Crítica – Marvel’s Spider-Man: Comando Silver

Comando Silver é o terceiro e último DLC para Marvel’s Spider-Man e tinha a missão de trazer um desfecho às histórias iniciadas em O Assalto e Guerras Territoriais, encerrando todos os arcos de personagem enquanto pavimentava os rumos para novas narrativas em uma possível (e talvez inevitável) continuação.

A trama continua onde a expansão anterior parou, com o gângster Cabeça de Martelo escapando depois de ser dado como morto e a capitã Yuri Watanabe sendo afastada depois de tentar assassinar o criminoso. Agora, Peter precisa descobrir onde o vilão se esconde ao mesmo tempo que precisa lidar com o retorno de Silver Sable, que não está nem um pouco feliz com o fato de Cabeça de Martelo ter roubado seu equipamento.

Crítica – Bird Box

Uma mulher e duas crianças caminham vendadas em meio a uma floresta tomada por um nevoeiro. A mulher alerta as crianças para não tirarem as vendas, pois se verem as criaturas invisíveis que tomaram nosso mundo, correm o risco de morrer. No papel a premissa de Bird Box parece risível, mas funciona melhor na prática. A questão é que a trama se pretende a um exame da erosão da sociedade diante de um ambiente apocalíptico e também a uma metáfora sobre a maternidade e faz as duas coisas apenas superficialmente.

Malorie (Sandra Bullock) está grávida e tem dúvidas se conseguirá amar e criar vínculo com a criança que irá nascer. Em meio a esses questionamentos, o mundo é tomado por um surto de insanidade, com pessoas enlouquecendo e se matando aparentemente sem razão alguma. Não demora a descobrirem que a razão de tudo isso são criaturas que, quando vistas, levam a pessoa à loucura. A trama alterna duas temporalidades, o presente no qual Malorie viaja com duas crianças através de um rio e o passado, com ela ainda grávida refugiada em uma casa com outros sobreviventes.

Lixo Extraordinário – Salvando o Natal

Estrelado pelo ex-ator mirim Kirk Cameron, famoso em sua juventude por conta da série Tudo em Família e que hoje se tornou uma espécie de televangelista, este Salvando o Natal promete em seu pôster “trazer Cristo de volta ao Natal”. Imaginei que com isso o filme quisesse criticar o consumismo das festas natalinas e resgatar a essência da fé cristã que se perdeu nas comemorações da festa. Eu estava errado, eu estava muito, muito errado. O que ele apresenta é uma visão delirante e equivocada sobre os significados da festa, mas nem é só isso que o torna abominável.

O filme abre com Kirk sentado diante de uma poltrona falando sobre as festas natalinas e logo após uma breve fala sobre o Natal ser uma época de caridade e oração ele mostra o real intento do filme, entregando um longo discurso sobre como as comemorações natalinas estariam “sob ataque” ou sendo ameaçadas por pessoas que não gostam ou não entendem o significado das festas.

Ora, os Estados Unidos são uma nação formada por puritanos cristãos, as notas de dólar trazem a mensagem “in God we trust” (em Deus confiamos) escrita nelas, o juramento à bandeira menciona o fato do país ser “uma nação sob Deus, indivisível”, e assim é difícil comprar a ideia de que o cristianismo é de algum modo um grupo perseguido. Cristãos são um grupo social hegemônico, que determina padrões e normas, tanto lá quanto aqui no Brasil. Desta forma, tentar argumentar sobre perseguição é uma dissonância cognitiva com a realidade ou pura desonestidade intelectual, mesmo se considerarmos que está havendo uma perda de hegemonia, já que isso seria muito diferente de ser perseguido ou intimidado.

Crítica – Minha Vida em Marte

Os Homens São de Marte e é Pra Lá Que Eu Vou (2014) era uma comédia morna, excessivamente colada nos clichês do gênero, mas obteve sucesso suficiente para render uma continuação neste Minha Vida em Marte, que apresenta uma trama difusa e que perde de vista sua protagonista.

O casamento entre Fernanda (Mônica Martelli) e Tom (Marcos Palmeira) esfriou. Eles mal conversam, mal transam e só dialogam para falar sobre a filha. A falta de interação entre os dois leva Fernanda a conversar com o amigo Aníbal (Paulo Gustavo) e repensar a relação.

Assistindo o filme, a impressão é que Paulo Gustavo entrou armado no set e tomou toda a produção de refém, já que seu personagem, que deveria ser o típico melhor amigo engraçadinho, acaba tendo mais espaço e mais falas do que a própria protagonista do filme. Não importa qual o teor da conversa ou quão dramática, Aníbal sempre tem longos comentários venenosos a fazer sobre o que quer que esteja ao seu redor, mesmo que não faça nenhum sentido que aquilo fosse dito na situação, como nos momentos em que ele faz comentários maldosos para as clientes de sua empresa de eventos, o que é mais grosseiro do que engraçado.

Crítica - Roma

O Roma do diretor mexicano Alfonso Cuarón não trata da capital italiana, pegando seu título da Colônia Roma, área de classe média da Cidade do México na qual o diretor cresceu. É, portanto, um trabalho que se pretende a algo memorialista, remetendo a experiências de infância do diretor e construindo uma sensação de estarmos acompanhando experiências cotidianas.

A história dessa família de classe média é contada sob a ótica de Cleo (Yalitza Aparicio) uma das empregadas dessa família de classe média cujos filhos dos patrões a consideram quase como uma segunda mãe. A trama acompanha o cotidiano dessa família bem como a vida de Cleo e as transformações que vão ocorrendo nesse núcleo familiar. Se inicialmente a trama parece romantizar excessivamente a relação de trabalho de Cleo com a família que a emprega, em sua segunda metade esse incômodo é atenuado quando a trama passa a ser sobre a solidão feminina, com tanto Cleo e a patroa abandonadas pelos respectivos companheiros não tendo o apoio de mais ninguém exceto uma da outra.  

Crítica – South Park: 22ª Temporada

A vigésima segunda temporada de South Park começou abordando o polêmico tema dos tiroteios em escolas. A escolha criou controvérsia antes mesmo do episódio ser exibido, com muita gente questionando como a série faria comédia em cima de algo tão trágico e, na verdade, eles se saíram muito bem ao abordar o tema. A série extrai a comédia não do tiroteio ou das mortes em si, mas da banalização que é feita ao redor desse tipo de evento e da inação em tentar fazer algo para coibi-lo.

O ridículo e o absurdo emergem de como esses tiroteios foram absorvidos no cotidiano das pessoas que, ao saber de um novo massacre, anunciam que seus “pensamentos e orações” estão com as vítimas apenas para continuar suas atividades como se nada tivesse acontecido. O episódio ainda traz uma subtrama envolvendo Cartman e Token sobre o fato de Cartman não ter gostado do filme Pantera Negra, o que é uma piada recorrente durante toda a temporada. Eu imagino que a intenção tenha sido parodiar as comunidades de fãs que não aceitam opiniões divergentes e atacam com fúria virulenta qualquer um que pense diferente, mas a temporada acaba não tendo nada a dizer sobre isso e apenas repete várias vezes a fala de Cartman de que o filme não é tão bom assim.

Crítica – Henfil

Famoso por seu trabalho como cartunista, mas tendo também atuado como escritor, dramaturgo e até diretor de cinema, Henfil é uma figura importante para a história política e cultural brasileira cuja trajetória precisa ser examinada e conhecida. O documentário Henfil faz exatamente isso e é bem sucedido em evitar as armadilhas comuns deste tipo de filme.

A trama é contada a partir da pesquisa de estudantes de animação que pesquisam a vida e obra de Henfil para fazer um curta animado sobre seus mais famosos personagens. A partir disso o público vai conhecendo o cartunista a partir da pesquisa realizada pelos animadores. Com isso, o filme se afasta dessa estrutura tradicional de apenas intercalar entrevistas e imagens de arquivo, colocando o público para acompanhar a experiência de aprendizado da equipe de animação, o manuseio que eles fazem das artes de Henfil e as visitas de outros cartunistas, como Ziraldo e Jaguar, que vão ao estúdio comentar sobre a obra do biografado.

Claro, ainda estão presentes as entrevistas estáticas e imagens de arquivo, mas tudo é organizado sob o enquadramento dessa pesquisa dos animadores cuja intenção não é apenas conhecer os eventos da vida de Henfil, mas a gênese do seu gesto criativo. Entender porque ele produzia charges e cartuns sobre determinados temas e também qual a razão dele fazê-las do jeito que fazia, as suas escolhas estéticas, o tipo do traço e outros elementos.

Crítica – Detetives do Prédio Azul 2: O Mistério Italiano

Detetives do Prédio Azul: O Filme, que levava aos cinemas a série do canal infantil Gloob, era uma aventura simpática, ainda que simples. Esse segundo filme não faz muito para ir além do anterior, mas continua a apresenta uma trama leve, imaginativa e lúdica.

A narrativa continua a acompanhar o trio de detetives mirins Sol (Letícia Braga), Bento (Anderson Lima) e Pippo (Pedro Henriques Motta). Dessa vez o grupo precisa viajar até a Itália (daí o título do filme) para desvendar o sumiço das crianças de seu prédio que foram sequestradas pelos bruxos Máximo (Diogo Vilela) e Mínima (Fabiana Karla), que querem usar o canto das crianças para atingirem a imortalidade. Na missão, o grupo de pequenos investigadores contará com a ajuda do avô (Antonio Pedro) de Pippo.

Tal como antes, a trama continua a costurar bem a junção da trama investigativa com elementos de fantasia e sobrenatural. Se quando eu escrevi sobre o primeiro filme mencionei o quanto isso era tributário de narrativas como a do Scooby Doo ou Josie e as Gatinhas (antes do reboot mais sério e sombrio em Riverdale), este segundo filme se aproxima ainda mais dessas referências. O castelo italiano com quadros cujos olhos se movem parece saído diretamente de um episódio do Scooby Doo e o trio de detetives agora tem uma banda na qual Sol toca bateria usando uma tiara com orelhinhas ao melhor estilo Josie.

Crítica – Aquaman

Depois da recepção abaixo do esperado de Liga da Justiça (2017) ficava claro que o modelo do diretor Zack Snyder para os heróis da DC não era mais comercialmente viável. O diretor teve três chances nesse universo e todas as três obtiveram um resultado morno, embora alguns estúdios ainda tenham tentado copiar equivocadamente esse formato como o péssimo Robin Hood. Este Aquaman tinha a missão de mostrar que o universo DC poderia se sustentar sem o diretor e construir em cima das promessas deixadas em Liga da Justiça.

É curioso que enquanto muitos blockbusters recentes, como o já citado Robin Hood, tentam copiar essa estrutura dark e sisuda, o chamado universo compartilhado da DC nos cinemas (que começou em O Homem de Aço) só obteve sucessos incontestes quando foi na contramão disso, abraçando a fantasia e aventura em Mulher Maravilha (2017), e agora tenta ser bem sucedido ao fazer um filme com um quê de matinê dos anos 30 e espírito de uma aventura de capa e espada (ou tridente) neste Aquaman.

Na trama, Arthur (Jason Momoa) é filho de um humano, Tom (Temuera Morrison), com a rainha Atlanna (Nicole Kidman), monarca da nação submarina de Atlântida. Arthur cresce na superfície, alheio ao que acontece em Atlântida, mas quando o seu meio-irmão, o rei Orm (Patrick Wilson) decide declarar guerra à superfície, ele se junta à princesa Mera (Amber Heard) e ao conselheiro Vulko (Willem Dafoe) para deter a guerra iminente e, para isso, precisam recuperar o tridente perdido de Atlan, primeiro rei de Atlântida.

Crítica – Mogli: Entre Dois Mundos

A jornada de Mogli: Entre Dois Mundos para chegar a ser exibido ao público não foi fácil. O projeto, dirigido pelo ator Andy Serkis, foi anunciado pela Warner quase que ao mesmo tempo em que a Disney divulgava um remake com atores da animação Mogli: O Menino Lobo. Os dois filmes estavam marcados para estrear no mesmo ano, mas a Warner preferiu adiar sua versão a competir com a encarnação mais famosa da Disney. Um ano passou e nada de Mogli: Entre Dois Mundos estrear até que em 2018, quase dois anos depois da data marcada para sua estreia, foi anunciado que a Netflix comprou o filme da Warner e o distribuiria mundialmente em seu serviço de streaming.

Dada a demora em levar o filme ao público e a eventual desova dele na Netflix pelo estúdio, a impressão é que a Warner estava querendo se livrar de um potencial fracasso financeiro e diminuir suas perdas com filme, tal qual a Paramount fez ao largar o péssimo The Cloverfield Paradox (2018) no colo da Netflix. A impressão se confirma ao assistir o filme, pois embora ele não seja uma bomba insuportável de assistir, tem poucos atributos para realmente envolver o público, sendo uma experiência apática.