Lixo Extraordinário – Super Mario Bros (1993)

 

A Nintendo conseguiu fazer uma boa adaptação de seus games com a animação Super Mario Bros: O Filme, mas essa não foi a primeira tentativa de levar as aventuras do encanador bigodudo para as telonas. A honra pertence a Super Mario Bros, lançado em 1993 e que ao invés de animação era feito com atores. O resultado foi tão atroz que a Nintendo levou décadas sem querer levar suas propriedades ao cinema até que a recente animação finalmente quebrou a resistência da empresa e fez um grande sucesso.

O filme teve uma produção conturbada, sendo dirigido por um casal (Annabel Jenkel e Rocky Morton) em seu primeiro longa-metragem e que não tinham muita noção do material ou controle da situação. O fracasso retumbante do filme, por sinal, fez que os dois não voltassem a dirigir outro filme em Hollywood. Ao longo dos anos os atores Bob Hoskins e John Leguizamo falaram inúmeras vezes da relação ruim que tinham com os diretores e que para suportar o péssimo ambiente de trabalho bebiam bastante e estavam constantemente bêbados no set. Isso inclusive levou Hoskins a se machucar durante a gravação de uma das cenas de ação.

Drops – Kill Boksoon

 

Começando com uma intensa cena de ação em seus primeiros minutos, a impressão que a produção coreana Kill Boksoon dá a seus espectadores é de assistiremos uma trama focada na pancadaria entre os membros de seu universo de assassinos. O produto final, porém, tenta equilibrar a ação, os dramas pessoais de sua protagonista e construir seu universo de organizações criminosas, mas nem tudo se sai bem.

Na trama, Gil Bok-soon (Jeon Do-Yeon) é uma renomada assassina do submundo criminoso da Coreia do Sul. Em sua vida privada ela é mãe solo de uma adolescente e luta para conseguir equilibrar sua profissão com a maternidade. É uma ideia divertida, de se concentrar nas ações mundanas dessa assassina extraordinária, observando ela como mais uma mulher tentando manejar carreira e filhos. O filme é mais sobre a relação dela com a filha do que sobre ação explosiva.

Crítica – Império da Luz

 

Dirigido por Sam Mendes, Império da Luz tenta falar sobre solidão, nostalgia e o poder do cinema, mas nem sempre consegue costurar todas as suas ideias em um conjunto coeso. O cenário na Inglaterra da década de 80 parece evocar experiências pessoais do diretor, embora não seja um filme calcado na relação dele próprio com o cinema como aconteceu em produções como Belfast (2021) ou Os Fabelmans (2022).

A narrativa se passa em uma pequena cidade litorânea da Inglaterra. Hilary (Olivia Colman) é uma mulher solitária de meia idade que parece ter perdido o ânimo, fazendo tudo mecanicamente, inclusive sexo com o dono (Colin Firth) do cinema no qual trabalha, muito por causa da pesada medicação que ela toma depois de um período internada por problemas mentais. As coisas mudam quando ela tem que treinar o novo funcionário, Stephen (Micheal Ward), um jovem negro cheio de energia. Aos poucos eles se aproximam e aprendem mais sobre o outro.

Olivia Colman é ótima em nos fazer perceber as várias camadas e variações bruscas de humor de Hilary. Com um olhar que evoca fragilidade e solidão, mas também uma quantidade enorme de frustração por uma que ela vem deixando passar diante dela embora ainda guarde uma fração de esperança de encontrar felicidade. Sentimos a dor que ela carrega, inclusive por afastar as pessoas ao seu redor com seu jeito abrasivo, e o desejo de transformar a vida. Colman nos faz embarcar na jornada de Hilary mesmo quando o roteiro não desenvolve bem seus caminhos.

Crítica – Campeões

 

Responsáveis por várias comédias nos anos 90 e início dos anos 2000, os irmãos Farrely vem se dedicando a empreitadas solo na direção. Enquanto Peter conduziu produções problemáticas como Green Book (2018) e Operação Cerveja (2022), Bobby Farrely dirigiu Campeões, remake da produção espanhola Campeones (2018). Trata-se de uma história bem típica de esporte e superação, mas que envolve pelo carisma e afeto de seus personagens.

Na trama Marcus (Woody Harrelson) é um irascível técnico de basquete cujo descontrole impediu o progresso da carreira. Depois de ser preso por dirigir embriagado e colidir com uma viatura de polícia, Marcus é condenado a prestar serviço comunitário treinando um time local de atletas paraolímpicos. Logicamente o jeito esquentado de Marcus entra em atrito com as personalidades dos jogadores com Síndrome de Down, mas aos poucos ele vai entendendo como se relacionar com eles, inclusive com a ajuda da irmã de um dos jogadores, Alex (Kaitlin Olson, a Dee de It’s Always Sunny in Philadelphia).

Drops – Super Mario Bros: O Filme

 

Depois de uma malfadada tentativa de levar os games do Mario Bros aos cinemas na década de 90 em um live action estrelado por Bob Hoskins e John Leguizamo, a Nintendo faz uma segunda tentativa de levar esse universo aos cinemas em forma de animação. O cenário é logicamente diferente, afinal agora as adaptações de games vem se provado bem sucedidas tanto no cinema e na televisão, vide os sucessos comerciais dos filmes do Sonic ou de séries como Cyberpunk: Mercenários, Castlevania ou Cuphead.

A trama é tão simples quanto nos games, Mario é um encanador do Brooklyn que cai por acidente em outro universo, o Reino dos Cogumelos. Lá ele se alia à princesa Peach para derrotar Bowser e resgatar Luigi, que foi capturado pelo vilão. O estúdio Illumination, responsável por Meu Malvado Favorito, conduz todo o filme com seu estilo de trama ágil, com muita coisa acontecendo, piadas sucessivas, mas superficial no modo como trata seus personagens.

Drops – A Mãe

 

É curioso que Niki Caro, responsável por filmes mais contemplativos como A Encantadora de Baleias (2002) ou Terra Fria (2005) tenha optado por fazer um filme de ação como esse A Mãe para a Netflix. Tudo bem que ele insere reflexões sobre o feminino e outros temas que lhe são caros, mas o texto não parece casar com as sensibilidades da diretora.

Na trama Lopez é uma agente que se envolve na busca por criminosos perigosos. Quando uma missão dá errado e um deles escapa deixando a agente com uma perfuração na barriga, ameaçando a sua gravidez, os superiores da protagonista acreditam que o melhor que ela pode fazer para deixar a filha segura é colocá-la para adoção. Doze anos depois os criminosos reaparecem em busca de vingança e sequestram a garota Zoe (Lucy Paez). Agora cabe à mãe resgatar a filha e acabar com a ameaça de uma vez por todas.

Crítica – Homens Brancos Não Sabem Enterrar

 

Lançado em 1992, Homens Brancos Não Sabem Enterrar era uma comédia ágil e divertida que funcionava principalmente por conta da química entre Woody Harrelson e Wesley Snipes. Já a atual versão de Homens Brancos Não Sabem Enterrar, lançada direto em streaming, carece do charme e da comicidade do original, além de tentativas de atualizar debates raciais que não levam a lugar algum.

A trama é bem similar ao original. Dois jogadores de basquete amador, Kamal (Sinqua Walls) e Jeremy (Jack Harlow), acostumados a usar o próprio talento para ganhar dinheiro em partidas de rua, se juntam para competirem em um torneio amador cujo prêmio é uma bolada em dinheiro. Eles, no entanto, precisam superar suas diferenças, além das frustrações pessoais em nunca terem conseguido se tornar profissionais.

Crítica – Creed 3

 

Eu queria ter gostado mais de Creed 3, mas é tão parecido com Rocky 3 (1982) que fica a impressão de que esses filmes já não tem mais para onde ir a não ser repetir as fórmulas dos anteriores. Assim como Rocky 3 o protagonista enfrenta um vilão bruto e afeito a ofensas públicas, ele perde uma figura muito próxima de si (Mickey em Rocky 3 e a mãe de Adonis aqui), um antigo rival ajuda o protagonista a treinar (sem cena homoerótica na praia dessa vez) e várias outras semelhanças. É tudo tão parecido e maniqueísta que a trama se torna completamente previsível.

Tudo bem que Damian (Jonathan Majors) é menos unidimensional que o vilão vivido por Mr.T em Rocky 3. Aqui Damian tem uma motivação compreensível para agir da maneira que age, sentindo que tem algo a provar para o mundo, recuperar o tempo que perdeu na prisão e um sentimento de abandono em relação a Adonis (Michael B. Jordan) que se tornou um odioso rancor. Apesar de compreendermos isso, Damian é claramente o vilão da história e esse maniqueísmo fica registrado na luta final entre os dois com Adonis de calção e luvas brancas enquanto Damian está todo de preto, uma versão do boxe para o clichê clássico do “chapéu branco” e “chapéu preto” do faroeste.

Crítica – Air: A História Por Trás do Logo

 

Hollywood sempre fez filmes com histórias de sucesso e empreendedorismo. Produções que reafirmavam a ideia de meritocracia estadunidense de se você trabalhasse duro, você alcançaria a prosperidade financeira. É curioso, portanto, como de uns tempos para cá a indústria tem feito filmes não sobre pessoas, mas sobre produtos. No início do ano tivemos Tetris e agora este Air: A História Por Trás do Logo. Talvez a indústria tenha percebido o desencanto das pessoas com o estado atual do capitalismo, como muito não acreditam (inclusive por sentirem cotidianamente) que seus esforços profissionais não estão sendo devidamente compensados.

Talvez essas histórias sobre produtos, longe dos mitos de meritocracia seja uma maneira de voltar a encantar o espectador com as maravilhas do capitalismo sem tocar em pontos que o público possa não ter adesão. Isso somado ao fator nostalgia, de um apelo ao passado e tempos em que éramos mais novos e menos cínicos em relação ao mundo, visto que produções como Tetris ou Air se passam nas décadas de oitenta.

Succession e a democracia no contexto do capitalismo

Em seu antepenúltimo episódio intitulado America Decides, a série Succession carrega sua ironia desde o título. O episódio acompanha em tempo real os bastidores da cobertura da eleição presidencial pela ATN, emissora fictícia que pertence aos protagonistas (lembrando que Logan Roy foi inspirado no magnata Rupert Murdoch, dono da emissora conservadora Fox News). Tom (Matthew McFayden) tenta manter tudo sob controle, mas as coisas desmoronam quando um incêndio atinge um centro de contagem de votos em um estado chave. Logo Kendall (Jeremy Strong), Shiv (Sarah Snook) e Roman (Kieran Culkin) invadem a redação para saber como Tom irá guiar o enquadramento midiático da notícia.

 

Crítica – Querida Alice

 

Em uma das primeiras cenas de Querida Alice vemos a protagonista em um bar com as amigas. Ela recebe uma mensagem do namorado e corre para o banheiro para responder, mandando uma foto sensual para ele. Ao chegar no apartamento que divide com ele, Alice (Anna Kendrick) tenta lavar o número de telefone que um bartender escreveu em guardanapo antes de jogá-lo fora. Antes de falar para o namorado sobre uma viagem que irá fazer, a protagonista ensaia suas falas repetidas vezes. São ações que parecem pequenas, mas o acúmulo delas já nos primeiros minutos do filme revela o controle e o temor que Simon (Charlie Carrick) exerce em Alice.

Mesmo distante dele, em uma cabana com as amigas, o namorado segue presente na mente de Alice e estimulando sua conduta. A montagem rapidamente insere imagens rápidas de Simon e suas falas para Alice enquanto ela segue o seu dia, como se ele estivesse ali, censurando e criticando cada ação dela. Não há agressão física, mas o filme deixa evidente o dano psicológico que a relação causa em Alice, algo que fica perceptível no modo como ela se tranca no banheiro e arranca os cabelos quando sente que fez algo errado.

Drops – Guia de Viagem Para o Amor

 

Mulher adulta termina um relacionamento longo e embarca em uma viagem para um local paradisíaco para se redescobrir. É uma premissa que Hollywood já fez a exaustão em produções como Sob o Sol da Toscana (2003) ou Comer, Rezar, Amar (2010) e que a Netflix explora neste Guia de Viagem Para o Amor.

Amanda (Rachel Leigh Cook) trabalha como executiva de uma agência de viagens. Depois que seu namorado de cinco anos termina o relacionamento, ela recebe da chefe a incumbência de ir até o Vietnã para ver a viabilidade de aquisição de uma empresa de turismo local para inserir o Vietnã como itinerário de sua agência. Chegando ao país Amanda conhece o charmoso guia Sinh (Scott Ly) e os dois começam a se aproximar.

É o típico romance de personalidades opostas se complementando. Ela é metódica e organizada, ele é espontâneo e aventureiro, juntos aprenderão um com o outro e vão inevitavelmente se apaixonar. Cook e Ly são carismáticos o suficiente para convencer e as paisagens e fatos culturais do Vietnã são interessantes, embora o modo como o filme trata todo o lugar sob um viés exotizante denota um olhar colonizador sobre aquela cultura.

Crítica – Mafia Mamma: De Repente Criminosa

 

A mistura entre comédia e histórias de máfia não é exatamente novidade. Produções como Máfia! (1998), Mickey Olhos Azuis (1999) ou Máfia no Divã (1999) já traziam esse tipo de mistura e parodiavam as convenções de produções centradas na máfia. Nesse sentido, Mafia Mamma: De Repente Criminosa acaba não fazendo muito para se diferenciar em um oceano de paródias já realizadas.

A trama é protagonizada por Kristin (Toni Colette) que vive um momento conturbado com pressões no trabalho, uma traição do marido e a partida do filho para a faculdade. As coisas dão uma inesperada guinada quando ela recebe notícias da morte do avô, que ela nunca conheceu, avisando que ela deve ir para a Itália para a leitura do testamento, Lá Kristin descobre que sua família liderava uma organização mafiosa e como única descendente viva cabe a ela assumir o negócio da família. Sem muito preparo, ela se vê diante de uma organização mafiosa, sendo auxiliada na tarefa pela misteriosa Bianca (Monica Belucci).

De início soa como uma comédia de erros na qual a personalidade mundana de Kristin contrasta com a intensidade dos mafiosos ao seu redor e o deslumbramento da personagem com a Europa a leva a ações que acidentalmente a fazem ser bem sucedida em seus esforços para eliminar rivais e pacificar uma guerra de gangues. Conforme a trama avança, porém, o filme se apoia cada vez mais em piadas sobre máfia que já foram feitas à exaustão e desenvolvimentos bem previsíveis. É fácil antever que o bonitão que Kristin começa a sair não vai ser quem ele diz que é, assim como é bem evidente que determinado personagem vai se mostrar um traidor. A narrativa também é desprovida de urgência, apesar de constantemente mencionar um conflito iminente entre gangues ou tentar construir líderes rivais como ameaças críveis. O texto também tenta inserir ideias de empoderamento feminino que soam superficiais e deslocadas da maluquice da história de máfia que tenta construir.

Crítica – Star Wars: Jedi Survivor

 

Depois do sucesso de Jedi Fallen Order era inevitável uma continuação das aventuras de Cal Kestis, principalmente porque o jogo original, a despeito de fazer muita coisa certa, deixava espaço para muitas melhorias. Pois este Star Wars: Jedi Survivor melhora em praticamente todos os aspectos do game original e entrega exatamente aquilo que esperávamos.

A trama se passa cinco anos depois do original. Cal se separou do resto da sua tripulação e tenta de todo modo conter os avanços do Império. As coisas mudam quando ele descobre uma chave que pode levar a um planeta até então inacessível, que pode ser a chave para que Cal e seus aliados vivam longe da perseguição imperial. O problema é que a chave também está na mira de um perigoso grupo de saqueadores e Cal vai precisar correr contra o tempo para alcançar seu destino antes que os criminosos e o Império o peguem.

Crítica – Sweet Tooth: 2ª Temporada

 

Depois de uma ótima temporada de estreia, o segundo ano de Sweet Tooth expande a mitologia da série e resolve boa parte dos conflitos deixados em aberto na temporada anterior. Os novos episódios trazem boa parte das virtudes da primeira temporada, mas também alguns de seus defeitos.

A trama segue no ponto em que a primeira temporada encerrou. Gus (Christian Convery) foi capturado pelos Primeiros Homens liderados por Abbot (Neil Sandilands) e está em cativeiro com Wendy (Naledi Murray) e os outros híbridos que Aimee (Dania Ramirez) cuidava. Enquanto que as crianças tentam encontrar um modo de fugir antes de serem usados como cobaias pelo Dr. Singh (Adeel Akhtar), Aimee e Jeppard (Nonso Anozie) se juntam para encontrar as crianças de quem cuidavam.

Christian Convery segue adorável como Gus, cuja boa vontade, doçura e otimismo seguem encantadores. Sem a proteção de Jeppard, Gus é obrigado a encarar a brutalidade do universo apocalíptico em que vive, perdendo um pouco de sua ingenuidade, mas mantendo em si a bondade apesar de tudo. Já o Dr. Singh segue dividido entre a devoção em curar sua esposa e o comprometimento ético em experimentar com os híbridos conforme se dá conta de que não são meros bichos. Se Gus ainda consegue se manter fiel a quem é, o médico se afunda tanto em sua necessidade de encontrar a cura para justificar seus sacrifícios e condutas imorais que se torna alguém radicalmente diferente. O personagem acaba servindo como exemplo de como boas intenções podem pavimentar o caminho para se tornar uma pessoa horrível.

Crítica – Guardiões da Galáxia Vol. 3

 

Depois de um segundo filme que ficou abaixo do original, ainda que divertido, o diretor James Gunn retorna para um terceiro (e último, já que agora ele está a frente das produções da DC na Warner) filme neste Guardiões da Galáxia Vol. 3 e traz uma emocionante conclusão para a história que começou no filme original.

A trama segue mais ou menos no ponto em que encontramos a equipe ao final de Guardiões da Galáxia: Especial de Festas (2022). Os Guardiões reconstruíram Luganenhum e agora usam o local como base, cuidando da população. Tudo muda quando são subitamente atacados por Adam Warlock (Will Poulter), que deixa Rocket (Bradley Cooper) gravemente ferido. Os equipamentos médicos dos Guardiões não conseguem curar o companheiro por conta da tecnologia específica que foi usada em seu aprimoramento. Assim, Peter Quill (Chris Pratt) e seus aliados partem em busca da corporação liderada pelo perigoso Alto Evolucionário (Chukwudi Iwuji).

Crítica – O Exorcista do Papa

 

Levemente baseado nos casos reais do padre Gabriele Amorth, cujos exorcismos já foram narrados por William Friedkin no péssimo documentário O Diabo e o Padre Amorth (2018), este O Exorcista do Papa não faz muito além de repetir os lugares comuns que já vimos em outros filmes de exorcismo. A narrativa se passa na década de 80 e leva o padre Amorth (Russell Crowe) até a Espanha para investigar a possível possessão de uma família que vive próxima a uma igreja em reforma. Lá Amorth encontra a pior ameaça sobrenatural que encontrou até então.

Não tem nada aqui que já não tenhamos visto antes em produções similares. Possuídos mutilam o próprio corpo, gritam profanidades, testam a fé dos envolvidos, se contorcem em posições humanamente impossível e arremessam coisas com o poder da mente. Temos também um padre em crise por conta de erros do passado e o demônio que possui a família irá tentar explorar essa fraqueza para se alimentar das dúvidas do protagonista. Russell Crowe tenta dar alguma personalidade a Amorth, com seu jeito desafiador que tenta tirar o próprio demônio do sério, mas o ator esbarra em um texto que não lhe dá muito além de uma série de clichês.

Crítica – Renfield: Dando Sangue pelo Chefe

 

A ideia de fazer uma história do Drácula do ponto de vista do capanga Renfield, soava como um desses caça-níqueis hollywoodianos para reembalar a mesma história num embrulho diferente. Por conta disso, não tive lá muito interesse inicialmente neste Renfield: Dando Sangue Pelo Chefe. As coisas mudaram quando soube que Nicolas Cage seria o Drácula e esse é o tipo de papel grandiloquente que casa muito bem com a energia hiperbólica do ator. Não por acaso Cage é a melhor coisa do filme.

A trama começa com Renfield (Nicholas Hoult) narrando como conheceu Drácula (Nicolas Cage) em flashbacks que recriam cenas de antigos filmes do vampiro (em especial versões vividas por Christopher Lee e Bela Lugosi) até chegar aos dias atuais quando Renfield chega a Nova Orleans para proteger um Drácula ferido depois de sua mais luta contra caçadores de vampiros. Com séculos de servidão, Renfield começa a se questionar se não pode mudar o rumo de sua vida, buscando um grupo de apoio a pessoas em relacionamentos tóxicos. Enquanto Drácula se recupera, Renfield resolve usar suas habilidades sobrenaturais para ajudar pessoas necessitadas e aí conhece a policial Rebecca (Awkwafina), que está em confronto com uma perigosa família criminosa da cidade.

Crítica – Tic-Tac: A Maternidade do Mal

 

Longa-metragem de estreia da diretora Alexis Jacknow, Tic-Tac: A Maternidade do Mal parte de ideias interessantes ao construir um terror sobre a pressão social sobre as mulheres em relação a maternidade e os horrores que emergem de tentar se conformar a essas exigências. A questão é que a produção insere tantas ideias que não tem tempo para desenvolvê-las a contento.

Ella (Dianna Agron) é uma mulher bem sucedida, mas que não deseja ter filhos. Com o seu aniversário de 37 anos se aproximando, vendo as amigas todas terem filhos e com indiretas (ou diretas) do pai sobre a necessidade de ter filhos, a protagonista sente que talvez tenha algo errado consigo. É aí que ela descobre um tratamento experimental sendo testado pela doutora Simmons (Melora Hardin), que visa “consertar” o relógio biológico quebrado de mulheres como Ella, lhes devolvendo o desejo de ser mãe. A terapia consiste de imagens que soam como uma mistura de hipnose com lavagem cerebral, além de uma pesada carga de hormônios. Aos poucos, porém, Ella começa a experimentar horrendos efeitos colaterais.

Rapsódias Revisitadas – Central do Brasil

 

Lançado em 1998, Central do Brasil celebra 25 anos em 2023 e fiquei em dúvida se eu teria algo a dizer sobre esse filme que já não tenha sido dito antes. Provavelmente o auge do movimento da Retomada do cinema brasileiro na segunda metade da década de 1990, Central do Brasil foi extremamente bem sucedido tanto em termos de bilheteria quanto de reconhecimento. Venceu o Urso de Ouro no Festival de Berlim, além de um prêmio para Fernanda Montenegro como melhor atriz, foi indicado a dois Oscars (melhor filme estrangeiro e melhor atriz), além de indicações ao BAFTA, César e Globo de Ouro.

A trama é protagonizada por Dora (Fernanda Montenegro) uma professora aposentada que passa seus dias na Estação Central do Brasil, no Rio de Janeiro, escrevendo cartas para pessoas analfabetas. Um dia ela conhece o garoto Josué (Vinícius de Oliveira), cuja mãe pediu para Dora escrever uma carta para o pai do menino. Quando a mãe de Josué é morta em um atropelamento e o garoto fica sozinho na estação, Dora se compadece e decide ajudar o menino, embarcando em uma viagem pelo coração do Brasil para encontrar a família do garoto e, no processo, acaba se redescobrindo.