Crítica - O Quarto de Jack

Jack (Jacob Tremblay) está fazendo cinco anos. Ele pede a sua mãe (Brie Larson) que faça para ele um bolo de aniversário, um bolo de verdade igual ao que ele vê na televisão. Antes disso ele descreve seu quarto e sua rotina com sua mãe. Seria uma infância perfeitamente normal se eles não estivessem cativos naquele quartinho minúsculo há anos com Jack inclusive tendo nascido ali e não conhecendo nada do mundo além daquelas quatro paredes. Conforme o tempo passa, Jack vai se tornando mais curioso com o que pode existir além do quarto e sua mãe começa a pensar em maneiras de sair dali.

A trajetória desses personagens não é apenas uma espécie de metáfora para o mito da caverna de Platão, sobre a importância de ir além das paredes e ampliar nossos horizontes, mas também sobre a ideia de que nada é irreparável e com o tempo nos livramos de nossas amarras.

Assim como fez no agridoce Frank (2015), o diretor Lenny Abrahamson mais uma vez se volta a um protagonista que vive em seu próprio mundo e é confrontado com a realidade. Contado praticamente sob o ponto de vista de Jack, cujo olhar inocente evita tornar tudo muito sombrio, o filme começa com planos fechados, que fazem o diminuto quarto parecer maior do que realmente é, dando a impressão de que há um mundo ali dentro e para o garoto é de seu mundo inteiro.

Crítica - Digimon Story: Cyber Sleuth

Depois de quase um ano de seu lançamento no Japão para PS Vita, o RPG Digimon Story: Cyber Sleuth finalmente traz os monstrinhos digitais ao ocidente e agora também com uma versão para o PS4 (usado neste texto). Além do óbvio apelo da franquia Digimon, o que me atraiu ao game é fazia tempo que eu estava atrás de um RPG mais tradicional, com batalhas em turnos e encontros aleatórios, e acabei encontrando aqui exatamente o que eu estava buscando.

A história se passa no futuro quando é possível digitalizar o corpo e habitar uma realidade virtual chamada EDEN. Um dia o protagonista (ou a protagonista, dependendo de sua escolha) e seus amigos são convidados por um hacker a uma parte antiga e oculta desse mundo virtual. Lá são presenteados com o aplicativo "Digimon Capture" que os permite pegar e usar Digimons, programas comumente usado pelos hackers. Nesse momento o grupo é atacado por uma estranha criatura chamada Eater e o monstro ataca o protagonista no exato momento em que tentava fazer logoff do EDEN e é quase devorado pela criatura. O protagonista é salvo pela detetive Kyoko Kuremi, que o ajuda a recuperar seu corpo, agora parte humano e parte digital, e assim se alia à detetive para desvendar uma perigosa conspiração envolvendo a empresa que controla o EDEN.

Crítica - Brooklin

Deixar seu país e tudo que você conhece para tentar a sorte em outra nação na qual não conhecemos nada nem ninguém é uma experiência bastante assustadora. Não apenas por não sabermos o que iremos encontrar do outro lado, mas também pela incerteza se será possível transformar em lar a nova moradia. Este Brooklin trata desses temas e principalmente de como os imigrantes foram essenciais para a formação de suas principais cidades, em especial Nova Iorque.

A jovem Eilis (Saiorse Ronan) deixa a Irlanda sozinha rumo a uma vida melhor nos Estados Unidos. Lá passa a viver em uma pensão cujas outras moças constantemente a provocam e arruma um emprego do qual não gosta muito. A saudade de casa parece ser insuportável e ela parece não ser capaz de tocar sua vida para frente no novo país, mas tudo parece mudar quando conhece o descendente de italianos Tony (Emory Cohen).

Com uma cenografia e figurinos que emulam muito bem a Nova Iorque dos anos 50, este é um romance bastante tradicional, mas que funciona graças à química do casal de protagonistas que constrói de modo bastante natural a atração entre os dois. A jovem Saiorse Ronan faz de sua Eilis uma jovem bastante quieta e introspectiva, mas consegue revelar de modo cuidadoso e sutil o tormento emocional experimentado por ela, chega a ser impressionante o quanto Ronan consegue dizer com apenas um leve franzir da testa ou uma pequena hesitação em seu sorriso.

Crítica - A Garota Dinamarquesa

Tom Hooper é um diretor cujos filmes (O Discurso do Rei e Os Miseráveis) eu conseguia gostar apesar de sua direção atroz que muitas vezes sequer sabia o que fazer direito com a câmera, filmando em ângulos tortos ou usando enquadramentos pouco usuais (que não acrescentavam nada à composição das cenas) como se apenas quisesse demonstrar seu controle sobre sua obra, confundindo um amontoado de cacoetes inúteis com autoria. Neste Garota Dinamarquesa tive a sensação de que o diretor finalmente se desprendeu da ideia de que filmar com enquadramentos e ângulos esquisitos sem que isso tenha um propósito dramatúrgico não torna ninguém um "autor" e este é talvez o trabalho com sua melhor direção. O que ainda está longe de torná-lo um realizador verdadeiramente competente, já que o que sobra em virtuosismo estético, falta em emoção.

Baseado na história real de uma das primeiras pessoas a fazer uma cirurgia de mudança de sexo, o longa acompanha Einar Weneger (Eddie Redmayne) um pintor dinamarquês que faz sucesso com suas pinturas de paisagens. Sua esposa, Gerda (Alicia Vikander, do excelente Ex Machina: Instinto Artificial), é também uma pintora, mas não consegue fazer sucesso neste mundo dominado por homens. Quando uma amiga de Gerda falha em aparecer para ser modelo de uma pintura que está em progresso, a pintora pede ao marido para calças as sapatilhas e meias de balé para que ela termine o quadro. Isso desperta algo que Einar tinha deixado adormecido em si desde a infância e ganha mais força quando a esposa o estimula a ir vestido como Lili, o nome que assume como mulher, a um evento social como uma espécie de brincadeira. A questão é que para Einar isso não é apenas uma questão performática.

Critica - Um Suburbano Sortudo

Assistir este pavoroso Um Suburano Sortudo foi a experiência mais dolorosa do meu dia e, considerando que imediatamente antes dele eu assisti ao intenso e implacável filme de holocausto O Filho de Saul, isso diz muito sobre o quanto esta comédia é completamente insuportável.

O filme acompanha o  humilde Denílson (Rodrigo Sant'anna) um vendedor de rua que inesperadamente descobre ser herdeiro de Damião (Stepan Nercessian), um milionário dono de uma rede varejista. Logicamente seus parentes ricos não ficam contentes com a chegada do vendedor ambulante na casa e resolvem fazer o possível para se livrar dele.

Seria um material interessante para uma boa comédia de costumes no estilo de Trocando as Bolas (1983), mas troca qualquer possibilidade de um olhar mordaz sobre relações de classe no Brasil por um humor preguiçoso, rasteiro e cheio de piadas fáceis e estereótipos antiquados, tal como acontece na maioria das comédias nacionais como o recente e igualmente terrível Até Que a Sorte Nos Separe 3 (2015).

Na verdade, muito do que falei sobre Até Que a Sorte Nos Separe 3 se aplica a este filme e eu só não copio e colo aqui tudo que escrevi antes porque diferente dos responsáveis por este filme, eu gosto de me empenhar no que faço ao invés de seguir pelo caminho mais fácil e de menor esforço.

Crítica - Deadpool

A primeira vez que o mercenário tagarela da Marvel apareceu nos cinemas foi no medíocre X-Men Origens: Wolverine (2009) e a única coisa que impressionou foi como conseguiram descaracterizar totalmente o personagem, em especial na cena final do filme. A culpa nem foi do ator Ryan Reynolds, que na verdade nem teve a chance de interpretar o personagem que foi contratado para fazer, e sim o modo como o filme o construiu e o usou. Depois de todo o calvário que foi o uso do mercenário no filme solo de Wolverine é bom ver Reynolds conseguir uma redenção para si mesmo e para o personagem neste divertido Deadpool.

A trama coloca Deadpool no encalço de Ajax (Ed Skrein), o mutante responsável pelo experimento que lhe deu suas habilidades e o deixou deformado. Percebendo a aproximação do mercenário, Ajax resolve sequestrar sua antiga namorada Vanessa (Morena Baccarin), que achava que ele estava morto. Em meio a sua caçada Deadpool topa com os X-Men Colossus (Stefan Kapicic) e Negasonic Teenage Warhead (Brianna Hildebrand), que tentam convencê-lo a entrar para equipe e se tornar um super-herói como eles.

Crítica - O Regresso

Muitos filmes (e livros e peças, entre outros) já foram feitos sobre o duelo entre o homem e a natureza implacável, muitas histórias sobre força de vontade e superação de condições adversas já foram contadas. O Regresso pode parecer na superfície que é mais uma dessas histórias, mas não é exatamente sobre isso. Temos sim um sujeito em condições adversas, mas provavelmente não foi isso que levou o diretor Alejandro Iñarritu (que ganhou vários Oscars ano passado com Birdman) a levar esta história para os cinemas e sim seu olhar sobre o que nos faz de fato humanos e o que é exatamente que nos separa dos demais animais tidos como irracionais.

A trama é levemente baseada na história real de Hugh Glass (Leonardo DiCaprio) caçador de peles que trabalhava nas regiões ermas dos Estados Unidos. Durante uma expedição Glass é atacado por um urso que o deixa gravemente ferido. Com o inverno se aproximando, a companhia percebe que estão perdendo um tempo precioso ao tentarem transportar Glass e destaca três homens, incluindo o filho indígena de Glass, Hawk (Forrest Goodluck), para ficarem cuidando dele até que se recupere. Um deles, Fitzgerald (Tom Hardy), decide que estão correndo um risco muito grande cuidando de um homem praticamente morto em um terreno tão perigoso e acaba matando Hawk e enterrando Glass vivo. Glass sobrevive e mesmo debilitado decide cruzar as florestas geladas atrás de Fitzgerald.

Crítica - O Filho de Saul

Filmes sobre o holocausto ou a realidade nos campos de concentração já foram feitos aos montes e chego a desconfiar que não há muito que possa ser acrescentado aos discursos já existentes sobre o tema. Não que a relevância de se falar sobre isso tenha se esgotado, mas que existem poucas possibilidades de contar uma história ficcional acerca disso e dar ao público algo que eles nunca viram antes. Este O Filho de Saul certamente não faz isso e toca em muitas questões que já vimos em uma série de outras produções, mas o importante nele nem é sobre o que ele é, mas como ele é ao tratar disso.

O filme acompanha Saul (Geza Rohrig) um judeu húngaro que vive em um campo de concentração com um sonderkommando. Estes eram uma categoria diferente de prisioneiro que trabalhava sob ordens dos oficiais nazistas executando os trabalhos que os alemães consideravam indignos ou inferiores, como limpar as câmaras de gás ou enterrar os prisioneiros mortos. Para manter o sigilo sobre as operações de extermínio os sonderkommandos eram mantidos em isolamento dos outros presos e eram substituídos de tempos em tempos, com os antigos membros sendo executados e prisioneiros recém chegados sendo colocados na função.

Crítica - Anomalisa

Em seus roteiros Charlie Kaufman sempre investiu no surreal e no fantasioso como um modo de deixar transparecer nossas angústias e inseguranças, foi assim em filmes como Quero Ser John Malkovich (1999) e Brilho Eterno de Uma Mente Sem Lembranças (2004) e também se aplica a este Anomalisa, animação em stop-motion que usa o próprio meio para falar de isolamento e depressão.

O filme acompanha Michael Stone (David Thewlis), um palestrante que viaja o país para ensinar sobre atendimento ao cliente. Apesar de todo seu discurso sobre relacionamento com cliente e lidar bem com o outro, Michael é um homem solitário, cheio de angústias e incertezas.

Seu distanciamento do mundo e das pessoas fica claro pelo modo como ele parece ignorar ou não se importar com o fato de que todos à sua volta são completamente iguais e tem a mesma voz (Tom Noonan). Suas conversas parecem sempre ao redor de assuntos demasiadamente triviais e desinteressantes e ele se movimenta de um ambiente fechado a outro, dando uma impressão de claustrofobia.

A única coisa que consegue lhe tirar do marasmo é quando ele ouve uma voz diferente no corredor de seu hotel e vai atrás dela, conhecendo Lisa (Jennifer Jason Leigh do recente Os Oito Odiados). Assim como Michael, Lisa é uma pessoa solitária, cheia de traumas e sem muito traquejo social. Juntos eles vão compartilhando suas inseguranças, tropeçando aos poucos um no outro, são diálogos esquisitos, por vezes desconexos, mas extremamente sinceros ao marcarem a aproximação das neuroses dessas duas pessoas.

Crítica - Trumbo: Lista Negra

A paranoia anticomunista e a pesada perseguição àqueles que exibiam qualquer proximidade desses ideais marcaram o período do pós segunda guerra e da guerra fria  nos Estados Unidos. Na época havia uma paranoia extrema em relação ao comunismo e qualquer um que demonstrasse partilhar deste pensamento era perseguido, preso e considerado um traidor. Isso aconteceu também em Hollywood, na qual muitos atores, diretores e roteiristas foram presos e proibidos de trabalhar por sua afiliação ao partido comunista, colocados na infame lista negra de Hollywood. Este Trumbo: Lista Negra conta a história de um desses profissionais, o roteirista Dalton Trumbo, responsável pelo texto de filmes como Spartacus (1960), que mesmo banido achou um modo de continuar trabalhando.

O filme começa em 1947, justamente quando os Estados Unidos começava a voltar suas atenções para a União Soviética e o comunismo passava a ser visto como uma ameaça ao "modo de vida americano". Trumbo (Bryan Cranston) e mais alguns colegas são intimados pelo congresso a dar explicações sobre seu envolvimento com o partido comunista e os sindicatos de profissionais do cinema, sendo ao fim presos apenas por sua ideologia, mesmo sem terem cometido crime algum. Depois de cumprir pena ele tenta voltar a Hollywood, mas seu nome está na infame lista negra e ele não consegue trabalhar. Assim, decide procurar estúdios de baixo escalão para oferecer seu trabalho por um valor menor e trabalhando sob pseudônimos.