Crítica – O Juízo

Eu constantemente falo aqui como um dos problemas de se fazer cinema de gênero no Brasil é que muitas vezes os realizadores simplesmente tentam aplicar as formas e estruturas hollywoodianas típicas desses gêneros sem tentar entender como esses formatos se adequam ou não à realidade brasileira. O Caseiro (2016) tentava reproduzir a fórmula de um terror de “casa mal assombrada” sem muito que pudesse diferenciar do que é comumente feito nos EUA. Nesse sentido, este O Juízo era bem promissor ao pegar essa premissa e tentar contar uma história mais calcada em elementos da realidade história brasileiras.

Na trama, Augusto (Felipe Camargo) se muda com a esposa, Teresa (Carol Castro), e o filho adolescente, Marinho (Joaquim Torres Waddington), para a dilapidada propriedade rural da família no interior. Augusto está endividado e propriedade é a única coisa que lhe resta e sua única oportunidade de se reerguer. Chegando lá, Augusto e seu filho começam a receber a visita de um homem estranho (Criolo) que chega oferecendo a oportunidade de encontrar diamantes nas terras do local.

Crítica – O Irlandês

O diretor Martin Scorsese levou mais de uma década para finalmente conseguir filmar a biografia do mafioso Frank “O Irlandês” Sheeran e, de certa forma, é bom que ele tenha demorado tanto. Em geral, filmes que passam muito tempo no “limbo do desenvolvimento” tendem a passar por múltiplos tratamentos de roteiro, roteiristas e diretores ao ponto em que quando finalmente são lançados, o resultado é uma colcha de retalhos sem personalidade, vide o recente Projeto Gemini, mas não é o caso neste O Irlandês.

Aqui Scorsese demonstra um olhar bem maduro, talvez fruto do tempo trabalhando no filme, talvez pelo seu próprio momento como cineasta, agora já veterano e no pleno domínio de seu ofício. Se em Os Bons Companheiros (1990) Scorsese falava sobre a glamourização da vida de mafioso, aqui seu olhar é plenamente desglamourizado. Tal qual o protagonista, o olhar de Scorsese tem uma certa melancolia e distanciamento analítico. É o olhar de alguém com muita experiência de vida e que consegue olhar para o passado pelo que ele é e não pelas lentes da nostalgia.

Crítica – Ducktales: 1ª Temporada

Eu adorava Ducktales quando era garoto. Gostava tanto da animação quanto dos quadrinhos da Disney situados em Patópolis que construía um universo ainda mais amplo que a série animada. Com o tempo, conheci o nome de Carl Barks um dos principais quadrinistas da Disney e criador deste universo de Patópolis e personagens como o Tio Patinhas, Professor Pardal e a Maga Patalógica. Então quando soube que a Disney faria uma nova versão de Ducktales que remeteria às histórias e estética de Barks, fiquei mais do que empolgado e esta primeira temporada não decepcionou.

Na trama, o Pato Donald precisa deixar Patópolis a trabalho e resolve deixar os sobrinhos Huguinho, Zezinho e Luizinho com seu tio. Os garotos não sabem, mas esse tio é ninguém menos que o Tio Patinhas, o homem mais rico da cidade. Na casa de Patinhas eles conhecem a governanta Dona Patilda, a neta dela, Patrícia, e o piloto Capitão Boing. Juntos eles passam a viver muitas aventuras enquanto que os três garotos tentam também descobrir o que aconteceu com a mãe deles, Dumbella, que desapareceu quando eles ainda eram crianças.

Crítica – Projeto Gemini

A divulgação deste Projeto Gemini tratava como uma imensa novidade sua premissa de colocar um astro de ação como Will Smith enfrentando a si mesmo através do uso de computação gráfica. Não sei até que ponto isso se deu por falta de repertório ou simplesmente por querer convencer desonestamente o espectador de que estava vendo algo inédito, mas a verdade é que isso está longe de ser novidade entre os blockbusters hollywoodianos.

Arnold Schwarzenegger enfrentou um clone de si mesmo em O Sexto Dia (2000), Jean-Claude Van Damme fez o mesmo um ano depois em Replicante (2001). No mesmo ano o chinês Jet Li lutou contra um doppelganger de outra dimensão em O Confronto (2001) e esses são apenas os exemplos que vem na minha memória imediata. Desta maneira, desde sua premissa Projeto Gemini já soava como um produto requentado, ainda que um nome como Ang Lee no comando desse a esperança de que o filme pudesse ser algo mais do que um blockbuster de ação genérico, mas infelizmente isso não acontece.

Crítica – Uma Segunda Chance Para Amar

Pelo material de divulgação Uma Segunda Chance Para Amar parecia ser aquele tipo de comédia romântica feita para pegar carona no espírito natalino e passar mensagens positivas sobre família e relacionamentos. O resultado final é basicamente isso, embora suas tentativas de mexer com a fórmula não cheguem a funcionar exatamente.

A trama é centrada em Kate (Emilia Clarke), uma jovem aspirante a cantora cuja vida está um caos desde que ela teve um grave problema de saúde. Sua carreira como cantora não decola e ela está presa em um emprego sem futuro, trabalhando como vendedora em uma loja de produtos natalinos gerenciada pela dura Noel (Michelle Yeoh). A vida de Kate começa a mudar quando ela conhece Tom (Henry Golding) e a vida dela começa a mudar.

Tal como em Como Eu Era Antes de Você (2016), Emilia Clarke é adorável como uma jovem que não consegue dar um jeito na própria vida. Considerando a natureza caótica de Kate, seria uma personagem fácil de se tornar detestável nas mãos de uma atriz menos carismática, mas Clarke da a ela charme suficiente para que ela não seja só uma desastrada abestalhada. A atriz também consegue dar conta das facetas mais sérias da personagem, em especial a relação complicada que ela tem com a família ou no trauma por conta do problema de saúde pelo qual passou.

Crítica – Carcereiros: O Filme

A série Carcereiros chega em um momento em que a ficção seriada brasileira finalmente parece ter aprendido a reconfigurar os gêneros narrativos hollywoodianos e dar a eles uma personalidade própria que soe genuína no contexto brasileiro. Vemos isso em produtos como Sob Pressão (tanto o filme quanto a série) ou na recente Segunda Chamada. Já este Carcereiros: O Filme, longa inspirado na série, sacrifica essa identidade e a verossimilhança em relação ao contexto brasileiro para tentar produzir um suspense com mais cara de algo hollywoodiano em uma narrativa que lembra Assalto à 13ª DP (1976), de John Carpenter, divergindo do tom mais “pé no chão” da série.

Na trama, o carcereiro Adriano (Rodrigo Lombardi) é chamado para trabalhar em sua noite de folga quando a Polícia Federal avisa que sua prisão irá receber temporariamente um novo detento: o terrorista islâmico Abdel Moussa (Kaysar Dadour) que se escondia no Brasil. Abdel deve passar uma noite no presídio antes de ser levado pela Interpol para ser julgado por explodir uma escola, mas a presença dele causa inquietação entre os detentos, alguns deles jurando o terrorista de morte. O inesperado, no entanto, acontece quando um grupo armado invade a prisão em busca de um prisioneiro específico.

Crítica – Medo Profundo: O Segundo Ataque

O primeiro Medo Profundo (2017) não era lá grande coisa, mas ao menos oferecia alguns bons momentos de tensão, ainda que muito dos eventos de sua trama abusavam da boa vontade do público e da nossa suspensão de descrença. Este Medo Profundo: O Segundo Ataque faz pouco para melhorar os elementos do original e ainda apresenta situações menos críveis do que o primeiro filme.

A trama é centrada nas meio-irmãs Mia (Sophie Nélisse, que viveu a protagonista de A Menina Que Roubava Livros) e Sasha (Corinne Foxx, filha do Jamie Foxx). Elas não se dão bem desde que o pai de Mia e a mãe de Sasha se casaram e as duas não tem uma boa convivência. Para tentar aproximá-las, o pai de Mia da para as duas um passeio de navio para ver tubarões na costa do México. Chegando no barco, duas amigas de Sasha, Alexa (Brianne Tju) e Nicole (Sistine Stallone, filha do Sylvester Stallone), chamam Sasha e Mia para abandonarem o passeio de barco para visitarem um conjunto de ruínas maia submersas. As quatro vão para o sítio arqueológico, mas lá ficam presas no labirinto das ruínas junto com dois tubarões famintos e precisam dar um jeito de escapar.

Crítica – Star Wars Jedi: Fallen Order

Depois de um reboot de Star Wars Battlefront que mais parecia um beta de luxo e um Star Wars Battlefront 2 que foi lançado com um péssimo sistema de progressão que fedia a mecânicas “pay to win”, a franquia Star Wars finalmente ganha um jogo verdadeiramente memorável com este Star Wars Jedi: Fallen Order.

Com uma campanha inteiramente em single player e uma estrutura de RPG de ação, a trama se passa cinco anos depois da ascensão do império e do expurgo dos Jedi. O jogador controla Cal Kestis, um padawan que sobreviveu ao expurgo e agora vive escondido trabalhando como sucateiro. Um dia Cal usa seus poderes para salvar a vida de um companheiro de trabalho e a movimentação da Força atrai a atenção dos Inquisidores do Império liderados pela Segunda Irmã. Cal acaba sendo resgatado pela ex-Jedi Cere Junda, que incumbe Cal de encontrar um holocron Jedi que guarda informações sobre crianças sensitivas à Força, o que poderia ajudar a reconstruir a Ordem Jedi. O problema é que o Império também está à procura do holocron.

Crítica – Pássaro do Oriente

Pássaro do Oriente não gasta tempo para estabelecer seu mistério principal. Depois de uma breve cena da protagonista Lucy (Alicia Vikander) chegando ao trabalho, a polícia prontamente entra no local procurando por ela. Um corpo foi achado na costa e as autoridades acham que pertence a Lily Bridges (Riley Keough), desaparecida há alguns dias e Lucy pode ter sido a última pessoa que a viu.

A pergunta “o que aconteceu como Lily?” é o fio condutor da história, que se passa no Japão da década de oitenta e adapta o elogiado livro Earthquake Bird escrito por Susanna Jones. A trama é contada do ponto de vista de Lucy enquanto testemunha para a polícia sobre como conheceu Lily e como a amizade entre as duas foi erodindo.

A narrativa mistura uma história sobre investigação com um suspense erótico e psicológico conforme mergulhamos na mente de Lucy para entender como uma jovem sueca foi morar sozinha no Japão e o triângulo amoroso que motivou o conflito entre Lucy e Lily.

Lixo Extraordinário – A Invasão das Rãs

Lançado em 1972, A Invasão das Rãs é um dos maiores casos de propaganda enganosa do cinema. É um filme de terror cujo título menciona rãs (e o título em inglês é apenas Frogs, ou seja, sapos) e o pôster traz a imagem de um sapo com o que parece ser um braço humano saindo de sua boca. Isso dá a entender que veremos algo com sapos gigantes devorando pessoas, algo similar a A Noite dos Coelhos (1972), mas com sapos. Essa assunção, no entanto, se mostra completamente equivocada quando assistimos ao filme. Não só não existem gigantes na trama, todos são do tamanho normal de um sapo, como eles não matam ninguém.

A trama começa com o fotógrafo Pickett Smith (Sam Eliott) navegando de barco a remo por um pântano enquanto captura imagens das espécies que ali vivem e da poluição que chega ao ambiente. Pickett é derrubado de seu pequeno barco quando um casal de ricaços em uma lancha motorizada passam por ele em alta velocidade. Para se desculpar, os dois chamam Pickett para a ilha da família, próxima dali, na qual estão comemorando o aniversário de um de seus parentes.