Crítica - A Fuga

Creio que nunca o título de um filme transmitiu tão bem a sensação que eu tive durante a apreciação da obra. Durante os cerca de noventa minutos do filme (mas que pareceram durar muito mais) tudo que eu sentia era vontade de fugir da sala de cinema e tirar da memória esse desastre horrendo.

O filme acompanha um trio de ladrões que, depois de um assalto bem sucedido, rumam para a fronteira dos Estados Unidos com o Canadá. Quando o carro em que viajam sofre um acidente, apenas os irmãos Addison (Eric Bana) e Liza (Olivia Wilde) sobrevivem e decidem se separar para terem melhores chances de chegar à fronteira do Canadá. Em paralelo, o ex-boxeador Jay (Charlie Hunnam) acaba de sair da prisão e mata acidentalmente seu antigo treinador, com medo de voltar para cadeia, segue para a casa dos pais, uma fazenda próxima à fronteira do Canadá.

Até então nada que já não tenhamos visto anteriormente nesses suspenses pés-de-chinelo que passam direto no Supercine da Globo. A premissa, apesar de bem básica, poderia até render um caldo razoável ao tratar dessas pessoas que seguem em fuga não apenas de seus atos, mas de seu passado, entretanto, a execução é péssima e a sensação é que os realizadores simplesmente não sabiam o que fazer com sua narrativa, todo desenvolvimento do filme acontece apenas por necessidade do roteiro e nunca por algo realmente motivado pelos personagens ou pelo contexto.

Crítica – Killer Joe: Matador de Aluguel

É muito bom ver um diretor veterano sendo capaz de produzir obras com o mesmo vigor e impacto dos seus períodos de apogeu, assim é muito bom constatar que o quase octogenário William Friedkin entregue um filme tão instigante quanto suas pérolas de outrora como O Exorcista (1973) e Operação França (1971).

Este Killer Joe: Matador de Aluguel representa um mergulho no que há de pior no comportamento humano, nos apresentando uma galeria de personagens detestáveis, de moral distorcida e incrivelmente estúpidos. O filme conta a história de Chris (Emile Hirsch) um pequeno traficante que se vê endividado com seus fornecedores depois de sua mãe cheirar seu estoque de cocaína. Sem dinheiro, recorre a seu pai, Ansel (Thomas Haden-Church), cuja única ajuda é dizer “você deveria fugir da cidade”. A resposta para seus problemas parece ser o seguro de vida que sua mãe tem em nome de sua irmã, Dottie (Juno Temple), uma garota retraída, quase beirando o autismo, devido à violência diária que vivencia entre seu pai e sua madrasta, Sharla (Gina Gershon) por causa de seus trambiques e traições.

Assim sendo, Chris decide matar a mãe. Disposto a obter o dinheiro do seguro que garantiria o pagamento da dívida, do assassinato e ainda sobraria dinheiro, Chris chama o policial e matador profissional Joe Cooper (Matthew McConaughey), um homem que esconde uma índole selvagem e violenta sob seus modos calculados e contidos. Quando Joe pede o pagamento adiantado, a única solução que Chris encontra é oferecer sua irmã como “garantia” até que o pagamento seja pago. Sim, o sujeito prostitui a irmã socialmente incompetente para pagar por um assassinato e isso é apenas a ponta do iceberg do comportamento sujo desta família desajustada que inclui ainda sonhos incestuosos e todo tipo de agressão.

Crítica – Oz: Mágico e Poderoso

A primeira coisa que me veio à mente quando ouvi falar sobre a produção de Oz: Mágico e Poderoso foi “pra quê?”. Sério, duvido muito que qualquer pessoa que tenha visto o filme O Mágico de Oz(1939), dirigido pelo Victor Fleming, ou qualquer um que tenha lido o livro de L. Frank Baum tenha pensado ou ficado curioso em saber como o mágico chegou a Oz. Isso, na verdade, parece ser fruto da tendência recente em Hollywood de revisitar clássicos para mostrar as “histórias não contadas”, mesmo que ninguém queira realmente saber que histórias são essas. A própria Disney fez isso com o horrível Alice no País das Maravilhas (2010), que se apresentava como uma continuação dos dois livros escritos por Lewis Carroll, igualmente desastrosa foi a tentativa de contar a origem do psicopata Hannibal Lecter em Hannibal: A Origem do Mal (2007). Assim sendo, as chances deste Oz: Mágico e Poderoso entregar algo realmente interessante pareciam bem pequenas.

Felizmente, o filme consegue ser uma obra satisfatória, resgatando um pouco da mágica presente no clássico de 1939 e conseguindo se manter fiel ao seu espírito. Aqui acompanhamos a história de Oscar Diggs (James Franco), ou simplesmente Oz, um mágico circense do Kansas que acaba indo parar no mundo de Oz (sim, o mundo e o mágico tem o mesmo nome) depois de ser pego por um furacão. Em Oz, o mágico precisa ajudar a bruxa boa Glinda (Michelle Williams) a libertar a Cidade Esmeralda das bruxas más Theodora (Mila Kunis) e Evanora (Rachel Weisz).

A narrativa é centrada no mágico e sua transição de jovem inconsequente, aproveitador e narcisista para um sujeito capaz de confiar em si mesmo e em seus talentos e inspirar confiança e força no povo de Oz e é graças à performance carismática e cafajeste do James Franco que acreditamos no personagem. A jornada do mágico serve ao mesmo propósito da história de Dorothy na produção de 1939, passando a mensagem de que não há uma solução mágica para nossos problemas e que precisamos encontrar em nós mesmos aquilo que consideramos ser necessário para o nosso sucesso e bem estar.

Crítica – Amigos Inseparáveis

É muito triste quando vemos um competente ator veterano chegar a um ponto de sua carreira onde ele passa anos se limitando a aparecer basicamente como ele mesmo (ou como a persona pública que criou para si) em filmes sofríveis que desperdiçam seu talento. Acontece com Robert De Niro (que voltou a ter um papel digno somente com O Lado Bom da Vida), e com dois dos protagonistas deste Amigos Inseparáveis, Al Pacino (até hoje não entendo como ele foi parar no horrendo Cada Um Tem a Gêmea que Merece) e Christopher Walken. Do trio principal apenas Alan Arkin parece manter uma consistência, tendo participado de projetos premiados como Argo(2012) e Pequena Miss Sunshine (2006), além de projetos com sucesso modesto como Agente 86 (2008). Dito isto, é ótimo constatar que Amigos Inseparáveis dificilmente irá constar no rol de recentes porcarias homéricas feitas por Pacino e Walken.

O filme acompanha o mafioso Val (Al Pacino) em seu primeiro dia de liberdade depois de passar vinte e oito anos preso e seu reencontro com os amigos da velha guarda, Doc (Christopher Walken) e Hirsch (Alan Arkin). O dia do trio, entretanto, não é apenas nostalgia, já que o mafioso Claphands deseja eliminar Val como vingança por ter matado seu único filho e contratou Doc para isso. Assim, Doc planeja aproveitar o tempo que resta ao lado do amigo.

Crítica – Duro de Matar: Um Bom Dia Para Morrer

O primeiro Duro de Matar (1988) foi lançado como um contraponto aos filmes de ação estrelados por brucutus indestrutíveis que enfrentavam hordas de inimigos sem dificuldade e saíam ilesos dos mais violentos confrontos e John McClane (Bruce Willis) não era assim. Apesar de ser um policial competente, McClane estava sempre acuado, em menor número e com equipamento inferior, para vencer precisava usar seu raciocínio, estratégia e ocasionalmente algumas provocações aos seus adversários. Cada confronto da trilogia original era uma luta pela vida e o risco que o protagonista corria era palpável, ao final da maioria de seus enfrentamentos McClane raramente saía ileso e ao longo dos filmes ia ficando mais debilitado, aumentando os riscos e, consequentemente, o suspense.

Boa parte desses elementos já tinham sido defenestrados no quarto filme da série Duro de Matar 4.0 (2007) e agora este Duro de Matar: Um Bom Dia Para Morrer termina de abandonar praticamente tudo que tornava a franquia tão legal, transformando seu protagonista em um Rambo genérico que fica parado metralhando capangas que correm estupidamente rumo aos seus tiros e sobrevive a praticamente tudo sem nenhuma consequência. McClane até sangra e reclama da dor, mas logo depois ele está agindo como se nada tivesse acontecido. O cúmulo disso é a cena em que McClane e seu filho, Jack (Jai Courtney), se jogam sobre alguns andaimes e Jack termina com uma haste de metal atravessada na lateral do abdômen, seu pai retira o ferro e na cena seguinte ele corre, pula e atira como se não houvesse nenhum ferimento.

Crítica – A Hora Mais Escura

Os atentados de 11 de setembro mudaram os Estados Unidos, a superpotência que até então parecia inatingível foi ferida brutal e publicamente, já não podia mais ser vista como invencível e imune a ameaças. Parecia lógico, portanto, para esta nação que se considerava ferida perseguir o responsável como uma maneira de reparação, de fechar as feridas abertas, é exatamente sobre a busca por Osama Bin Laden que trata este A Hora Mais Escura.

O filme acompanha a jornada da agente Maya (Jessica Chastain) desde 2003 até os instantes ocorridos na casa do Paquistão onde Bin Laden foi abatido (e não, isso não é spoiler). O filme se mostra bastante didático em apresentar datas, locais e fatos de modo a reforçar que está retratando fatos reais. Contribui também para isso a divisão da narrativa em tópicos e a própria direção de Kathryn Bigelow que conduz a obra com uma objetividade quase que jornalística como se fosse um filme-reportagem.

É bom deixar claro, no entanto, que isso não significa que tudo que vemos tela ocorre tal qual a realidade, ainda estamos diante de uma obra de ficção, encenada, roteirizada e atuada. Muito bem atuada por sinal, a protagonista Jessica Chastain constrói muito bem a transformação da agente Maya que inicialmente apresenta-se incomodada com as práticas de interrogatório para, aos poucos, abrir mão de qualquer coisa e se alienar de qualquer humanidade em nome de sua obsessão em localizar de Bin Laden. É interessante inclusive como o filme usa sua protagonista feminina para chamar a atenção para o machismo que ainda existe nos locais de trabalho, principalmente na cena da reunião com o diretor da CIA onde Maya, a única mulher do recinto e a que mais conhece o assunto, é colocada para sentar em uma cadeira distante, próxima à parede, enquanto o resto da equipe senta-se à mesa e ao redor do diretor e todos conversam de costas para ela, ignorando sua presença até o momento em a agente se manifesta.

Crítica – O Lado Bom da Vida

O diretor David O. Russel já tinha me surpreendido uma vez com Três Reis (1999), um filme que parecia ser mais um filme de ação sobre a Guerra do Golfo se revelou um retrato interessante da ocupação americana no Iraque durante o período. Me surpreendeu novamente com O Vencedor (2010), uma obra que parecia ser outro melodrama sobre boxe, mas que era, na verdade um drama eficiente sobre uma família problemática. Agora, com seu O Lado Bom da Vida, me surpreende pela terceira vez transformando o que poderia ser apenas mais um daqueles filmes indies/bonitinhos banais (sim, Juno, estou olhando para você) que sempre aparecem durante a temporada de premiações em uma comédia dramática extremamente eficiente sobre duas pessoas emocionalmente complicadas.

A história, adaptada do romance homônimo de Matthew Quick, acompanha Pat (Bradley Cooper), um homem recém-saído de um hospital psiquiátrico que volta a morar com os pais (Robert De Niro e Jacki Weaver) e tenta reconstruir sua vida e voltar para sua esposa. Buscando ter uma atitude positiva em relação à vida ele tenta reconstruir o vínculo com Ronnie (John Ortiz), seu amigo de infância, e acaba se aproximando de sua cunhada Tiffany (Jennifer Lawrence), uma jovem tão problemática quando ele próprio.

Construir uma história ao redor de indivíduos mentalmente perturbados é obviamente uma corda bamba temática, se o filme pegar leve demais e suavizar o problema cai no erro de ser condescendente e romantizar um problema sério. Por outro lado, se o diretor pesar demais a mão nos problemas dos personagens, pode acabar produzindo uma reação de repulsa ao invés de simpatia pelos protagonistas ou cair no melodrama barato que apenas visa mostrar como é trágico e difícil lidar com pessoas com esses problemas.

Crítica - Os Miseráveis

Este Os Miseráveis, dirigido por Tom Hooper (O Discurso do Rei) não adapta diretamente o romance de Victor Hugo e sim o musical da Broadway baseado no romance. Assim sendo, aconselho de se manterem afastados do filme aqueles que têm dificuldade em comprar a ideia de ter pessoas cantando o tempo todo ao invés de falarem umas com as outras, já que se trata de exemplar bastante tradicional do gênero musical.

O filme se passa na França do século XIX e conta a história de Jean Valjean (Hugh Jackman) um homem que passou vinte anos preso por roubar um pedaço de pão e foge depois de receber sua liberdade condicional, passando a ser caçado pelo inspetor Javert (Russel Crowe). Anos passam e Valjean se torna prefeito de uma pequena cidade, mas, quando decide tomar conta da filha da trabalhadora Fantine (Anne Hathaway), acaba indo em direção ao seu perseguidor e à explosão de uma revolta popular em Paris.

É uma pena que uma história tão forte e com tanto potencial foi parar em mãos tão preguiçosas quanto às de Tom Hooper que, assim como fizera com em O Discurso do Rei(2010), parece estar dirigindo com o piloto automático ligado. Seus planos são quase sempre estáticos e pouco exploram a profundidade do campo. O registro dos atores (principalmente quando estão cantando) se dá primordialmente por primeiros planos e isso se torna bastante problemático quando mais de duas pessoas interagem ao mesmo tempo já que a montagem fica pulando rapidamente de um close para outro, não valorizando ou utilizando o espaço da cena ou mesmo outros aspectos da performance de seus atores que não seus rostos. A sensação é que ele posicionou as câmeras, fez a marcação dos atores e depois saiu para tomar um café enquanto a cena era rodada.

Crítica – Caça aos Gângsteres

Um policial durão e incorruptível se cansa do domínio de um chefão da máfia sobre sua cidade e monta um esquadrão para trabalhar independente da corrupta polícia e por um fim a este reino de crimes, essa é a premissa de Os Intocávei…opa…err…de Caça aos Gângsteres que, como podem ver, tem uma sinopse rigorosamente semelhante ao clássico de 1987 dirigido por Brian de Palma e isso já indica que não veremos um filme muito inovador ou criativo.

Ambientado na Los Angeles no fim dos anos 40, acompanhamos o detetive O’Mara (Josh Brolin) formar seu grupo de intocáv….digo…esquadrão anti-gângsteres para deter psicótico mafioso Mickey Cohen (Sean Penn). Apesar do elenco de renome que contem ainda Ryan Gosling, Giovanni Ribisi, Robert Patrick e Emma Stone, os personagens não passam de um bando de estereótipos que vão, além dos já citados, para o velho pistoleiro (Patrick), o galã com problemas de jogo (Gosling), o certinho e idealista (Ribisi) e por aí vai, sem nunca desenvolvê-los de modo satisfatório ou tentar fazer deles algo além destes estereótipos. O roteiro tampouco oferece algo além de um desenvolvimento apressado (temos a sensação de que se passaram poucos dias e não os meses que de fato passam), e previsível.

Crítica - O Mestre

Durante muito tempo O Mestre era tido como uma espécie de filme-denúncia que trataria do início da cientologia, seita que arrebanha famosos como Tom Cruise e John Travolta, centrando-se na figura de seu criador, L. Ron Hubbard. O filme, entretanto passa longe disto. O diretor Paul Thomas Anderson de fato retrata um grupo bem parecido com a cientologia e o personagem Lancaster Dodd (Philip Seymour-Hoffman), o mestre do título, é a cara de Hubbard, mas sua intenção aqui parece ser muito mais tratar de ideias como controle, poder e o fascínio da crença do que apenas criticar a cientologia.

O Mestre conta a história de Freddie Quell (Joaquin Phoenix) um veterano da Segunda Guerra, confuso, alcoólatra e autodestrutivo que se encontra por acaso com Lancaster Dodd, líder do grupo conhecido como “A Causa”. A partir desse encontro, Dodd vê em Quell uma cobaia (o personagem chega a se referir a ele desta forma) para testar os métodos de sua religião e acompanhamos o desenrolar da relação dos dois bem como o crescimento do culto.

É impressionante como Phoenix desaparece em sua composição de Quell, com uma postura torta, ombros curvados e andar esquisito que revelam externamente o interior “distorcido” do personagem. A confusão interna do personagem também é retratada em sua dicção, com um tom grave e lento (como se o ato fosse incrivelmente difícil), além de mal mover os lábios para falar.