Crítica – Sala Verde

Uma banda de punk rock sai em turnê pelo interior dos Estados Unidos. Eles estão com pouco dinheiro e seu mais recente show foi cancelado. Sem dinheiro, aceitam ir tocar em um bar neonazista. Lá, acabam testemunhando um assassinato e os nazistas, liderados por Darcy (Patrick Stewart), decidem que eles não devem sair do local com vida. Assim, a banda inicia uma tensa luta por sobrevivência.

É um fiapo de trama, com pouco desenvolvimento de personagem, mas que consegue usar seus poucos espaços para criar com eficiência um clima de tensão e suspense. Boa parte da trama se passa dentro do camarim do bar, no qual a banda se tranca e tenta negociar a saída com os nazistas e a tensão vai crescendo conforme fica claro que os donos do local não deixarão músicos saírem vivos dali.

Apesar de dar pouco tempo para desenvolver seus personagens, os primeiros minutos conseguem ao menos nos levar a nos importarmos com eles. Começando com o carro deles em uma plantação de milho, o início nos mostra a situação de perrengue e poucos recursos dos músicos, sendo fácil simpatizar com eles. Além disso os integrantes da banda, Pat (Anton Yelchin), Sam (Alia Shawkat), Reece (Joe Cole) e Tigger (Callam Turner) são convencem do companheirismo e camaradagem entre eles.

Drops – Para Sempre Chape e Operação Final

Nossa sessão de textos curtos vai hoje falar de dois filmes que chegaram recentemente na Netflix, o documentário Para Sempre Chape e o drama Operação Final.

Crítica – Better Call Saul: 4ª Temporada

Depois do impactante desfecho da terceira temporada, o quarto ano de Better Call Saul apontava para uma aproximação ainda maior de Jimmy do alter-ego de Saul Goodman e foi exatamente isso que entregou, apesar dos arcos de outros personagens terem deixado a desejar. A partir desse ponto, SPOILERS da temporada são inevitáveis.

A trama começa com o funeral de Chuck (Michael McKean), mostrando que Jimmy (Bob Odenkirk) demonstra não estar abalado com a morte do irmão enquanto Kim (Rhea Seehorn) percebe que claramente há algo errado com Jimmy, mas prefere dar a ele espaço para processar seu luto. Mike (Jonathan Banks) continua trabalhando para Gus (Giancarlo Esposito) e agora ajuda o traficante a construir um laboratório subterrâneo (aquele que Walt usou em Breaking Bad).

A recusa de Jimmy em reconhecer estar afetado pela morte do irmão, talvez por se sentir culpado pela piora dele ao expor seu transtorno como algo meramente psicológico na temporada anterior, acaba sendo um dos elementos que dá início ao afastamento entre ele e Kim. Tendo visto Breaking Bad, sabemos que a advogada não faz parte da vida de Saul Goodman, então era uma questão de saber como a cisão entre eles não aconteceria e, tal qual o conflito com Jimmy e Chuck, a série não decepciona no modo como constrói isso de maneira crível.

Crítica – Nasce Uma Estrela

Eu estava empolgado pela nova versão de Nasce Uma Estrela por conta da presença de Lady Gaga no elenco, mas, ao mesmo tempo, me perguntava se havia substância o suficiente para que essa história fosse contada uma quarta vez. A primeira versão foi em 1937, a segunda em 1954, ambas no universo no cinema, e foi a versão de 1976 estrelada por Barbra Streisand que deslocou a história para o mundo da música, ambiente no qual a nova versão também se passa.

                         

Jackson Maine (Bradley Cooper, que também dirigiu o filme) é um astro da música cuja carreira está se aproximando fim. Ele está perdendo a audição e se afundando em drogas, apenas vivendo da fama de outrora. As coisas mudam quando ele conhece Ally (Lady Gaga), uma cantora talentosa que reacende a paixão de Jack pela música. O relacionamento de ambos evolui, mas os problemas de Jack com drogas vão piorando à medida que a carreira de Ally deslancha.

Crítica – Tudo Por Um Popstar

Todo mundo já foi jovem, já idolatrou alguma banda ou artista pop que não era lá grande coisa, mas que significava o mundo para si e para seus amigos quando tinha quatorze ou quinze anos. Nesse sentido, Tudo Por Um Popstar carrega consigo uma premissa com a qual é fácil se identificar, mas lamentavelmente não consegue fazer nada interessante com ela.

A narrativa acompanha três amigas Gabi (Maísa Silva), Manu (Klara Castanho) e Ritinha (Mel Maia) que estão dispostas a qualquer coisa para ir ao show de sua banda favorita. Como os pais delas não as deixam ir sozinhas, elas alistam a ajuda de Babette (Giovanna Lancellotti), prima mais velha de Manu, para levá-las ao show. Assim, as garotas começam sua viagem para tentar conhecer os ídolos, mas o caminho não será fácil.

Essas histórias sobre adolescentes viajando acabam sendo menos sobre o destino e mais sobre a jornada em si, com os personagens amadurecendo ao precisaram lidar sozinhos com as dificuldades e fortalecendo os laços de amizade uns com os outros. Esse filme faz exatamente isso, deixando claro que é a amizade do trio principal a força motriz da narrativa, o problema é que falta perrengue na jornada das garotas. Falta a confusão e absurdo que normalmente se espera desse tipo de filme.

Crítica – Felicidade Por um Fio

Assim como aconteceu com o recente Sexy Por Acidente, este Felicidade Por um Fio parte de uma premissa bem intencionada e tem uma mensagem importante a passar, mas se perde no meio do caminho ao aderir desnecessariamente a uma série de lugares-comuns da comédia romântica.

Violet (Sanaa Lathan) é uma mulher negra que foi ensinada desde pequena que deveria alisar os cabelos e ter vergonha do aspecto natural de suas madeixas. Mesmo adulta, ela é obcecada em manter os fios sob controle e seu namorado, Clint (Ricky Whittle, o Shadow Moon de Deuses Americanos), nunca a viu sem estar alisada. Violet está certa que sua vida está no rumo certo, sendo bem-sucedida em seu trabalho como publicitária e feliz em sua relação, mas quando Clint se recusa a pedi-la em casamento, Violet começa a repensar a vida e a relação com sua aparência.

A narrativa é inicialmente competente em mostrar os extremos em que Violet vai para manter seus cabelos e como muito disso não só vem de sua criação, como também de toda a indústria publicitária da qual ela faz parte e reproduz um padrão eurocêntrico que concebe cabelos lisos como a norma e cabelos crespos como “cabelo ruim”. Há também uma discussão sobre como o olhar da publicidade objetifica a mulher e que isso vem do fato de ser um mundo predominantemente masculino, no qual são os homens que decidem o que as mulheres devem querer ou qual aparência feminina deve ser vendida como a mais desejável.

Crítica – O Que de Verdade Importa

Assim como aconteceu com o recente Teu Mundo Não Cabe nos Meus Olhos, este O Que De Verdade Importa me fez levantar a questão: até que ponto as boas intenções de um filme devem ser levadas em conta? Até que ponto essas intenções são o suficiente para suplantar seus defeitos? Lançado no ano passado nos Estados Unidos, toda a arrecadação da bilheteria por lá seria revertida para uma ONG, criada pelo falecido ator Paul Newman, que cuida de crianças com doenças terminais (aqui no Brasil a arrecadação irá para diferentes instituições que cuidam de crianças com câncer). Uma motivação nobre, mas que no caso de O Que De Verdade Importa (assim como Teu Mundo...) os equívocos e problemas são tantos que todas as suas boas intenções não conseguem superá-las.

A trama é centrada em Alec (Oliver Jackson-Cohen), um engenheiro cujos negócios não estão indo bem, tem um problema com jogos de azar, dívidas acumuladas e não sabe o que fazer na vida. Uma oportunidade de mudança surge quando um tio rico, Raymond (Jonathan Pryce) lhe pede para se mudar para o Canadá e ir morar em uma casa que pertence à família há gerações. Lá Alec descobre que ele, como muitos de seus ancestrais possui um dom de curar as pessoas e ele precisa decidir se abraça esse dom ou o rejeita, mas a chegada de uma garota com câncer Abigail (Kaitlyn Bernard) pedindo ajuda pode mudar a decisão de Alec.

Crítica – Venom

Em um dado momento de Venom, o personagem-título se refere a uma de suas vítimas como “um cocô ao vento”. A frase serve como um resumo do próprio filme (e imagino que eu não serei o primeiro nem o último a fazer esse paralelo): um produto ruim, vagando a esmo sem saber o que fazer com seus personagens ou aonde quer levá-los.

A trama é centrada em Eddie Brock (Tom Hardy), um repórter investigativo que comete que lhe custa seu emprego e sua relação com a noiva, Anne Weying (Michelle Williams). Com a reputação arruinada, ele continua a investigar a misteriosa Fundação Vida, presidida pelo bilionário Carlton Drake (Riz Ahmed), e ao invadir o laboratório da instituição Brock é infectado por um dos simbiontes que Drake guardava no local. Agora Brock precisa lidar com o parasita e descobrir o propósito de Drake com as criaturas.

Venom passa a sensação de algo feito antes do atual boom de filmes de super-heróis, tratando tudo como uma mera desculpa para cenas de ação cheias de computação gráfica e frases de efeito que deveriam ser engraçadinhas, mas muitas vezes são vergonhosas. A narrativa em si é uma bagunça de inconsistências, personagens mal desenvolvidos e motivações vagamente explicadas.

Crítica – Papillon

A biografia de Henri “Papillon” Charriere já tinha sido transformada em filme em 1973 com Papillon, estrelado por Steve McQueen e Dustin Hoffman. Agora, a história de fuga e superação ganha uma nova versão cinematográfica, mas ela não tem muito a dizer além do já era conhecido ou do que outros “filmes de prisão” já fizeram.

Na trama, Henri “Papillon” Charriere (Charlie Hunnam) é um ladrão acusado de um assassinato que não cometeu. Ele é mandado para uma colônia penal na Guiana Francesa e lá conhece o falsificador Louis Dega (Rami Malek), com quem acaba forjando uma amizade. Apesar do cotidiano brutal da prisão, Henri nutre a esperança de que um dia conseguirá fugir.

Filmes de prisão costumam ser sobre resistência e superação dos obstáculos (físicos e metafóricos) que nos encarceram, apresentando as possibilidades de triunfo da força de vontade. Papillon constrói a prisão como um lugar sombrio e cinzento em oposição às exuberantes florestas que existem ao seu redor. É um mundo sem cor, sem luz, implacável e feito para destruir o espírito de qualquer um que ponha seus pés lá dentro.

Crítica – Ponto Cego

Mostrando o cotidiano da vida em Oakland, periferia de São Francisco, e abordando questões de desigualdade racial, Ponto Cego soa quase como uma versão da costa oeste dos Estados Unidos do seminal Faça a Coisa Certa (1989) de Spike Lee, entregando um conjunto similar de personagens singulares e contundentes observações sobre as dinâmicas sociais e raciais do seu país.

A narrativa é centrada em Collin (Daveed Diggs), um ex-presidiário que está a três dias do fim de sua liberdade condicional e tenta reconstruir a vida depois de seu tempo na prisão. Ele trabalha em uma empresa de mudanças ao lado do melhor amigo, Miles (Rafael Casal), que tem um temperamento explosivo. Um dia, Collin testemunha um policial branco atirando em um homem negro desarmado e a visão irá assombrar o personagem pelos próximos dias.

Com cores fortes e cenas que parecem um sonho febril, a direção de Carlos Lopez Estrada é eficiente em nos deixar imersos nos sentimentos de Collin, que se sente aprisionado mesmo estando em liberdade, incapaz de se livrar da marca de ser um ex-presidiário. Há nele um misto de insegurança e revolta pela situação em que se encontra, com tudo sendo potencializado pela execução testemunhada por ele. Cada vez que vemos uma viatura ou ouvimos uma sirene sentimos uma apreensão genuína por Collin, temendo que ele se vítima de brutalidade policial mesmo sem ter feito nada de criminoso.