Crítica - A Menina Que Roubava Livros

Filmes sobre o Holocausto ou a vida na Alemanha nazista são quase que um gênero em si mesmo, praticamente todo ano, em especial próximo à temporada de premiação, uma ou mais produções com estas características chegam aos cinemas. Muitas delas são bastante esclarecedoras, provocadoras e inspiradoras, mas outras são apenas produtos derivativos feitos para explorar a sensibilidade que esta temática faz aflorar e tentar amealhar indicações a Oscar, Globo de Ouro e similares, na tentativa de aumentar a visibilidade e arrecadação. Este A Menina que Roubava Livros, inspirado no best-seller de Markus Zuzak (que não li) tinha tudo para estar na primeira categoria, mas infelizmente caiu na segunda.

A trama acompanha Liesel (Sophie Nelisse) uma garota que é mandada para viver na Alemanha nazista sob a tutela de uma família adotiva durante o período em que eclode a segunda guerra mundial. Para lidar com suas dificuldades, a jovem se foca na literatura e passa a ser ajudada por Hans (Geoffrey Rush), seu pai adotivo, em seus esforços de leitura e começa a roubar livros da casa do prefeito local para aprender mais.

Tudo isso oferecia um olhar muito interessante sobre a importância da palavra e das ideias e de como elas sobrevivem e instigam temor mesmo em um ambiente altamente bruto e truculento como a Alemanha nazista e as queimas de livros representam exatamente esse ato de violência simbólica intolerante contra tudo aquilo que é diferente e que desafia suas crenças.

Crítica – 47 Ronins

Quando um filme passa por tantos problemas durante sua produção como 47 Ronins, cujos problemas atrasaram o filme mais de um ano, pois perto do fim das filmagens teve seu diretor demitido, roteiro reescrito e novas cenas filmadas, além do primeiro diretor ter pedido a intervenção do sindicato de diretores para manter seu nome nos créditos, em geral espera-se que o resultado final seja desastroso. Exceções acontecem, como Guerra Mundial Z (2013), que é minimamente apreciável, mas em geral o que vemos são grandes desastres. No entanto, 47 Ronins não chega a ser a bomba que se esperava, mas ainda assim é um filme insípido, sem personalidade que falha em empolgar e envolver.

A trama se baseia na história real de 47 ronins durante o Japão do período do xogunato, mas adicionando elementos fantásticos a ela. Aqui acompanhamos o samurai Oishi (Hiroyuki Sanada) que torna-se um ronin depois que seu senhor, Lorde Asano (Min Tanaka) é assassinado pelo ganancioso Lorde Kira (Tadanobu Asano) e uma poderosa bruxa (Rinko Kikuchi). Na sua busca por justiça e vingança Oishi se junta aos demais samurais desonrados de sua província, mas para vencer precisa buscar a ajuda do mestiço Kai (Keanu Reeves) que aparentemente teve contato com criaturas sobrenaturais.

Sim, ao contrário do que os trailers e pôsteres dão a entender, Keanu Reeves não é exatamente o protagonista do filme, ele até tem um arco próprio, mas é um ajudante na jornada de vingança dos ronins. Na verdade, alguns outros personagens mostrados em vídeos e cartazes não aparecem mais do que poucos segundos. Tudo bem, sabemos que muitas cenas que aparecem em trailers muitas vezes são cortadas, mas fazer cartazes individuais para personagens que são meros figurantes é uma picaretagem sem tamanho por parte do estúdio.

Crítica – O Lobo de Wall Street

A recente crise econômica dos Estados Unidos motivou muitas séries e filmes a se debruçarem sobre o universo e quais as possíveis fatores responsáveis por fazerem a economia do país estourar feito uma bolha de sabão enquanto o cidadão médio tinha certeza de que tudo estava indo bem. Diante disso, havia certo temor de este O Lobo de Wall Street com suas intimidadoras três horas de duração pudesse ser um grande embuste que não fosse nada além de uma versão do Scorsese de Wall Street: Poder e Cobiça (1987) de Oliver Stone. Mas a verdade é que o veterano Scorsese não é alguém que deva ser subestimado e seu O Lobo de Wall Street é um retrato vibrante, enérgico e debochado dos bastidores do mundo financeiro com um vigor, uma energia e uma completa falta de noção que fazem o Gordon Gekko (Michael Douglas) do filme de Oliver Stone parecer um escoteiro perto da insana e delirante falta de escrúpulo de Jordan Belfort (Leonardo DiCaprio) e seus sócios. Chega a ser impressionante que Martin Scorsese, no alto de seus 71 anos, consiga fazer uma obra tão enérgica, juvenil, demente e porra-louca.

O filme conta a história real do corretor da bolsa de valores Jordan Belfort, que começou a trabalhar em um grande escritório de corretagem, mas logo abriu sua própria firma ao descobrir o quanto podia ganhar negociando ações de baixíssimo valor que não entravam nos índices do pregão e ofereciam comissão mais alta. Claro, suas atividades não eram completamente dentro da lei e logo o crescimento de sua empresa chama atenção do agente do FBI Patrick Denham (Kyle Chandler), ao mesmo tempo em que Belfort precisa lidar com seu crescente vício em drogas e com os problemas em seus relacionamentos.

Crítica – Muita Calma Nessa Hora 2

O primeiro Muita Calma Nessa Hora (2010) foi uma grata surpresa em meio ao grande volume de comédias horrendas que a Globo Filmes começou a despejar nos cinemas nos últimos anos. Não era nenhuma obra prima, nem tinha uma trama muito elaborada, mas pelo menos era uma comédia despretensiosa, redondinha, bem realizada e conseguia divertir e fazer rir sem sentir que minha inteligência estivesse sendo sugada do meu cérebro. Assim, temi que esta continuação não fosse tão eficiente quanto o original e embora não tenha o clima de leveza e despretensão do anterior e exiba alguns problemas, ainda é uma comédia satisfatória.

A trama se passa três anos depois do original e coloca as amigas Tita (Andreia Horta), Estrela (Débora Lamm), Mari (Gianne Albertoni) e Aninha (Fernanda Souza) se reencontrando no Rio de Janeiro para um festival de música e a partir daí começam as famosas “muitas confusões”. O problema nem é a ausência de uma trama em si, mas que não há nenhuma preocupação em estabelecer qualquer tipo de conflito ou arco dramático para boa parte das personagens que simplesmente passeiam pelo filme sem, em geral, passar por qualquer transformação ou aprendizado.

Apenas Tita e Estrela apresentam alguma tentativa de possuir um arco dramático e os dois são bastante insatisfatórios. Tita enfrenta o desafio de tentar de tentar viver profissionalmente da fotografia enquanto que seus pais insistem que ela se contente com um emprego mais normal. A questão é que o filme termina sem resolver isso, vemos Tita fotografando as amigas em uma festa na cena final, mas em nenhum momento isso nos dá a sensação de que ela, enfim se tornou uma fotógrafa profissional. Já Estrela tem um arco envolvendo a herança de sua vó e as dívidas de seu pai Pablo (Nelson Freitas) a um grupo de mafiosos argentinos. Este arco funcionaria para construir algum tipo de clímax ao filme, mas falha em gerar tensão ou drama, principalmente porque os dois gangsteres jamais soam como uma ameaça crível, em especial depois do tolo “recado” à Pablo que tenta parodiar O Poderoso Chefão (1972).

Crítica – Confissões de Adolescente

A adolescência é sempre um período de mudanças e descobertas e elas vêm sempre acompanhadas de medos, inseguranças e conflitos. Para o bem ou para mal é sempre um momento marcante de nossas vidas e este Confissões de Adolescente, adaptação da famosa série de tv dos anos 90, tenta trabalhar como essas experiências nos moldam e nos modificam.

O filme acompanha uma série de personagens, mas é focado nas irmãs Tina (Sophia Abrahão), Bianca (Isabella Camero), Alice (Malu Rodrigues) e Carina (Clara Tiezzi), cujo pai (Cássio Gabus Mendes) revela que não tem mais condição de pagar o aluguel do condomínio em que vivem e precisarão se mudar.

Por acompanhar muitos personagens simultaneamente, o filme acaba tendo um ritmo demasiadamente fragmentado e episódico, já que os arcos de cada personagem são, em geral, relativamente simples, mas são constantemente interrompidos enquanto pulamos de um personagem para outro. Isso também torna o filme um pouco irregular já que alguns personagens acabam se revelando muito mais satisfatórios do que outros.

O destaque fica por conta do arco envolvendo Juliana (Olivia Torres) e Bianca, uma vez que as duas lidam com sentimentos de inadequação, isolamento e bullying e o filme, bem como o trabalho das atrizes, trabalha com cuidado e sensibilidade essas questões, se beneficiando da ótima performance das duas. Chama atenção também a subtrama envolvendo dois garotos tentando imitar o vampiro Edward Cullen da saga Crepúsculo para tentar impressionar Carina. A dupla é responsável pelos momentos mais engraçados do filme ao tentar imitar falas e situações envolvendo o vampiro brilhoso, na verdade creio que os dois atores são melhores “Edwards” que o próprio Robert Pattinson.

Crítica – Ajuste de Contas

Um antigo campeão de boxe há muito relegado ao ostracismo tem sua história revisitada por um programa de televisão e a partir daí cresce novamente o interesse público pelo velho boxeador e mais uma vez surge a oportunidade de provar seu valor no ringue. Esse era o enredo de Rocky Balboa (2006), retorno de Sylvester Stallone ao seu papel mais famoso, mas basta acrescentar um segundo boxeador de idade avançada à premissa que temos a trama básica deste Ajuste de Contas, que novamente coloca Stallone como um velho boxeador que trinta anos depois resolve disputar uma nova luta com um antigo rival, interpretado por Robert De Niro.

Na trama Henry “Razor” Sharp (Stallone) e Billy “The Kid” McDonnen (De Niro) são ex-campeões de boxe que se enfrentaram duas vezes pelo título com uma vitória para cada lado. A terceira e decisiva luta que desempataria a disputa acabou não acontecendo devido à uma súbita decisão de Razor de se aposentar do esporte, mas a rivalidade e o ressentimento permaneceu viva entre os dois por mais de trinta anos. Quando um especial de televisão revisita a carreira dos dois um promoter oportunista (Kevin Hart) decide tentar concretizar a derradeira luta entre eles, acreditando que isto o tornará rico.

Sendo bem sincero, não é apenas a premissa que o filme pega emprestado do ótimo Rocky Balboa, mas também toda a sua temática de mostrar que a chamada terceira idade é muito mais ativa e disposta do que era a tempos atrás e que envelhecer não é algo necessariamente ruim. Temos também toda a ideia desses antigos campeões como pessoas presas ao passado que ainda sofrem com perdas e traumas antigos e que tentam de algum modo reconstruir suas vidas. Tudo isto está presente aqui, mas sem a competência, sensibilidade e equilíbrio com que Rocky Balboa tratava tudo isto.

Crítica – Frozen: Uma Aventura Congelante

Depois de passar boa parte da última década dependendo da Pixar para produzir boas animações, a Disney parece ter reaprendido o “caminho das pedras” nos últimos anos com produções bacanas como Enrolados (2010) e Detona Ralph (2013) e com este Frozen: Uma Aventura Congelante consegue atingir o nível de seus clássicos mais recentes como A Bela e a Fera (1991), Aladdin (1992) e O Rei Leão (1994).

A história é baseada em uma das fábulas de Hans Christian Andersen e conta a história das irmãs Anna (Kristen Bell) e Elsa (Idina Menzel). Já na infância Elsa descobre poder manipular gelo, mas quando ela machuca sua irmã mais nova por acidente, seus pais a isolam do resto do mundo com medo que ela não consiga controlar seus poderes. Quando chega o dia de sua coroação, Elsa exibe seus poderes por acidente, deixando todos amedrontados e para não machucar seus súditos ela foge para longe, construindo para si um castelo de gelo nas montanhas, o que ela não sabe é que seus poderes deixaram o reino em um inverno perene. Assim, cabe a Anna conseguir chegar até sua torre de gelo e ajudar a irmã a reverter a situação, para tal ela conta com a ajuda do explorador Kristoff (Jonathan Groff) e do boneco de neve Olaf (Josh Gad).

O primeiro grande mérito do filme é conseguir equilibrar bem a aventura, o drama, o humor e os segmentos musicais. Temos algumas cenas de ação muito bem construídas como o momento em que Anna e Kristoff são perseguidos por lobos ou quando soldados invadem a torre de Elsa e ela é obrigada a se defender. Ao mesmo tempo, as canções são as melhores a aparecerem em um produto da Disney em muito tempo e certamente vão ficar na cabeça. As duas protagonistas são bem construídas com seus conflitos, virtudes e defeitos, além de passarem longe de serem somente princesas passivas que esperam algum príncipe encantando resgatá-las.

Crítica – Questão de Tempo

No nosso cotidiano muitas vezes somos soterrados por tantas atividades e demandas que muitas vezes desejamos que o dia tivesse algumas horas a mais para que pudéssemos resolver tudo e ainda aproveitar nossas vidas ou então que fosse possível voltar no tempo para evitar perdermos nossas vidas com bobagens. É justamente sobre o uso do tempo e como torná-lo um aliado ao invés de inimigo que irá tratar este Questão de Tempo.

O filme centra sua trama em Tim (Domhnall Gleeson), um tímido jovem britânico que sente dificuldade em se aproximar de garotas até o dia em que seu pai (Bill Nighy) lhe conta que os homens da sua família tem o incomum poder de voltar no tempo. Assim, Tim decide usar sua habilidade para conquistar a mulher de seus sonhos, Mary (Rachel McAdams).

Se a premissa não é lá muito original, praticamente idêntica ao enredo de Feitiço do Tempo (1993) com pitadas de Efeito Borboleta (2004), o filme nos conquista e envolve pela sua sensibilidade e naturalismo (descontando o elemento fantástico da viagem no tempo, claro). Diferente da maioria das comédias românticas atuais Questão de Tempo jamais se entrega a grandes arroubos românticos com declarações de amor excessivamente encenadas e planejadas ou tampouco pesa a mão no melodrama e no sentimentalismo barato apenas para fazer o público chorar. Aqui acompanhamos a história simples e sincera de duas pessoas que se unem e tentam construir uma vida juntos e os problemas que vão surgindo entre eles e com suas famílias conforme o tempo passa, equilibrando com bastante competência o drama e a comédia.

Crítica – Ender’s Game: O Jogo do Exterminador

Há uma dicotomia interessante na guerra e no tratamento com o inimigo. Por um lado é preciso conhecê-lo ao máximo para entender seus movimentos e modos de agir para ser mais efetivo para derrotá-lo. Por outro é necessário manter a maior distância possível, transformando-o numa coisa, num ideal, numa generalização para impedir que seja criada qualquer ligação pessoal e afetiva que suscite hesitação em eliminar o inimigo. É exatamente sobre guerra e alteridade que trata este Ender’s Game: O Jogo do Exterminador.

A trama se passa no futuro quando a Terra é atacada por alienígenas insetoides conhecidos como Formics. Depois de impedir essa primeira invasão, a Frota Internacional se prepara para um possível novo ataque alienígena e treina crianças e adolescentes com capacidade mental acima da média nas complexas estratégias necessárias para entender os planos de ação dos inimigos. O principal desses recrutas é o jovem Ender (Asa Butterfield), um exímio estrategista que é considerado pelo coronel Graff (Harrison Ford) como a principal esperança em eliminar a ameaça alienígena.

Ender é um protagonista fascinante que constantemente luta contra sua própria natureza e o agressivo condicionamento mental e moral imposto por seus superiores da Frota Internacional. Assim sendo, é um jovem que tenta resolver as coisas tentando evitar conflitos ao máximo, mas não hesita em recorrer a uma violência extrema quando acuado e chega quase a matar dois colegas que tentam intimidá-lo. Nada disso, no entanto, funcionaria sem um jovem ator capaz de dar conta de um personagem com tantas facetas e felizmente o garoto Asa Butterfield, que trabalhou com Martin Scorsese em A Invenção de Hugo Cabret(2011), consegue captar todos os conflitos do protagonista e consegue carregar o filme.

Crítica – A Vida Secreta de Walter Mitty

Em tempos de redes sociais onde todos se preocupam em registrar, filmar e fotografar cada acontecimento de modo a mostrá-los aos seus amigos virtuais, acumulando curtidas e comentários, sempre me perguntei se ao fazermos isso não estaríamos deixando de efetivamente viver essas experiências. A sensação é que ficamos mais preocupados em documentar e registrar cada momento e mostrar aos outros ao invés de absorver cada momento e tentar extrair dele algo que nos acrescente, nos transforme e nos melhore sem nos limitar a transformar cada instante em apenas uma oportunidade de fotografia.

Assim sendo, é curioso me deparar com este A Vida Secreta de Walter Mitty, que trata exatamente desta relação que temos com fotografias, redes sociais e quaisquer outros dispositivos que possuímos para registrar nossas vidas e como passamos boa parte do tempo ocupados em exibir uma imagem excessivamente positiva, exagerada e irrealista de nós mesmos que efetivamente deixamos de viver e experimentar nossas próprias vidas.

A trama é centrada em Walter (Ben Stiller) um pacato arquivista de negativos de uma grande revista. Walter não tem uma vida muito empolgante, mas constantemente sonha acordado em realizar grandes feitos, engajar-se em grandes batalhas e dar o troco em seu chefe babaca (Adam Scott) pelas provocações. Em sua vida propriamente dita, ele tenta se aproximar de Cheryl (Kristen Wiig), mas o único modo que encontra para fazer isso é tentando falar com ela através de um site de pessoas em busca de relacionamentos. As coisas se complicam para ele quando o negativo de uma importante foto do melhor fotógrafo (Sean Penn) da revista é extraviado e ele precisa localizar o profissional que está constantemente viajando e conforme roda o mundo atrás do fotógrafo, Walter passa a prestar mais atenção naquilo que o cerca do que em suas próprias fantasias.