nós

 

Misturando uma estrutura de “mistério do quarto fechado” ao estilo Agatha Christie com histórias de lobisomem e uma boa dose de comédia este Um Lobo Entre Nós consegue fazer essa mistura resultar em algo razoavelmente divertido. Finn (Sam Richardson) chega a uma pequena cidade no interior dos Estados Unidos para trabalhar como guarda florestal. O pequeno povoado é cheio de personalidades excêntricas e Finn faz amizade com a carteira Cecily (Milana Vayntrub). Durante uma tempestade de neve corpos mutilados começam a aparecer e a cidade fica sem energia, com quase todos se refugiando na única pousada da cidade, mas aos poucos começam a desconfiar um do outro e o caos se instaura.

Boa parte da comédia vem das personalidades bizarras que compõem os habitantes da cidade, que reagem à ameaça da maneira mais estúpida possível e fundamentam suas suspeitas em argumentos imbecis. As reações idiotas dos habitantes sempre geram consequências inesperadas e ainda mais estúpidas que dão um grau de imprevisibilidade à trama. As mortes divertem pela sanguinolência exagerada e também pela criatividade que envolvem algumas delas.

Crítica – Maid

Narrativas sobre mulheres reconstruindo a vida depois de fugirem de um cotidiano abusivo tem se tornado comuns. São histórias necessárias em um contexto em que discutimos cada vez mais sobre as estruturas machistas que governam a sociedade e, nesse sentido, é importante que a ficção também pense a respeito desses temas. A minissérie Maid certamente não faz nada em termos da trama que conta que já não tenha sido contado antes, mas o que lhe confere força é a complexidade que sua trama dá a seus personagens e a imersão que ela proporciona no universo sensível de sua protagonista.

A trama é baseada no livro autobiográfico de Stephanie Land e é centrada em Alex (Margaret Qualley) que vai com a filha de dois anos, Maddy (Rylea Nevaeh Whittet), para um abrigo de vítimas de violência doméstica fugindo do comportamento abusivo do marido Sean (Nick Robinson). Como ela dependia de Sean para tudo, Alex precisa arrumar um emprego para garantir habitação e poder manter a guarda da filha, assim ela começa a trabalhar como faxineira.

Crítica – Marighella

O Brasil nunca passou realmente à limpo o período da ditadura militar (assim como a escravidão também não foi, mas isso é conversa para outra ocasião). Querendo rapidamente fazer a transição para uma democracia com eleições diretas e com medo de melindrar os militares durante a transição, os crimes, horrores e excessos não foram plenamente expostos. Não demos o tempo para fazer a sociedade brasileira entender que era algo para nos envergonharmos (afinal os militares chegaram ao poder com apoio de parte da população e da imprensa) e que deveríamos ter “ódio e nojo” da ditadura como bem disse Ulysses Guimarães. Este Marighella, estreia de Wagner Moura como diretor, mostra a truculência e crueldade daqueles que estavam no poder durante este período, bem como a subserviência dos militares aos interesses dos Estados Unidos.

O filme conta a história real de Carlos Marighella (Seu Jorge), a partir da biografia escrita por Mário Magalhães. Marighella foi um intelectual, político e deputado que iniciou a Aliança Libertadora Nacional (ALN), grupo de luta armada contra a ditadura militar brasileira. As ações de Marighella e da ALN o tornam alvo do governo militar, que despacha o delegado Lúcio (Bruno Gagliasso) para detê-lo.

Crítica – Marvel’s Guardians of the Galaxy

Eu fiquei com um pé atrás com o anúncio deste Marvel’s Guardians of the Galaxy, afinal a incursão anterior da Square-Enix neste universo foi o problemático, ainda que divertido, Marvel’s Avengers, que tentava ser várias coisas ao mesmo tempo e não fazia nenhuma direito. Tudo bem que ele foi desenvolvido pela Crystal Dynamics (responsável pelos recentes Tomb Raider), enquanto que este novo jogo dos Guardiões da Galáxia estava sob a batuta da Eidos Montreal (que desenvolveu os recentes Deus Ex), mas ainda assim temi que a Square, que era a publisher, poderia interferir e repetir os mesmos problemas do game dos Vingadores. Felizmente isso não aconteceu e Marvel’s Guardians of the Galaxy é uma experiência concisa e focada em uma narrativa de um jogador, que mostra o valor desse tipo de experiência que a indústria parece disposta a não fazer a despeito de sucessos como God of War e Jedi Fallen Order.

Na trama, os Guardiões já estão juntos há algum tempo e tentam faturar alto ao capturarem e venderem um monstro poderoso para a temível Lady Hellbender. A missão dá errado e eles são pegos pela Tropa Nova, acidentalmente se colocando no caminho da Igreja da Verdade Universal e seus planos de dominação galáctica. Agora o grupo precisa se unir e superar as diferenças para salvar o universo.

Crítica – Ghostbusters: Mais Além

 

Depois de uma tentativa de fazer um reboot da franquia com Caça-Fantasmas (2016), com novos personagens e uma nova continuidade, a Sony decide retornar ao universo dos filmes originais com este Ghostbusters: Mais Além. Dirigido por Jason Reitman, filho de Ivan Reitman, que dirigiu os dois primeiros filmes, essa nova tentativa de recomeçar funciona simultaneamente como uma continuação e reboot.

Na trama, Callie (Carrie Coon) descobre que o pai, com quem não tinha contato, morreu e deixou uma fazenda decrépita para ela no interior de Oklahoma. Ela se desloca para a propriedade com os filhos Trevor (Finn Wolfhard) e Phoebe (McKenna Grace), uma gênia precoce que não tem uma boa relação com a mãe. Lá Phoebe descobre antigos equipamentos científicos do avô revelando que ele foi um dos Caça-Fantasmas que livrou Nova Iorque de ameaças sobrenaturais na década de 80 e que estava ali para conter uma poderosa entidade que todos achavam ter eliminado.

A trama demora a engrenar com o mistério sobre o avô de Phoebe se alongando desnecessariamente quando a identidade dele é óbvia desde o início (e já estava nos trailers). Sim, eu entendo que há um esforço de construir a dinâmica familiar entre Phoebe e mãe, focando em como elas não conseguem se entender e Phoebe constantemente se sente sozinha e deslocada por ser tão diferente da mãe e do irmão. Ainda assim, fica a impressão que a narrativa demora em entregar revelações que são bem evidentes desde o início.

Rapsódias Revisitadas – Duna (1984)

 

Como falei no meu texto recente sobre Duna (2021), eu adoro o livro homônimo de Frank Herbert desde a primeira vez que o li ainda na adolescência. Lembro, ao terminar de ler, de ficar animado sabendo que já existia uma adaptação cinematográfica feita em 1984 e dirigida por ninguém menos que David Lynch. O estilo visual e o tipo de narrativa do diretor pareciam ideais para adaptar um romance que tem tantos elementos lisérgicos que chega a ser difícil pensar em transpor para o audiovisual uma narrativa que se passa dentro do fluxo de consciência do protagonista em muitos momentos. Duna (1984) tinha muito em seu favor e ainda assim deu errado, embora não tenha sido exatamente culpa de Lynch.

São notórias das brigas que Lynch teve com os produtores e estúdio durante as filmagens. De uma versão inicial previsto para quase cinco horas, algo que o estúdio considerava comercialmente inviável, o filme foi obrigatoriamente reduzido a meras duas horas, uma duração mais padrão para uma produção hollywoodiana. Isso significava cortes severos no que estava planejado e várias gambiarras narrativas para fazer a trama ter o mínimo de coesão.

Crítica – Young Justice: Outsiders

 

Lançada em 2011 no Cartoon Network, Young Justice era uma das melhores séries animadas do universo DC. Era tão boa que foi uma surpresa quando a emissora anunciou o cancelamento da série depois de uma excelente segunda temporada que, por sinal, acabava com um gancho. Desde então os fãs pedem o retorno da série, mas isso só aconteceu em 2019 quando a Warner lançou um streaming exclusivo para produtos da DC e uma terceira temporada intitulada Young Justice: Outsiders foi lançada. O streaming não existe mais e seus produtos foram incorporados à HBO Max, sendo através dela que essa terceira temporada finalmente chega ao Brasil (junto com a estreia da quarta temporada).

Depois dos eventos do segundo ano, os membros sêniores da Liga da Justiça estão em missão no espaço tentando reparar a imagem da Terra e ajudar os planetas afetados. Em uma dessas missões eles descobrem meta-humanos da Terra empregados por vilões intergalácticos como escravos. Assim, cabe aos membros que ficaram no planeta, em especial aos heróis da Justiça Jovem, resolver a crise. O problema é que a ONU, agora liderada por Lex Luthor, limita a ação da Liga, então vários membros da Liga, jovens e experientes, deixam o posto para agir na ilegalidade e prender os traficantes de pessoas. A investigação da equipe secreta os leva à pequena nação da Markovia, na qual a jovem princesa Tara e o príncipe Brion foram sequestrados supostamente por terem o meta-gene.

Crítica – Hypnotic

 

Eu sou um verme. Eu não tenho amor próprio. Eu me odeio. Só isso pode explicar porque continuo a me sujeitar a assistir esses suspenses ruins produzidos pela Netflix. A essa altura eu já deveria saber que dificilmente encontrarei qualquer coisa além de algo tão ruim que me faz eu me contorcer em agonia só de lembrar. É exatamente o que acontece com este péssimo Hypnotic.

Jenn (Kate Siegel) acha que sua vida está estagnada e resolve ir a um hipnotista depois da indicação de uma amiga. Ela começa as sessões com o doutor Collin (Jason O’Mara), mas coisas estranhas começam a acontecer.

O primeiro problema é o quão óbvio fica desde o início que Collin é um completo psicopata desde a primeira cena em que ele aparece. Com uma voz forçosamente grave e olhos esbugalhados que não piscam, não há nenhuma sutileza na composição de Jason O’Mara para nos deixar em dúvida se os eventos que acometem a protagonista são algum distúrbio mental ou se provocados pelo próprio terapeuta. Não ajuda que o consultório dele seja feito com elementos que parecem o design descartado para um covil de vilão de filme do James Bond da década de 70, com direito a fortes luzes vermelhas piscando e um estilo futurista e opressivo.

Crítica – Eternos

 

Fui sem saber o que esperar deste Eternos. Sinceramente temi que fosse mais um filme de origem “padrão Marvel” sem nada digno de nota, mas a presença da diretora Chloe Zhao me deu alguma esperança que pudesse ser diferente. O resultado é algo que mal parece um filme da Marvel, o que é ótimo considerando que nos últimos anos o estúdio estava se apegando demais aos próprios clichês.

Na trama, os Eternos são um grupo de seres imortais e extremamente poderosos enviados pelos Celestiais para proteger a Terra dos Deviantes, seres cósmicos extremamente poderosos. Exceto para enfrentarem os Deviantes, os Eternos não devem se revelar ou interferir na vida dos humanos. Apesar de acreditarem que exterminaram todos os inimigos há séculos, Sersi (Gemma Chan) se surpreende ao ser atacada por um deles em Londres e resolve reunir o grupo para enfrentar a nova ameaça e parte em busca de Ajak (Salma Hayek), a líder da equipe.

Crítica – Peçanha Contra o Animal

 

O sargento major tenente Peçanha (Antônio Tabet) é, provavelmente, um dos mais divertidos personagens recorrentes do Porta dos Fundos, constantemente fazendo graça em cima da conduta truculenta e estúpida da polícia e também de reacionários em geral. É claro, nem tudo que funciona em esquetes necessariamente vai funcionar em um filme narrativo no qual você precisa construir arcos para os personagens. Ainda assim estava curioso para conferir este Peçanha Contra o Animal e o resultado até que é divertido.

Na trama, Peçanha e seu parceiro Mesquita (Pedro Benevides) são incumbidos de encontrarem um misterioso serial killer que está matando uma pessoa por dia. A missão não agrada muito o policial, já que ele acha mais fácil simplesmente pegar uma pessoa aleatória e forçar uma confissão. Assim, o incompetente PM precisa dar um jeito de desvendar o crime.

O filme é consciente do próprio absurdo e das liberdades que toma com o devido processo investigativo, já na primeira fazendo Mesquita comentar que investigação é da alçada da Polícia Civil e Peçanha rapidamente comentando que em Nova Iguaçu a PM acumula as funções de todas as forças de segurança. A trama também brinca com muitos clichês de narrativas hollywoodianas do gênero, como a típica cena em que os personagens são obrigados a entregar a arma e o distintivo a um superior.