Crítica – Rocketman

Não estava muito empolgado para conferir este Rocketman, biografia do cantor Elton John, todo material de divulgação dava a entender que seria mais uma cinebiografia quadrada e rasa nos moldes de Bohemian Rhapsody (2018). Felizmente, os trailers não fazem jus ao que é o material final e o resultado é um musical vibrante, que não se furta em tentar entender as contradições de seu protagonista.

A trama segue a vida de Elton (Taron Egerton) desde sua infância até sua idade adulta quando entra em reabilitação para tratar de seu vício em álcool e drogas. A narrativa é toda enquadrada como um relato de Elton em um grupo de terapia durante a sua reabilitação, o que permite ao filme seguir o fluxo de consciência e a subjetividade da visão dele acerca da própria história ao invés de um viés mais naturalista ou mimético.

Isso é mais evidente no modo como filme usa as canções. Enquanto na maioria das cinebiografias de músicos o uso das canções é bastante naturalista, aparecendo sempre dentro da diegese (do universo do filme) quando os personagens tocam ou cantam, aqui elas são usadas mais como em um musical tradicional. Aqui os personagens cantam para uma melodia que não está necessariamente dentro do universo fílmico, de certa forma rompendo o realismo narrativo para mergulhar na subjetividade de Elton John.

Crítica – Anos 90

Anos 90 marca a estreia do comediante Jonah Hill como diretor e entrega um retrato sincero sobre juventude e o senso de deslocamento e alienação que acompanham a adolescência. A narrativa segue o jovem Stevie (Sunny Suljic), um garoto de treze anos que, em busca de um refúgio para sua tumultuada relação com o irmão mais velho, Ian (Lucas Hedges), e a mãe, Dabney (Katherine Waterston). Ele encontra esse refúgio ao se tornar amigo de um grupo de garotos mais velhos que trabalham em uma loja de skate e começa a se integrar a este grupo.

Hill constrói um olhar bem naturalista sobre a juventude, evitando julgar ou analisar demais o comportamento desses personagens, seguindo eles como se estivesse dirigindo um documentário observacional. Esse senso de naturalismo emerge também das performances dos atores que parecem nem estar sendo dirigidos e sim, jovens dos anos 90 que Hill pegou da rua graças ao uso de alguma máquina do tempo. Em especial Sunny Suljic, que evoca bem esse senso de solidão adolescente, da necessidade quase que desesperada de se encaixar em algum lugar, de encontrar a própria identidade e grupo para chamar de seu.

Rapsódias Revisitadas – Ao Abismo: Um Conto de Morte, Um Conto de Vida

Tanto em sua produção documental quanto ficcional, o cineasta Werner Herzog se interessa por sujeitos em situações-limite. Em pessoas tendo que lidar com decisões ou consequências que a maioria de nós não precisa conviver e que por vezes julgamos com muita facilidade. Isso se aplica a este Ao Abismo: Um Conto de Morte, Um Conto de Vida, no qual ele analisa a questão da pena de morte nos Estados Unidos e como isso afeta todos os envolvidos, do condenado à morte, passando pelos familiares das vítimas e os agentes penitenciários que trabalham diretamente com as execuções.

A narrativa é focada em Michael Perry, condenado a morte por triplo homicídio. Quando o filme começa e Herzog entrevista Perry pela primeira vez, ele está a uma semana de sua execução. O diretor poderia tentar humanizar o personagem para tentar fazer o público se compadecer por ele, visto que Herzog é notoriamente contrário a pena de morte. Outra coisa pela qual Herzog é conhecido é por sua honestidade brutal e ele a exibe já em seu primeiro contato com Perry, dizendo que não gosta dele, que não o acha inocente, mas que ainda o respeita em um nível humano ao ponto de não achar que ele deveria ser executado.

Crítica – Brightburn: Filho das Trevas

O que aconteceria se o Superman fosse maligno? Se Jor-El não o tivesse enviado ao nosso planeta para ser um símbolo de esperança e sim um conquistador? São essas as perguntas que este Brightburn: Filho das Trevas tenta responder, ainda que também convoque para si outras estruturas familiares do terror

Na trama, um casal de fazendeiros no interior do Kansas, Tori (Elizabeth Banks) e Kyle (David Denman), que encontram uma nave caída em suas terras e um bebê dentro da nave. Sem filhos, o casal decide adotar o bebê (eu disse que era basicamente o Superman). Anos mais tarde, com doze anos, o jovem Brendon (Jackson A. Dunn) começa a manifestar estranhas habilidades de força e velocidade, aos poucos se dando conta de que é diferente dos demais e percebendo que tem poder para fazer o que quiser.

É curioso que o filme não apenas pega a premissa básica do Superman, mas toma algumas decisões estéticas que remetem a filmes do personagem, em especial a leitura feita por Zack Snyder em O Homem de Aço (2013) e demais filmes do herói sob a batuta do diretor. Os minutos iniciais de Brightburn trazem o mesmo tipo de imagens bucólicas e planos na contraluz da pacata fazenda do Kansas que Snyder apresentava nos flashbacks de Clark em O Homemde Aço, até a paleta de cores é semelhante. A música remete bastante ao trabalho de Hans Zimmer no filme de Snyder em 2013.

Crítica – The Good Fight: 3ª Temporada

Quando escrevi sobre as duas temporadas anteriores de The Good Fight, mencionei o aspecto combativo da série, de como ela não tinha papas na língua em falar de questões espinhosas de cunho social e político contemporâneos. A questão é que nessa terceira temporada toda essa combatividade acaba soando um pouco sensacionalista demais, principalmente quando mira diretamente na administração Trump, e muito cheio de si, como se a série tivesse certeza de que seu conteúdo será decisivo para derrubar o presidente ou garantir que ele não se reeleja.

Na trama, Kurt (Gary Cole), marido de Diane (Christine Baranski), acaba aceitando um cargo na atual administração, para a decepção de Diane, que teme que o marido esteja sendo usado como bobo da corte por Trump. Ao mesmo tempo a firma de Diane se envolve em um processo contra o inescrupuloso advogado Roland Blum (Michael Sheen), disposto a vencer mesmo tendo que mentir.

Como é de costume, a série trata de temas complexos como o racismo e a ascensão de grupos fascistoides. O episódio no qual Lucca (Cush Jumbo) é tratada primeiro como babá e depois como criminosa por estar andando na rua com o filho, que é branco, é um bom exemplo de como manifestações de racismo que podem parecer inicialmente inofensivas (confundi-la com uma babá) rapidamente escalam para algo perigoso.

Crítica – Entre Vinho e Vinagre

Eu já estou calejado quanto à decepcionante produção de longas metragens originais da Netflix. Sempre que algo parece minimamente promissor, o resultado final geralmente é algo morno. Ainda assim, fui esperançoso assistir Entre Vinho e Vinagre por ser a estreia da talentosa comediante e roteirista Amy Poehler como diretora. O produto final, porém, parece algo feito ao “estilo Adam Sandler de produção” no sentido de que todo filme parece ter sido feito para que Poehler saísse em uma viagem de férias com as amigas. Em si isso não teria problema se o filme rendesse algo bacana, mas do jeito que está parece que o elenco se divertiu bem mais que o espectador.

A trama segue um grupo de amigas que se reúne depois de anos para comemorar o aniversário de Rebecca (Rachel Dratch), que está fazendo cinquenta anos. Abby (Amy Poehler) alugou uma casa na região dos vinhedos da Califórnia para comemorar o aniversário da amiga e montou todo um itinerário da viagem, mas sua natureza controladora começa a incomodar as demais. Com o tempo, a alegria do reencontro vai dando vazão a ressentimentos antigos entre elas.

Crítica – Sai de Baixo: O Filme

Eu gostava de Sai de Baixo enquanto programa televisivo. Apesar da produção simples, a série tinha um grau de imprevisibilidade graças a sua natureza improvisacional, com os atores construindo muito de suas falas a partir das reações da plateia que assistia as gravações ou dos próprios colegas de elenco. Eu sabia que essa espontaneidade certamente se perderia em um filme, mas ainda esperava que os personagens fossem capazes de segurar a trama com seu carisma. Infelizmente isso não acontece.

Na trama, Caco Antibes (Miguel Falabella) sai da prisão depois de anos encarcerado, retornando ao apartamento da família no Largo do Arouche apenas para descobrir que ele está indo a leilão. Assim, ele tenta recuperar o apartamento ao se envolver no esquema de lavagem de dinheiro de um tio, precisando cruzar a fronteira do Brasil com o Paraguai com uma mala de pedras preciosas. Com isso, Caco reativa a Vavatur de Vavá (Luiz Gustavo), também preso por conta das falcatruas de Caco. O que Caco não imaginava é que Magda (Marisa Orth) e Ribamar (Tom Cavalcante) tinham seus próprios esquemas planejados para a viagem.

Crítica – Days Gone

As primeiras imagens e vídeos de Days Gone mostravam o protagonista Deacon St. John vagando de moto por um mundo pós-apocalíptico desolado, sendo perseguido por gigantescas hordas de infectados (as criaturas do jogo não são exatamente zumbis) que se moviam como uma onda veloz (pensem no filme Guerra Mundial Z). Tudo parecia caminhar para algo similar a uma versão de mundo aberto de The Last of Us, outro exclusivo de PS4 sobre um tipo de “apocalipse zumbi”. O resultado, embora consiga envolver, fica aquém do esperado.

A trama segue Deacon St. John, um motoqueiro que tenta sobreviver nesse mundo destruído por um perigoso vírus que transforma os humanos em “frenéticos” (freakers, no original). Esses frenéticos se comportam basicamente como zumbis, mas estão vivos e são mais fortes e ágeis que desmortos comuns. Deacon e seu melhor amigo Boozer estão planejando deixar a região montanhosa do Oregon e ir rumo ao norte do país, mas Deacon perde a moto e agora precisa encontrar recursos para construir uma nova e poder empreender a viagem.

Rapsódias Revisitadas – A Tênue Linha da Morte

Lançado em 1988, o documentário A Tênue Linha da Morte causou impacto ao usar estratégias típicas de ficção, em especial cenas encenadas, para contar a história de um homem injustamente condenado à morte por um crime que não cometeu. O modo de registro documental sempre esteve ligado à ideia de registro e captura do real, então o uso de reconstituições com atores chamou atenção na época do lançamento. Hoje é um recurso corriqueiro do documentário ou mesmo do jornalismo, mas em 88 o filme dirigido por Erroll Morris levantou discussões sobre o que significa representar o real.

A ideia inicial de Morris era fazer um documentário sobre o psiquiatra James Grigson, conhecido como Dr. Morte por conta de seus depoimentos terem sido decisivos para a obtenção de condenações à morte em mais de 100 casos julgados nos Estados Unidos. Em praticamente todas as vezes que era chamado para examinar um réu, Grigson o declarava como um psicopata irreparável, sendo a pena de morte a única maneira de evitar que o réu cometesse mais crimes. Durante a pesquisa para o documentário, Morris conheceu Randall Adams, condenado à morte em parte por conta do testemunho de Grigson, que o considerou uma extrema ameaça para a sociedade depois de examinar Adams por menos de uma hora apenas uma única vez.

Crítica – John Wick 3: Parabellum

John Wick: Um Novo Dia Para Matar (2017) encerrou prometendo uma guerra aberta entre John (Keanu Reeves) e todo o submundo dos assassinos. Este John Wick 3: Parabellum entrega exatamente aquilo que o final do anterior prometia, entregando uma corrida desesperada por sobrevivência.

Caçado onde quer que vá, John precisa encontrar o misterioso Ancião, uma figura ainda mais poderosa que a Alta Cúpula das famílias criminosas que controlam todo o submundo do crime. Para isso, John precisará da ajuda de Sofia (Halle Berry), uma antiga conhecida que deve um favor a John.

Tal como os outros dois filmes é uma trama bem simples, mas o fato de ser simples não significa que o filme não tem nada a dizer. Há muito aqui sobre a questão de regras, responsabilidade e consequência, sobre como qualquer grupo social, mesmo uma sombria sociedade de criminosos, precisa de regras para resistir à completa barbárie.

Neste filme, mais do que nos anteriores, fica claro que há um desequilíbrio de poder nessas regras, que a Alta Cúpula, aqueles que ditam as regras, detém todo o poder e constroem as regras para manterem e consolidarem seu próprio poder. Não deixa de ser uma metáfora para a própria sociedade, sua necessidade de regras e como as elites financeiras e políticas costumeiramente legislam em causa própria. O discurso sobre ação e consequência também pode ser associado às indeléveis marcas deixadas pela violência, tanto que comete quanto quem sofre, e como essas marcas inevitavelmente transformam e guiam o destino dos indivíduos.