Crítica - Selma: Uma Luta pela Igualdade

Praticamente todos que conhecem a figura de Martin Luther King o fazem pelo seu famoso discurso do "eu tenho um sonho" e pela noção de que ele comandava um movimento não-violento em sua luta por direitos civis e igualdade racial nos Estados Unidos. A verdade é que por causa de sua postura pacífica, a construção que permanece de sua figura parece muitas vezes uma versão demasiadamente "domesticada" criando a falsa impressão de que King era um sujeito que resolvia suas questões sem precisar criar problemas e foi simplesmente abaixando a cabeça para todos esperando que resolvessem suas demandas. No entanto, como o filme inteligentemente mostra, ser não-violento não implica em uma postura não combativa e nos momentos necessários King foi inteligente o bastante para enfrentar e exercer pressão sobre aqueles com autoridade para ter suas demandas atendidas.

A trama acompanha os eventos da marcha por direitos civis que aconteceu na cidade de Selma, no estado do Alabama, na qual os negros exigiam o reconhecimento de seu direito ao voto que era negado em boa parte do sul dos Estados Unidos.

Crítica - O Destino de Júpiter

Depois de chamar a atenção do mundo inteiro com o primeiro Matrix (1999) os Wachowski jamais conseguiram repetir o feito. As duas continuações foram decepcionantes, o divertido e subestimado Speed Racer (2008) foi ignorado pela maioria e o insosso A Viagem (2012) também não conseguiu restaurar a reputação da dupla. Assim chegamos a este O Destino de Júpiter que provavelmente é o ponto mais baixo dos irmãos desde então.

A trama acompanha uma jovem que aos poucos descobre uma realidade oculta sob nosso mundo, na qual os humanos são cultivados por seres poderosos para que estes mantenham suas vidas e ela é a única que pode parar tudo isso. Pareceu familiar? Pois é exatamente a trama do primeiro Matrix, apenas substituindo os robôs por alienígenas e a profecia do escolhido pela reencarnação de uma rainha. Em resumo, os irmãos se entregaram ao auto-plágio, claramente indicando que não tem mais para onde ir em termos criativos. Além do próprio trabalho, os Wachowski se baseiam diretamente em obras como Eram os Deuses Astronautas, O Guia do Mochileiro das Galáxias, M.I.B: Homens de Preto (1997), a seminal ficção-científica Duna e até mesmo contos de fada.

Crítica - O Jogo da Imitação

Um dos benefícios de uma cinebiografia é trazer ao público fatos até então desconhecidos sobre uma determinada pessoa e também sobre o período histórico em que esta viveu. Muita coisa já foi feita sobre a Segunda Guerra Mundial, sobre os esforços dos aliados em derrotar os nazistas, mas creio que poucos conheciam a história do matemático Alan Turing, cujo trabalho foi de extrema importância para o fim da guerra, e que posteriormente foi perseguido por sua sexualidade, perdendo tudo que tinha.

A trama foca no período em que Turing (Benedict Cumberbatch) trabalhou com o governo britânico para quebrar a criptografia das mensagens nazistas da máquina Enigma. Para tal, ele desenvolve uma máquina (que é basicamente um proto-computador) que seja capaz de dar conta das possibilidades de resolução. No entanto, ele precisará lidar com a impaciência de seus chefes e o relacionamento com seus colegas. É importante lembrar que para além da guerra, sua "máquina de Turing" ajudou a dar origem aos computadores modernos.

Crítica - Birdman ou (A Inesperada Virtude da Ignorância)

Não é fácil sobreviver no meio artístico, principalmente no disputado cenário dos Estados Unidos e mesmo quando um ator consegue de fato chegar ao estrelato, isso não é nenhuma garantia de que ele se manterá relevante, independente de seu talento ou sucesso. É justamente sobre o que faz de um artista um artista e o que é preciso para se manter relevante em um ambiente cada vez mais cínico e superficial que irá tratar este Birdman ou (A Inesperada Virtude da Ignorância).

A trama acompanha o ator Riggan Thomson (Michael Keaton) que ficou famoso por interpretar o super-herói que dá nome ao filme e depois caiu no esquecimento. Disposto a provar que é um artista de verdade e não apenas uma mera estrela de cinema, Riggan decide montar, dirigir e estrelar uma peça na Broadway. A partir de então o filme irá acompanhar os dias que antecedem a estreia enquanto tudo parece desmoronar ao redor do ator.

O diretor Alejandro Gonzalez Iñarritu conduz toda a trama com enorme energia e intensidade, sua câmera acompanha a movimentação dos personagens em longos planos-sequência enquanto eles se deslocam pelos corredores do teatro, conferindo um movimento incessante aos eventos retratados e uma sensação de que estamos presenciando em tempo real o colapso mental deste ator que parece perdido em seu estupor de vaidade e desespero.

Crítica - Caminhos da Floresta

Antes de Shrek ou Once Upon a Time misturarem universos de contos de fadas, o musical Into the Woods já fazia isso no teatro desde o fim dos anos 80. Assim como muitas obras recentes, lançava um olhar mais revisionista sobre esses contos. Quando a Disney anunciou que faria sua versão do musical, temi que suas críticas à moral dos contos e à ideia do "felizes para sempre" fosse limada pela casa do Mickey em prol de um filme menos pessimista e mais "família". Felizmente esse não é o caso e a mensagem central da obra se mantém, apesar de mudanças aqui e ali que certamente darão motivos a reclamações dos mais puristas.

O musical acompanha um padeiro (James Corder) e sua esposa (Emily Blunt) que não conseguem ter filhos por causa de uma maldição jogada sobre a família dele. Uma alternativa se apresenta quando a bruxa (Meryl Streep) que mora ao lado se oferece para reverter a maldição, mas para isso precisará de quatro itens mágicos. Assim, o casal adentra o bosque próximo à sua vila na busca pelos itens e no caminho encontrará personagens como Cinderella (Anna Kendrick) e Chapeuzinho Vermelho (Lilla Crawford). Entretanto, o final feliz não chega tão fácil quanto se pensa.

Crítica - Grandes Olhos

Confesso que me aproximei com desconfiança deste Grandes Olhos, já que há pouco mais de uma década o diretor Tim Burton tem trabalhado no piloto automático e praticamente se transformou em uma paródia chata de si mesmo (assim como tem acontecido com Johnny Depp). No entanto, o retorno às biografias parece ter feito bem ao diretor e trouxe uma bem-vinda mudança de ares a um realizador que estava se deixando dominar por seus próprios cacoetes estilísticos. Pode não ser tão bom quanto seu outro esforço biográfico, Ed Wood (1994), ou aquele que considero seu último grande filme, Peixe Grande e Suas Histórias Maravilhosas (2003), mas é decididamente um sinal de que Burton é capaz de se redefinir enquanto artista e tomar de volta as rédeas de sua carreira.

A trama acompanha a trajetória da pintora Margaret Keane (Amy Adams) que em 1950 vai para São Francisco depois de deixar o esposo. Lá conhece seu futuro marido, o também pintor Walter Keane (Christoph Waltz). Quando as pinturas de Margaret começam a fazer sucesso, seu marido reclama para si a autoria dos quadros e ela, temendo perder a fonte de renda, decide aceitar a mentira e continua pintando enquanto seu marido receba o crédito. Com o tempo a mentira começa a pesar na consciência de Margaret, ao mesmo tempo em que o marido vai se tornando progressivamente mais agressivo na manutenção de sua farsa.

Crítica - A Teoria de Tudo

O físico Stephen Hawking tem uma história de vida incrível. Não apenas pelo modo como foi capaz de mudar a ciência o modo como pensamos o tempo e o espaço, mas por fazer isso tudo sob o julgo de uma brutal doença degenerativa que provavelmente teria acabado com a motivação de pessoas menos resolutas. No entanto, este A Teoria de Tudo não é exatamente sobre isso, mas sobre a relação do físico com a esposa, Jane, enquanto o resto fica para segundo plano.

A trama acompanha Hawking (Eddie Redmayne) a partir da juventude, enquanto fazia doutorado em Cambridge e conheceu Jane (Felicity Jones). A partir daí vemos a relação dos dois florescer enquanto o físico lida com o descobrimento e agravamento de sua doença. A escolha pelo romance, no entanto, acaba diluindo a força da história de Hawking, já que torna secundário aquilo que havia de mais particular para abraçar uma tradicional história de "boy meets girl" (ou garoto encontra garota, em bom português). Entendo que para tornar atrativo ao grande público que desconhece o físico seria necessário adequar a história a um formato mais familiar, um "filme de gênero".

Crítica - Foxcatcher: Uma História que Chocou o Mundo

Baseado na história real de um brutal crime, este Foxcatcher: Uma História que Chocou o Mundo, é um intenso estudo sobre rivalidade, ciúme e orgulho que levados às últimas conseqüências destroem as vidas de três homens.

A trama gira em torno de Mark (Channing Tatum), campeão olímpico de luta greco-romana que, apesar dos triunfos, vive com dificuldades financeiras e à sombra do irmão mais velho Dave (Mark Ruffalo), também um lutador e campeão olímpico. Quando Mark é abordado pelo misterioso milionário Frank du Pont (Steve Carell) para treinar em sua fazenda com todo o equipamento e auxílio financeiro que puder dispor, o lutador crê que sua oportunidade finalmente chegou. No entanto, aos poucos vai percebendo que seu benfeitor não é exatamente aquilo que imaginava.

Tatum traz uma certa inocência e um olhar beócio ao ser personagem,  tanto que quando ele senta diante da televisão para assistir um vídeo com a história dos du Pont sua postura é igual à de um criança. Por outro lado também há uma grande medida de ressentimento reprimido por seu irmão no personagem, não apenas por Dave ter um reconhecimento que ele não tem, mas porque ele parece saber que não é capaz de ser tão bom quanto o irmão. Apesar disso, não deixa de nutrir um amor genuíno pelo irmão, a quem vê como uma figura paterna, tanto que por mais de uma vez desconta sua raiva e frustração no próprio corpo ao invés de descontá-la em outros. Assim sendo, é fácil entender como ele se torna presa fácil para alguém como du Pont que sabe exatamente que botões pressionar para trazer Mark para o seu lado.

Crítica - Depois da Chuva

O cinema brasileiro já realizou vários filmes sobre o período da nossa ditadura militar, mas poucos deles abordaram o período da redemocratização pós-ditadura e os desafios que se impunham a um país que precisava rever seus processos políticos e redefinir seu projeto de nação. É justamente neste cenário de tensões e incertezas que o longa baiano Depois da Chuva irá se situar.

A trama acompanha Caio (Pedro Maia) um adolescente que começa a se envolver com política através da tentativa de formar um grêmio em seu colégio, ao mesmo tempo em que se aproxima da colega Fernanda (Sophia Corral).

O principal acerto do filme é conseguir captar muito bem o espírito da época, em como as coisas eram incertas e diferentes propostas e perspectivas ideológicas disputavam espaço e apoio do público para definir os rumos que o país seguiria. Claro, a reconstituição extremamente competente da época retratada, mas isso pouco valeria se o filme não conseguisse nos mergulhar neste universo de modo a compreendermos o que tudo aquilo significava para aqueles personagens.

Crítica - Livre

Algumas vezes precisamos de um tempo só nosso. Precisamos nos afastar daquilo que nos cerca e enfrentar a nós mesmos, nossas angústias, nossos demônios. Algumas coisas ninguém pode nos ajudar a definir e precisamos resolver por conta própria. É justamente sobre esse tipo de jornada de autoconhecimento que trata este Livre, dirigido por Jean-Marc Valée (Clube de Compras Dallas).

A narrativa acompanha a história real de Cheryl (Reese Witherspoon), americana que decidiu percorrer sozinha a Pacific Coast Trail (PCT), uma trilha que atravessa os Estados Unidos de norte a sul. A viagem é motivada por uma série de problemas pessoais e em sua caminhada, precisará refletir sobre seus problemas e superar as dificuldades que a natureza selvagem lhe impõe.

Como está sozinha durante boa parte do filme, é o trabalho de Whiterspoon que carrega o filme, trazendo esta que é sua melhor performance desde Johnny e June (2005). Sua Cheryl é uma mulher perdida, consumida por erros e arrependimentos do passado que impõe a caminhada a si mesma como uma espécie de penitência e a atriz convoca muito bem o sentimento de perdição, dor, raiva e solidão que acometem a personagem. Ao seu lado, temos uma participação pequena, mas significativa de Laura Dern como a mãe de Cheryl, com uma personalidade sempre otimista e expansiva, é fácil entender sua importância na vida da protagonista e porque sua ausência é tão sentida por ela, ao ponto de levá-la à autodestruição.