Crítica – BoJack Horseman: 5ª Temporada

A quarta temporada de BoJack Horseman se tornou marcante ao explorar o traumático passado familiar do protagonista e no impacto negativo de relação dele com os pais. Esta quinta temporada, por sua vez, ganha força ao explorar como a conduta destrutiva de BoJack afeta todos ao redor dele e como até aqui a maioria dos personagens foi permissivo com as ações do protagonista.

A narrativa da temporada é centrada na nova série estrelada por BoJack (Will Arnett) na qual ele interpreta um policial durão, traumatizado e abusivo. Durante as gravações BoJack se envolve com Gina (Stephanie Beatriz, a Rosa de Brooklyn Nine Nine), sua co-estrela na série dentro da série. Diane (Alison Brie) participa como roteirista, Princess Carolyn (Amy Sedaris) é uma das produtoras e inexplicavelmente Todd (Aaron Paul) se torna um dos executivos da empresa de streaming responsável pela série protagonizada por BoJack. Assim, a trama consegue unir todos os personagens em um mesmo espaço, evitando a natureza fragmentada da temporada anterior.

A escolha de contar a produção de uma série dentro da série serve como veículo para comentar sobre o momento da produção televisiva dos EUA e a nova “era de ouro” na qual ela se encontra (ou Peak TV como dizem os veículos de lá), cheia de séries sombrias e pessimistas protagonizada por homens anti-heróis de comportamento questionável. Com isso, a quinta temporada zoa essa tendência televisiva de tratar tudo que é sisudo, violento e sexualizado como um sinônimo de conteúdo maduro, complexo ou de qualidade. Flip (Rami Malek), o showrunner da série dentro série, fica a todo momento dizendo coisas do tipo “a escuridão é uma metáfora para escuridão”, construindo um olhar irônico sobre como essa tendência da televisão virou um padrão repetido no piloto automático.

Crítica – Spider-Man (PS4)

Fazia tempo que os personagens da Marvel não recebiam um jogo digno de seu potencial, mas felizmente o exclusivo para Playstation 4 Spider-Man chega para mudar isso e faz pelo Amigão da Vizinhança o que os games da série Arkham fizeram pelo Batman.

Na trama, Peter Parker já é o Homem-Aranha há oito anos. Ele está separado de Mary Jane e agora trabalha como um cientista. Sua vida tanto parece estar entrando nos eixos, principalmente quando surge a oportunidade de prender Wilson Fisk, o Rei do Crime, e trazer um pouco de paz para a cidade de Nova Iorque. A prisão de Fisk, no entanto, acaba dando início a uma disputa de gangues por controle da cidade e o surgimento de novos vilões que irão testar ao limite as habilidades de Peter.

A primeira coisa a se notar é como jogo da desenvolvedora Insomniac, responsável pela franquia Ratchet & Clank, acerta a sensação de ser o Homem-Aranha. Se balançar entre os prédios usando as teias é quase como uma veloz dança aérea conforme a física realista do movimento pendular muda sua velocidade e altura do salto dependendo do momento em que você solta a teia. A câmera se aproxima e se afasta do personagem para dar essa sensação de ganho de velocidade e conforme progredimos no jogo, adquirimos novas ferramentas para explorar Nova Iorque ainda mais rápido.

Crítica - Hotel Artemis

Não estava muito empolgado para conferir Hotel Artemis. O material de divulgação vendia algo incomodamente similar ao universo do primeiro e segundo John Wick, com um hotel que servia de base para supercriminosos, fornecendo cuidados médicos e um porto seguro a eles. O resultado final acaba sendo menos derivativo do que eu esperava, mas ainda assim não aproveita muito do universo que cria.

A trama se passa em um futuro próximo tomado por instabilidade política e social, girando em torno do titular Hotel Artemis, que é gerenciado pela Enfermeira (Jodie Foster). O hotel serve como esconderijo para criminosos que precisam em cuidados médicos e a narrativa mostra uma noite na qual o estabelecimento fica cheio em virtude de protestos e crimes acontecendo em Los Angeles. Com muitos criminosos confinados no diminuto espaço, as tensões parecem crescer entre eles.

O cenário futurista e distópico impede que o cenário soe como um plágio descarado do Hotel Continental de John Wick e o diretor Drew Pearce consegue imprimir uma personalidade e estética própria ao local que o distancia de uma mera cópia, ainda que parta de uma premissa similar. O principal problema, no entanto, é que todo universo criado no filme, em especial sua ambientação distópica, acaba fazendo pouca diferença na história. Tudo poderia se passar nos dias atuais sem muita perda.

Outra questão é que a trama se move muito rápido e dá pouco tempo para que essa ambientação ou os personagens que nela vivem sejam plenamente desenvolvidos. Muitos personagens parecem existir ou agir meramente para mover a trama para frente, como Morgan (Jenny Slate), além de muita coisa acontecer por puro acaso ou necessidade do roteiro.

Apesar dos personagens serem unidimensionais, atores como Sterling K. Brown, Charlie Day e Sofia Boutella conseguem dar a eles carisma o suficiente para que eles não se tornem aborrecidos. Outros atores, por outro lado, acabam tendo pouco espaço para fazer qualquer coisa marcante como é o caso de Zachary Quinto e Jeff Goldblum. Na verdade, toda a tensão que o filme parece estar construindo entre os diferentes personagens nunca se concretiza plenamente.

Quem carrega o filme, porém, é Jodie Foster. Retornando às telas depois de cinco anos sem trabalhar como atriz, Foster dá à enfermeira um semblante constantemente cansado. De início imaginamos que é resultado do desgaste físico e mental de seu trabalho, mas aos poucos vamos percebendo que seu cansaço é muito mais emocional, fruto de um trauma do passado. Ela usa também sua linguagem corporal para comunicar muito da personalidade da personagem, com passos rápidos, mas curtos, denotando a energia e controle da enfermeira. O filme ainda entrega algumas boas cenas de ação, em especial a luta no corredor envolvendo a assassina Nice (Sofia Boutella), que ajudam a evidenciar a natureza brutal e estilizada daquele universo.

Hotel Artemis acaba sendo menos genérico do que eu imaginava, mas trata seus personagens e universo de modo muito superficial para realizar seu potencial, a despeito da ação estilizada e do trabalho de Jodie Foster.

Nota: 5/10

Trailer

Crítica - O Predador

Apesar de existir há mais de 30 anos e ao longo de seis filmes (contando este e os dois Alien vs Predador), a franquia Predador nunca conseguiu produzir nada que superasse o primeiro filme estrelado por Arnold Schwarzenegger. Pois este O Predador, dirigido por Shane Black (que atuou no primeiro filme como o militar Hawkins), tenta devolver a franquia a sua glória oitentista.

A trama começa quando o atirador de elite Quinn Mackenzie (Boyd Holbrook) tem uma missão interrompida por uma espaçonave trazendo um Predador. Ele consegue escapar com parte do equipamento da criatura e, sabendo que o governo tentará encobrir tudo, envia a tecnologia alienígena para uma caixa postal em seu nome. A encomenda, no entanto, acaba sendo entregue na casa dele e seu filho autista, Rory (Jacob Tremblay), que ativa o equipamento, atraindo a atenção das criaturas. Agora Quinn precisa correr até o filho e chegar até ele antes dos alienígenas e dos agentes governamentais liderados por Traeger (Sterling K. Brown), que estão dispostos a tudo para manter toda a questão oculta.

Desde o início é possível perceber que o filme investe seus personagens da mesma postura excessiva de machão dos filmes de ação oitentistas, com direito a constantes frases de efeito nos diálogos. O texto tenta contornar a pura celebração desse modelo antiquado (e talvez anacrônico) de masculinidade ao tornar o esquadrão de Quinn um bando de ex-militares mentalmente instáveis. Parece haver aí um comentário subjacente sobre como essa exaltação à macheza e ao militarismo produz pessoas pouco saudáveis, mas, ao mesmo tempo, as tentativas do filme em extrair humor dos problemas mentais desses personagens nem sempre funciona. Estresse Pós-Traumático ou Síndrome de Tourette são condições severas que afligem muita gente e tratar tudo isso como um mero veículo para riso soa mais constrangedor do que efetivamente engraçado.

Crítica – O Paciente: O Caso Tancredo Neves

A internação (e posterior morte) de Tancredo Neves às portas de sua posse como presidente do Brasil, marcando o fim do governo militar, foi alvo de muitas especulações e teorias conspiratórias ao longo dos anos. Alguns dizem que ele não estava doente, que tinha sido alvejado, outros dizem que ele já estava morto. Enfim, toda sorte de teoria da conspiração existe ao redor da morte do nosso quase-presidente que foi substituído pelo seu vice, José Sarney. O Paciente: O Caso Tancredo Neves, baseado no livro homônimo de Luis Mir, visa entender o que aconteceu nos bastidores do caso e os fatores que levaram à morte de Tacredo Neves (Othon Bastos).

A trama funciona como uma mistura entre as séries The West Wing e House, combinando a intriga dos bastidores do poder com um mistério médico. É um formato que tinha tudo para dar errado considerando que já entramos no cinema sabendo o final e isso poderia diluir o suspense, mas felizmente isso não acontece e o filme é hábil em trabalhar o jogo de intrigas e egos entre as equipes de assessores e médicos.

Crítica – O Banquete

A rica Nora (Drica Moraes) organiza um jantar em sua casa para comemorar os dez anos de casamento de seus amigos Mauro (Rodrigo Bolzan) e Bia (Mariana Lima). Assim que Plínio (Caco Ciocler), marido de Nora, chega em casa bêbado, fica evidente que alguma ruim está acontecendo tanto com o casal de anfitriões quanto o casal de aniversariantes. Conforme a noite avança e os demais convidados vão chegando, descobrimos que Mauro está para ser preso depois de ter publicado uma carta aberta desafiando o então presidente Fernando Collor. No entanto, parece que Nora não reuniu todos ali para se solidarizarem com o amigo.

A premissa é levemente baseada no incidente envolvendo o jornalista Otavio Frias Filho, que em 1991 publicou uma carta aberta contra Collor que o levou a ser processado pelo então presidente. O Banquete, no entanto, não faz nada com essa ambientação “de época” ou com o momento histórico/político no qual sua trama se passa. Essa história poderia ser situada em qualquer época e Mauro poderia estar prestes a ser preso por qualquer crime que não faria a menor diferença. Assim, o pano de fundo histórico soa despropositado e vazio, afinal não há sentido em fazer questão de situar sua narrativa em um momento tão específico da história sem ter nada a dizer sobre esse recorte temporal.

Crítica - Punho de Ferro: 2ª Temporada

A primeira temporada de Punho de Ferro foi de longe a pior das séries da Marvel na Netflix, decepcionando tanto em termos de narrativa quanto na ação. Essa segunda temporada até consegue melhorar muitos problemas da anterior, conseguindo ser minimamente assistível, mas ainda é a mais fraca das produções da Casa de Ideias para a Netflix.

A temporada começa com Danny (Finn Jones), cumprindo a promessa que fez para Matt Murdock (Charlie Cox) no final de Os Defensores de manter a cidade segura na ausência do Demolidor. Danny também faz isso para buscar um novo propósito para si agora que sua missão de destruir o Tentáculo foi concluída. Novas ameaças surgem no horizonte quando Joy Meachum (Jessica Stroup) se alia a Davos (Sacha Dawan) para se vingarem de Danny, recorrendo também à mercenária Mary Walker (Alice Eve).

A primeira coisa em que é possível detectar uma melhora é no tratamento a Danny. Se no ano de estreia ele era um moleque mimado insuportável que queria tudo do jeito dele e choramingava quando não conseguia o que queria, agora ele é um sujeito mais humilde, preocupado em construir uma vida ao lado de Colleen (Jessica Henwick), manter a cidade segura e promover a paz entre as facções das Tríades de Chinatown para evitar um confronto. É definitivamente uma melhora, tornando-o um personagem mais fácil de simpatizar e dando a ele conflitos que o humanizam, mas tal qual a primeira temporada ele ainda soa como alguém menos interessante que outros personagens.

Crítica – How to Get Away With Murder: 4ª Temporada

Quando escrevi sobre a terceira temporada de How to Get Away With Murder mencionei que a série estava se perdendo em tramas mal concebidas e soluções desonestas, talvez indicando que seu fôlego criativo estava acabando. Essa quarta temporada, no entanto, mostra que a série ainda pode render, ainda que não atinja o alto nível dos dois primeiros anos.

A trama começa com Annalise (Viola Davis) tentando reconstruir sua vida depois dos eventos da temporada anterior. Ela demite todos os seus estagiários e funcionários, incluindo a dedicada Bonnie (Liza Weil), e decide reconstruir sua carreira sozinha. A decisão deixa Connor (Jack Falahee), Michaela (Aja Naomi King), Asher (Matt McGorry) e Laurel (Karla Souza) longe dos problemas dela, mas isso não significa que suas vidas ficarão tranquilas. Como Laurel sabe que foi seu pai o responsável pela morte de Wes (Alfred Enoch), ela pede ajuda aos colegas para conseguir provas do crime.

A mudança na dinâmica dos personagens já no primeiro episódio ajuda a dar um frescor à narrativa ao quebrar o molde que vinha sendo duramente seguido até então, funcionando quase como um leve reboot. A alteração também permite explorar facetas dos personagens que até então não tinham sido exploradas, em especial ao tentar entender quem são essas pessoas quando não estão sob a influência de Annalise. Isso faz os personagens se perguntarem o que eles querem ser enquanto advogados e lhes dá novos direcionamentos.

Crítica – A Freira

É bastante curioso que a mesma Warner que tem dificuldade para consolidar o universo compartilhado dos heróis da DC tenha conseguido há alguns anos emplacar seu universo compartilhado de filmes de terror derivados dos dois Invocação do Mal. Depois dos dois filmes sobre a boneca Annabelle, agora é a vez de A Freira, protagonizado pela sinistra aparição de Invocação do Mal 2 (2016).

A narrativa se passa na década de 50 em um misterioso convento no interior da Romênia. Quando uma freira do local é encontrada morta sob circunstâncias misteriosas, o vaticano envia o padre Burke (Damian Bichir) e a freira Irene (Taissa Farmiga) para investigar os fenômenos. Os dois tem a ajuda de Frenchie (Jonas Bloquet), um fazendeiro local familiarizado com as lendas envolvendo o convento.

O diretor Corin Hardy (do correto A Maldição da Floresta) investe em contrastes entre luz e sombra para criar sua atmosfera de terror, com a silhueta sombria da freira demoníaca se movimentando pelos espaços ou se confundindo com o cenário, explorando a profundidade de campo para criar a impressão que a criatura pode estar em qualquer lugar. Em alguns momentos, o terror vem da claustrofobia dos corredores apertados ou espaços diminutos como a cena em que o padre Burke fica preso no caixão.

Crítica – Great News: 1ª Temporada

Eu não esperava muita coisa dessa primeira temporada de Great News. Pelo material de divulgação parecia uma sitcom antiquada baseada em uma premissa batida, mas acabei me surpreendendo com o quanto a série consegue ir além do seu começo aparentemente banal para forjar uma identidade bem singular.

Na trama, Katie (Briga Heelan) trabalha como produtora de um telejornal e tenta avançar na carreira. Os problemas dela começam quando a mãe, Carol (Andrea Martin), resolve cursar uma faculdade de jornalismo e começa a estagiar na mesma emissora em que Katie trabalha. Obviamente, a presença de Carol causa muitos constrangimentos a Katie, já que Carol não consegue separar o pessoal do profissional.

Parece algo saído de uma sitcom de décadas atrás, já que a ideia do adulto que é envergonhado pelos pais em seu ambiente de trabalho ou na frente dos amigos foi explorada à exaustão. O episódio piloto faz pouco para afastar essa impressão de uma comédia feita em linha montagem reciclando um monte de piadas velhas e é possível que muita gente desista da série por conta desse começo genérico, mas para quem continuar acompanhando a experiência acaba valendo à pena.