Crítica - Valerian e a Cidade dos Mil Planetas

A última vez que o diretor Luc Besson realizou uma aventura espacial foi em O Quinto Elemento (1997), uma aventura divertida e visualmente exuberante. Sim, seu filme anterior, Lucy (2014), flertava com a ficção científica, mas é neste Valerian e a Cidade dos Mil Planetas que Besson retorna a esse tipo de aventura espacial retrô. Era de se imaginar que o filme seria capaz de ser tão bacana quanto O Quinto Elemento, mas infelizmente não chega nem perto disso.

O agente espacial Valerian (Dane DeHaan) e sua parceira Laureline (Cara Delevingne) são encarregados de recuperarem e protegerem um raro espécime alienígena, capaz de reproduzir qualquer material que devore. A missão os leva à estação espacial Alpha, que abriga milhares de espécies de todo o universo, e a um perigo que pode destruir toda a estação.

Dane DeHaan está terrivelmente mal escalado como Valerian, um policial espacial de espírito aventureiro e galanteador. DeHaan é sério e sisudo demais, faltando-lhe o charme cafajeste de um Harrison Ford ou Chris Pratt que seria necessário para fazer o personagem funcionar. Cara Delevingne, por sua vez, não faz muito além de frisar as sobrancelhas e parecer entediada durante boa parte do tempo. Não ajuda que a química entre os dois seja praticamente nula, falhando em nos fazer investir ou torcer pela relação do casal, já que tudo soa tão mecânico e artificial.

Crítica - Ícaro

Fazer um documentário muitas vezes é partir em busca de algo que não se sabe se será obtido ou alcançado. Muitas vezes um cineasta tem uma ideia clara do filme que quer, mas no curso da realização algo acontece que o leva para outra direção. Foi mais ou menos isso que aconteceu neste Ícaro, produção original da Netflix.

A intenção inicial do diretor e ciclista semiprofissional Bryan Fogel era fazer uma espécie de Super Size Me: A Dieta do Palhaço (2004) do doping. Com auxílio de médicos do esporte e especialistas de testes antidoping, ele usaria anabolizantes para melhorar sua performance e burlaria os testes de drogas para mostrar como é fácil burlar esse tipo de exame, tal qual o ciclista Lance Armstrong fez durante anos. Durante o processo, o especialista antidoping que acompanhava Bryan decide desistir, com medo que o ato de ajudar um atleta burlar o sistema acabe com sua credibilidade no meio esportivo. Bryan acaba então direcionado para o bioquímico russo Grigory Rodchenkov, o responsável pela agência antidoping da Rússia. Grigory começa a instruir Bryan, mas logo uma reportagem de uma televisão alemã libera informações de que o bioquímico está no centro de um esquema encabeçado pelo governo russo para dopar seus atletas e evitar detecção nos testes. Assim, Bryan muda seu foco para investigar o papel de Grigory nisso tudo.

Crítica - O Círculo

Questões sobre privacidade e individualidade na internet e na era virtual em que vivemos tem sido uma preocupação relativamente constante da ficção do cinema e da televisão. De filmes como Inimigo do Estado (1998) a Controle Absoluto (2008), passando até mesmo por obras como O Show de Truman (1998), a ideia de uma vida sob constante vigilância já foi amplamente explorada. Este O Círculo visa construir uma narrativa de suspense em cima dessas noções e discutir questões de ética e privacidade virtual, mas lamentavelmente não consegue dar conta de suas ambições.

Na trama, Mae (Emma Watson) consegue um trabalho na grande empresa de tecnologia O Círculo, que centraliza muitos dos serviços que temos hoje na internet, como redes sociais, mecanismos de busca, plataforma de vídeos e outras coisas mais. Simultaneamente, o presidente d'O Círculo, Eamon Bailey (Tom Hanks), anuncia um novo tipo de câmera portátil minúscula que pode transmitir em alta qualidade para a internet e que pode ser colocada em qualquer lugar. A nova tecnologia representa para ele um passo rumo a uma sociedade de completa transparência e nenhuma informação fica oculta. Mae acaba escolhida para ser o "rosto" desse novo produto e passa a transmitir toda a sua vida em tempo real na internet, mas aos poucos começa a desconfiar do que acontece na sua empresa.

Crítica - Os Meninos Que Enganavam Nazistas

Inúmeros filmes já foram realizados sobre a luta por sobrevivência dos judeus em países ocupados pelos nazistas com os mais diferentes enfoques. Este filme francês Os Meninos Que Enganavam Nazistas não tem muito a acrescentar em relação ao que já foi dito sobre a questão, mas é competente o bastante para valer a experiência.

A trama é baseada na história real dos irmãos Joseph (Dorian Le Clech) e Maurice (Batyste Fleurial), que se separaram dos pais para fugirem dos nazistas depois da ocupação de Paris. Os dois garotos passam, então, a percorrer o interior da França em busca de um local seguro.

É um fiapo de trama, mas isso não é exatamente um problema, já que o filme adota uma estrutura de road movie e esse tipo de narrativa é mais sobre o crescimento e aprendizado dos personagens ao longo da jornada do que sobre um destino ou arco dramático claramente delimitado. A viagem errante dos garotos serve não só como uma jornada de amadurecimento, na qual eles aprendem a lidar com as dificuldades do mundo (e nesse caso um mundo que os persegue), mas também como um retrato da ocupação nazista na França e como o regime trabalhava para colocar a população local contra os cidadãos judeus, fazendo-os crer que os judeus eram a raiz de todos os problemas.

Crítica - Planeta dos Macacos: A Guerra

Planeta dos Macacos: A Origem (2011) pegou todo mundo de surpresa. Depois da malfadada tentativa do Tim Burton em recomeçar a famosa cinessérie em 2001 ninguém estava exatamente empolgado para uma nova tentativa de outra versão. O filme, no entanto, acertava em suas discussões sobre preconceito e apresentava um fascinante protagonista no símio Cesar (Andy Serkis). Planeta dos Macacos: O Confronto (2014) expandiu as ideias trazidas no anterior e carregou de nuance e tons de cinza o embate entre homens e símios. Já este Planeta dos Macacos: A Guerra, encerra a trilogia de modo bastante digno, ainda que não tenha nada a dizer que os dois filmes anteriores já tenham dito.

Na trama, Cesar e os demais símios tentam viver em paz escondidos na floresta depois dos eventos do filme anterior, mas continuam sendo caçados por humanos. Quando uma patrulha de soldados ataca sua vila, Cesar decide libertar os soldados inimigos capturados como prova de sua boa vontade e desejo de trégua com os humanos. Ao invés de trégua, os humanos realizam um ataque furtivo para assassinar César. O ataque dá errado e ao invés de matar o líder símio, o Coronel (Woody Harrelson) mata o filho e a esposa de César. Com raiva pelo assassinato de sua família, Cesar parte em busca do Coronel, enquanto que ordena que o resto de seu bando encontre um novo lar.

Crítica - Dunkirk

Quando escrevi sobre Interestelar (2014) mencionei que o diretor Christopher Nolan estava criando uma armadilha para si mesmo ao fazer filmes que trabalhassem com conceitos (temáticos e estruturais) cada vez mais complexos ao ponto em que ele não conseguiria dar conta das próprias ambições. Parece que ele percebeu que estava se perdendo em seus próprios maneirismos e decidiu fazer algo mais simples com este Dunkirk ao contar a história sobre a retirada das tropas britânicas das praias de Dunquerque na França durante a Segunda Guerra Mundial.

A trama acompanha a retirada sob diferentes pontos de vista. Vemos a perspectiva dos soldados na praia a espera de resgate, seguindo o soldado Tommy (Fionn Whitehead) e seus esforços para se manter vivo conforme as tropas aliadas vão sendo acuadas por soldados alemães. Seguimos a movimentação dos barcos de resgate, incluindo embarcações civis, a partir do navegador civil Dawson (Mark Rylance), que tenta chegar ao local da batalha enquanto resgata soldados de outras embarcações naufragadas pelo inimigo. Por fim, no ar seguimos o piloto Farrier (Tom Hardy) que tenta abater os bombardeiros inimigos antes que eles afundem os barcos de resgate.

Crítica - Em Ritmo de Fuga

Alguns filmes nos conquistam não pela história que nos contam, mas pela maneira que eles contam sua história. É exatamente isso que acontece neste Em Ritmo de Fuga que encanta pelo modo como integra a música à ação em uma trama de roubo que é bem típica.

Baby (Ansel Elgort) é um jovem órfão extremamente hábil no volante que há anos vem trabalhando para o misterioso Doc (Kevin Spacey) como motorista em seus assaltos de modo a saldar uma dívida antiga que tem com ele. Baby está apenas a um roubo de ficar quites com seu empregador quando conhece a bela Debora (Lily James) e se apaixona por ela. Baby pensa em largar sua vida de crimes e fugir com ela, mas Doc o obriga a continuar trabalhando para ele e tudo se complica quando a instável equipe do mais recente roubo parece botar tudo a perder.

A narrativa traz tudo que já vimos em outros "filmes de roubo". Elementos como "o último golpe", a paixão capaz de redimir o protagonista, os conflitos com os demais membros da equipe. Não fosse a mão de um cineasta com uma visão bem particular para esse material como o Edgar Wright, o resultado seria algo bem banal. O que Wright faz, no entanto, é encher o filme de ritmo e energia ao deixar toda ação e movimentação dos personagens síncrona (e, de certa forma, submissa) às batidas da música que não para de tocar nos fones de ouvido do protagonista. Assim, ele inverte a típica relação entre música e imagem do cinema hollywoodiano na qual a música acompanha as imagens, não o contrário. Isso fica evidente na cena em que Baby pede aos demais ladrões que esperem o momento certo da música para saírem do carro.

Crítica - Transformers: O Último Cavaleiro

Uma nova ameaça contra o planeta surge e um grupo de personagens precisa descobrir um segredo dos Transformers guardado na Terra há centenas anos para salvar o mundo. Essa era a premissa dos quatro filmes anteriores dos "robôs em disfarce" e também é deste quinto Transformers: O Último Cavaleiro, que já mostra os evidentes sinais de desgaste da franquia e que não há muito mais a ser dito ou feito com ela.

Depois dos eventos do filme anterior, Optimus (voz de Peter Cullen) viajou ao espaço em busca de seus criadores. O governo tornou os Transformers ilegais e passou a caçá-los. Cade Yeager (Mark Wahlberg) se tornou um fugitivo e vive de resgatar Autobots da força-tarefa que caça todos os robôs. O cotidiano muda quando Cade encontra um velho Transformer que chegou à Terra e lhe dá um misterioso medalhão que é a chave para impedir uma ameaça iminente. Enquanto isso, Optimus encontra sua criadora, Quintessa (Gemma Chan), que lhe faz de refém enquanto move as ruínas do planeta Cybertron em direção à Terra.

Crítica - Como Se Tornar um Conquistador

Homem imaturo, egoísta e preguiçoso, acostumado a ter tudo de bandeja tem o tapete de sua boa vida e é obrigado a assumir alguma responsabilidade. Parece a premissa de Billy Madison: Um Herdeiro Bobalhão (1995) e algumas outras comédias de Adam Sandler, mas é o ponto de partida deste não muito imaginativo Como Se Tornar um Conquistador.

Maximo (Eugenio Derbez) é um homem de meia idade que nunca trabalhou na vida depois de ter se casado ainda jovem com uma mulher mais velha e milionária. Ele vive seus dias torcendo para que sua esposa morra e ele herde tudo, mas o destino lhe prega uma peça quando ela o trai com um homem mais novo e o expulsa de casa. Como eles eram casados com separação total de bens, Maximo fica sem nada e acaba indo pedir ajuda para a irmã que há muito não vê: Sara (Salma Hayek). Como era de se imaginar, o contato com a família vai levá-lo a aprender valiosas lições e a se importar com mais alguém além de si próprio.

De início já salta aos olhos o quanto o protagonista é desagradável. As primeiras cenas que mostram sua boa vida ao lado da esposa idosa o estabelecem como uma pessoa fútil, estúpida, preguiçosa, sem escrúpulos e que vê a esposa como um mero talão de cheques. Eu sei que a narrativa é sobre o aprendizado dele, mas se o filme não dá ao personagem nenhum atributo positivo para que eu simpatize com o sujeito de início, se torna muito difícil se importar com a jornada dele. Afinal, ao invés de lamentarmos por Maximo quando ele perde tudo, apenas vemos um parasita desprezível recebendo o que merece.

Crítica - De Canção em Canção

Depois do maravilhoso A Árvore da Vida (2011), o diretor Terrence Malick parece ter se reduzido a uma paródia de si mesmo, transformando seu estilo de narrativa em uma série de cacoetes a serem repetidos exaustivamente mesmo que ele não tenha muito o que fazer ou dizer com eles. Já tinha acontecido no pretensioso e vazio Amor Pleno (2012) e no intragável Cavaleiro de Copas (2015). O trailer deste De Canção em Canção dava a impressão que talvez o diretor fosse retornar à boa forma de antes, mas o resultado apenas sedimenta sua fixação por meramente repetir aqueles maneirismos que a essa altura já cansaram.

A trama gira em torno do "quadrado" amoroso envolvendo o produtor musical Cook (Michael Fassbender), o músico BV (Ryan Gosling), a aspirante a cantora Faye (Rooney Mara) e a professora Rhonda (Natalie Portman), mostrando as idas e vindas nos relacionamentos entre esses personagens. Se você conhece o cinema de Malick, no entanto, sabe que a trama em si é o que menos importa nos filmes do diretor, já que o interesse dele é mais produzir provocações e ponderações sobre a natureza das relações humanas (nesse filme mais sobre namoros e relações afetivas) do que contar uma história.