Lixo Extraordinário – Na Onda do Rap

Quando foi lançado em 1991, Na Onda do Rap era vendido como uma nova versão do filme O Selvagem (1953) colocando Rob Van Winkle no papel que foi tornado célebre por Marlon Brando. Não sabe quem é Van Winkle? Talvez vocês o conheçam melhor por seu nome artístico, o rapper Vanilla Ice. O quê? Não sabem quem é Vanilla Ice? Bem, ele foi famoso por um tempo na década de noventa graças à canção Ice Ice Baby. Vocês também não conhecem essa música? Não os culpo, é uma canção famosa principalmente pela batida, que na verdade é um sample das batidas iniciais da música Under Pressure do Queen.

De todo modo, os responsáveis por este filme acharam uma boa ideia chamar um rapper famoso por uma única música cujo principal mérito artístico pertencia a uma outra canção para fazer um papel que Marlon Brando tornou icônico e lógico que isso dá muito errado. Sim, imagino que o objetivo era promover o cantor e lucrar em cima da imagem dele, colocando-o como um galã rebelde, mas primeiro deveriam ter se certificado se Ice era realmente capaz de convencer dessa imagem. 

Além do filme ter sido um fracasso de público e crítica, a mudança dos paradigmas culturais, com o lançamento do disco Nevermind do Nirvana cerca um mês antes de Na Onda do Rap chegar aos cinemas colocando o grunge rock como a próxima grande onda, garantiram que Ice caísse no ostracismo. Ocasionalmente ele tenta retornar aos holofotes através de participações em reality shows e pontas nos filmes do Adam Sandler (como Esse é Meu Garoto), mas Vanilla Ice nunca chegou perto de recuperar a fama de outrora.

Crítica – As Viúvas

Minha reação inicial ao saber que o projeto seguinte do diretor Steve McQueen seria um filme de assalto como este As Viúvas foi de estranhamento. McQueen foi responsável por filmes como 12Anos de Escravidão (2013), Shame (2011) e Fome (2008), trabalhos sobre pessoas vulneráveis e à margem, então a ideia de que ele embarcaria em um tipo de filme mais convencional parecia, à primeira vista, motivada por dinheiro. Por outro lado, outros diretores já tinham migrado para gêneros mais populares sem, no entanto, abrirem mão dos temas que tornam suas obras tão singulares. Spike Lee fez isso no excelente Plano Perfeito (2006), que, por baixo do verniz de filme de roubo, trazia o olhar típico de Lee para questões de classe, etnia e reparação social e agora McQueen faz o mesmo com As Viúvas.

A narrativa acompanha Veronica (Viola Davis), uma mulher que recentemente perdeu o marido, Harry (Liam Neeson) morto durante um assalto que deu errado. O problema é que o marido de Veronica roubou dinheiro de um poderoso gângster, Jamal (Brian Tyree Henry), que agora é candidato a vereador e pressiona Veronica pelo dinheiro roubado. Acuada, Veronica procura as viúvas dos outros ladrões mortos, Linda (Michelle Rodriguez) e Alice (Elizabeth Debicki), para juntas realizarem um roubo que Harry planejou antes de morrer e assim consigam o dinheiro para pagar Jamal e reconstruírem suas vidas.

Crítica – Supa Modo

O longa-metragem queniano Supa Modo começa com duas crianças estão assistindo a um exagerado filme de artes marciais oriental. O filme termina e as duas saem empolgadas, conversando sobre quem seria melhor, se Jet Li, Jackie Chan ou Bruce Lee. É uma conversa trivial, mas que ajuda a entender o tom do filme, já que logo depois da cena descobrimos que a garota, Jo (Stycie Waweru), está com câncer terminal e como só tem dois meses de vida, a família tirá-la do hospital para que ela passe os últimos dias em casa.

A escolha de mostrar Jo como uma criança como qualquer outra ao invés de já iniciar nos comunicando de sua grave doença ajuda que não a vejamos como uma coitada ou uma vítima, mas como uma garota cheia de vida e energia. Retornando à casa e sem perspectiva de melhora, a irmã de Jo, Mwix (Nyawara Ndambia), decide aproveitar o tempo que a irmã tem restando para fazê-la viver o sonho de ser uma super-heroína.

Crítica – Robin Hood: A Origem

É impressionante como Hollywood parece não saber o que fazer com a mítica figura de Robin Hood. Em tese é um personagem atemporal, afinal enquanto existir desigualdade social a figura de Robin permanece relevante. Por outro lado, a indústria estadunidense parece rejeitar veementemente o estilo “capa e espada” (ou swashbuckling em inglês) das histórias do personagem, com aventureiros charmosos, salões de baile e pessoas se balançando em lustres.

Ridley Scott já tinha tentando fazer um Robin Hood como épico histórico que falhou miseravelmente e agora essa nova versão tenta transformar a história do personagem em uma espécie de cópia safada dos filmes dos super-heróis da DC dirigidos pelo Zack Snyder. Considerando que a própria Warner/DC está se afastando do modelo “snyderiano” (e o sucesso comercial abaixo do esperado deste formato), este Robin Hood: A Origem é um filme que já nasce datado, superado e anacrônico. É o equivalente cinematográfico de um bebê natimorto.

Na trama, o nobre Robin de Loxley (Taron Egerton) retorna das cruzadas para descobrir que o Xerife de Nottingham (Ben Mendelsohn) confiscou todas as suas propriedades e sua amada Marian (Eve Hewson) está casada com um líder local Will (Jamie Dornan). Destituído, Robin acaba se aliando ao mouro John (Jamie Foxx) para derrubar o Xerife.

Crítica - Rafiki

Kena (Samantha Mugatsia) e Ziki (Sheila Munyiva) são filhas de dois políticos rivais que estão disputando a eleição para vereador. Quando as duas se apaixonam, precisam decidir se viverão abertamente esse romance, tanto por conta de suas famílias quanto do preconceito da sociedade, ou se continuarão escondidas e em segurança. Esse é o conflito no centro do queniano Rafiki, segundo longa-metragem da diretora Wanuri Kahiu.

A primeira metade do filme trata o enlace romântico das duas com uma certa ingenuidade romântica, como se estivéssemos diante de uma comédia romântica qualquer. Nenhuma das duas parece ter qualquer problema (embora boa parte das pessoas ao redor delas tenha) em estar apaixonada por uma mulher ou questionam a própria sexualidade. O filme trata esse romance homossexual com a mesma naturalidade que boa parte das comédias românticas tratam romances heterossexuais e, com isso, manifesta um ideal de igualdade. Amor e romance são amor e romance independente dos gêneros das pessoas envolvidas.

Crítica – Marvel’s Spider-Man: Guerras Territoriais

Guerras Territoriais, segundo DLC do excelente Marvel’s Spider-Man, continua mais ou menos do ponto em que O Assalto parou. O gângster Cabeça de Martelo (Hammerhead) ampliou ainda mais seu poder e influência entre os criminosos da cidade, iniciando um reino de terror por Nova Iorque. Cabe ao Homem-Aranha, com a ajuda da capitã Yuri Watanabe, deter o criminoso.

Preciso admitir que me surpreendi pelos caminhos sombrios que a narrativa me levou, explorando a elevação das tensões depois que um esquadrão da capitã Watanabe é assassinado pelo Cabeça de Martelo e a policial para em uma sangrenta e desesperada busca por vingança. Durante a campanha principal Yuri era basicamente um veículo de diálogos expositivos e “fornecedora de missões”, mas aqui ela ganha bastante nuance conforme é afetada pelas consequências brutais do seu duelo com a máfia e vai abandonando seus valores em sua sanha vingativa.

Crítica - Los Silencios

São muitos os silêncios que marcam este Los Silencios, da diretora Beatriz Seigner. Os silêncios provocados por ausência, os silêncios daqueles que não têm voz diante dos caprichos dos poderosos e o silêncio daqueles que morreram e por isso são incapazes de contar suas histórias.

A trama é centrada em Amparo (Marleyda Soto), uma mãe de dois filhos que tenta fugir da zona de conflito em que vive na Colômbia. Ela vai para a zona de tríplice fronteira entre Colômbia, Peru e Brasil, se instalando em uma casa de palafita em uma ilha localizada no meio do Rio Amazonas e que formalmente não pertence a nenhum dos três países. Lá, ela encontra o marido (Enrique Diaz), que supostamente estava morto.

O filme traz uma mistura de realismo social com realismo fantástico. Falo em realismo social pelo fato de registrar o cotidiano de uma comunidade que literalmente não pertence a lugar nenhum (a “Ilha da Fantasia”) realmente existe, mostrando o desafio diário de viver em um local que está aos sabores das cheias e vazantes do rio, mesclando atores profissionais com um elenco de não atores formados pela comunidade. O realismo fantástico, por outro lado, se manifesta na literal presença de fantasmas que interagem com os vivos.

Vencedores do XIV Panorama Internacional Coisa de Cinema

O XIV Panorama Internacional Coisa de Cinema encerrou ontem e distribuiu os prêmios das suas mostras competitivas. Na competitiva nacional, o longa Luna foi escolhido como o melhor pelo júri oficial, enquanto que Ilha foi o eleito do júri jovem, recebendo também uma menção honrosa do júri oficial. Na competitiva baiana, o júri oficial premiou o documentário Bando, um filme de, dirigido por Lázaro Ramos e o júri jovem premiou o documentário Dr. Ocride. Confiram abaixo a lista completa de vencedores.

Crítica – A Voz do Silêncio

A Voz do Silêncio é um daqueles filmes que constroem um grande mosaico de personagens, transitando entre diferentes histórias que eventualmente se conectam de alguma maneira. Me lembrou bastante o excelente Magnólia (1999), de Paul Thomas Anderson, não só pela sua estrutura de mosaico, como também pela temática de pessoas solitárias em busca de afeto ou alguma conexão e pelo eventual uso de uma ocorrência cósmica/fantástica/sobrenatural para arrematar todas essas histórias. No filme de Anderson é uma chuva de sapos retirada do Velho Testamento, aqui é um eclipse lunar que deixa a Lua vermelha.

Como acontece em muitas tramas que saltam constantemente entre múltiplos personagens e narrativas, o resultado aqui é irregular e nem todas as histórias envolvem como deveriam. A mais eficiente é a que envolve uma mulher solitária em seu apartamento, interpretada por Marieta Severo, falando sobre o filho que está viajando pelo mundo. É uma das tramas que o filme dá mais tempo de tela e talvez seja por isso que ela envolva mais que as demais, além, claro do trabalho de Marieta Severo como uma senhora que parece cada vez mais deslocada da própria realidade e anestesiada pela televisão.

Crítica – Ilha

Em um determinado momento de Ilha, um personagem diz algo do tipo “nosso cinema é subdesenvolvido por natureza”. A frase serve como uma chave para entender o filme e as escolhas estéticas e temáticas feitas nele. Durante os anos 60 e 70, críticos, pesquisadores e cineastas como Glauber Rocha, Fernando Solanas, Octavio Getino ou Júlio García Espinosa já falavam sobre como o cinema poderia servir aos países latino-americanos para refletir sobre seu próprio subdesenvolvimento e condição colonizada.

Termos como “estética da fome”, “cinema impuro” ou “cinema imperfeito” eram usados por esses autores para falar de filmes feitos com poucos recursos e que acabavam deixando de lado a preocupação com uma perfeição da pureza ou perfeição estética em virtude da necessidade urgente de contar histórias sobre pessoas e comunidades marginalizadas que não tem suas vozes ouvidas. Ilha bebe nessa fonte, adotando uma estética propositalmente “suja” para tecer uma trama metalinguística sobre a natureza da representação cinematográfica e a vida no extremo sul da Bahia.