Crítica – Boca a Boca: 1ª Temporada

As melhores histórias de zumbis são as que exploram essa transformação e a disseminação da praga como metáfora para relações humanas e questões presentes na nossa estrutura social.  A primeira temporada de Boca a Boca, série brasileira produzida pela Netflix, faz exatamente isso, além de ganhar uma relevância maior para os seus temas por conta de ser lançada em meio à pandemia do coronavírus. O texto a seguir pode conter SPOILERS da temporada.

Criada por Esmir Filho, responsável por Os Famosos e os Duendes da Morte (2009), a trama se passa em uma pequena cidade rural que é atingida por uma espécie de vírus que só atinge jovens e é transmitido pelo beijo. Os infectados deixam de sentir qualquer coisa, física ou emocionalmente, virando praticamente zumbis (sem o componente do canibalismo). Os jovens Alex (Caio Horowicz), Chico (Michel Joelsas) e Fran (Iza Moreira) tentam descobrir o que está acontecendo e como o contágio talvez esteja relacionado com uma seita que vive nos arredores da cidade.

A crise expõe as rachaduras na sociedade aparentemente perfeita da cidade de Progresso, demonstrando o preconceito e a clara divisão de classes sociais que existe no local apesar de tentarem projetar a imagem de um local desenvolvido e inclusivo. Aos poucos vamos descobrindo como essas famílias aparentemente bondosas, tolerantes e progressistas escondem segredos por baixo dessa aparente correção moral e ninguém é tão certinho como aparenta.

Crítica – Encontro Fatal

Desde o material de divulgação fica bem evidente que Encontro Fatal é um daqueles suspenses B feitos a toque de caixa. Um produto com todo o jeito de filme exaustivamente reprisado nas madrugadas de sábado no Supercine da Globo. Ainda assim você espera que ele ao menos seja um bom filme B e consiga oferecer boas cenas de suspense, mas nem isso ele consegue, como outros clones recentes de Atração Fatal (1987), a exemplo dos fracos Acrimônia (2018), Fica Comigo (2017) ou Paixão Obsessiva (2017).

Na trama, Ellie (Nia Long) é uma advogada que está deixando seu trabalho em uma poderosa firma para iniciar uma nova vida em uma cidade costeira e recomeçar a vida ao lado do marido, Marcus (Stephen Bishop). Em seu último trabalho na firma, entretanto, ela reencontra um antigo romance de faculdade em David (Omar Epps), eles se conectam rapidamente e David deixa claro que quer algo mais, mas Ellie decide não ir adiante. David não aceita e continua a encontrar maneiras de entrar na vida de Ellie.

O primeiro problema aparece já no início com a construção quase que ausente da crise do casamento de Ellie com Marcus. Se os personagens não falassem que há uma crise, não teríamos como saber, já que isso não é mostrado, não é sentido. Assim, o conflito inicial de Ellie ceder ou não às investidas de David não tem impacto, porque não temos a exata dimensão de que maneira o casamento dela está com problemas ao ponto de trair o marido parecer o único jeito dela sentir alguma coisa.

Drops – Greyhound: Na Mira do Inimigo

Depois de comandar um navio durante um sequestro de piratas somalianos em Capitão Phillips (2013), Tom Hanks volta ao leme como capitão neste Greyhound: Na Mira do Inimigo. A trama, baseada em fatos reais, se passa durante a Segunda Guerra Mundial e foca no navio Greyhound, incumbido de proteger um comboio marítimo de suprimentos rumo à Inglaterra durante um longo trecho em que não possuem cobertura aérea. Hanks interpreta o capitão Krause. Inexperiente em combate, Krause se vê cercado por submarinos nazistas e agora precisa enfrentá-los sozinhos.

A trama é basicamente essa, sem muitos arcos de personagem nem ninguém passando por grandes transformações ou aprendizados. Tal como aconteceu com Dunkirk (2017) a narrativa confia que a tensão da situação vai ser suficiente para envolver o espectador, mas, diferente do filme de Christopher Nolan, não consegue criar situações de tensão ou batalha tão impactantes.

Nas entranhas do navio Tom Hanks consegue construir uma sensação crível da tensão e insegurança de Krause diante de uma situação de combate tão desfavorável. Ele e o resto do elenco conseguem minimamente nos envolver com a situação, embora o filme consista basicamente de pessoas gritando números de coordenadas por noventa minutos.

Lixo Extraordinário – Os Tubarões de Copacabana

Pelo trailer Os Tubarões de Copacabana parece ser um daqueles filmes sobre amigos que se reencontram depois de um tempo afastados e passam a refletir sobre a vida, sobre o passado e pensar nos rumos que tomaram. De certa forma ele é sobre isso, mas, ao mesmo tempo, trata de tantas outras coisas que mal consegue construir uma mensagem coesa.

Na trama, Nando (Raul Gazolla) recebe a notícia que Neto, um amigo de sua antiga turma de surfe, morreu em um acidente. Apesar de estarem afastados desde que Neto casou com uma ex-namorada de Nando, Zulma (Alcione Mazzeo), ele resolve ir ao velório acompanhado dos outros membros da turma. O evento serve de catalisador para o reencontro de Nando com Tiago (Ricardo Macchi), Ezequiel (Ricardo Herriot), Bruno (Alex Teix) e Marcelo (Andre Luiz Pereira). Ao mesmo tempo, Nando precisa lidar com o fato de seu pai estar com câncer terminal e com os avanços de Nicole (Rayane Morais), a filha de Zulma com Neto.

Crítica – The Old Guard

Baseada em um quadrinho escrito pro Greg Rucka (que não li), The Old Guard é uma produção da Netflix que acompanha um grupo de guerreiros imortais. Liderados por Andy (Charlize Theron), eles passam os séculos combatendo injustiças e recrutando os novos imortais que surgem ao longo do tempo.

A trama se passa nos dias atuais quando Andy e seus aliados começam ter sonhos envolvendo uma jovem militar, Nile (Kiki Layne), o que indica que ela pode ser uma nova imortal e eles devem encontrá-la. Ao mesmo tempo, eles têm seu segredo descoberto por Copley (Chiwetel Ejiofor), um ex-agente da CIA a serviço da companhia farmacêutica liderada por Merrick (Harry Melling). Merrick quer o grupo de Andy como objeto de pesquisa, esperando que a partir deles consiga reproduzir o que os torna imortais.

A ideia de um grupo operando nas margens da história interferindo em segredo na humanidade é bem interessante, mas nunca é plenamente explorada pelo filme, soando como potencial desperdiçado. Há uma breve explicação de Copley de como as ações deles beneficiaram a humanidade e algumas piadas que Andy ou Booker (Matthias Schoenarts) fazem com nomes conhecidos da história, no entanto fica a impressão de que o filme explora pouco aquilo que tem de mais singular, que seria esse “efeito borboleta” causado pelos personagens.

Rapsódias Revisitadas – Sonata de Outono

O cineasta Ingmar Bergman costuma investigar os medos, anseios e neuroses presentes na mente e na existência humana, como o relação com a morte em O Sétimo Selo (1957) ou a recuperação de traumas e identidade em Persona (1966). Neste Sonata de Outono Bergman mira seu olhar para as relações entre pais e filhos, na maneira como isso nos define, nos marca e, de certa forma, nos traumatiza.

Na trama, a pacata Ava (Liv Ullman) recebe a mãe, Charlotte (Ingrid Bergman), uma reconhecida pianista internacional, em sua casa. Ava anseia pelo afeto e aprovação da mãe, mas Charlotte continua a tratá-la com frieza e distanciamento. Aos poucos as tensões entre as duas vão crescendo até inevitavelmente explodirem.

O confronto é construído de maneira bem cuidadosa e inicialmente sutil. Quando Charlotte chega à casa de Ava o diálogo entre as duas parece ameno e cordial, mas o texto e a interpretação de Ullman e Bergman deixa algumas pistas dos problemas na relação de ambas. Um exemplo é quando Ava menciona para a mãe que Helena (Lena Nyman), sua irmã caçula e com problemas de saúde, está morando com ela. A surpresa de Charlotte soa estranha, afinal que mãe ficaria anos sem saber do paradeiro da filha deficiente? Além disso, mais que surpresa, Charlotte demonstra incômodo com a presença de Helena.

Drops – Desperados

A trama desse Desperados é praticamente uma cópia de Caindo na Estrada (2000). Aqui, Wes (Nasim Pedrad) manda uma correspondência comprometedora para o novo namorado, Jared (Robbie Amell), que está hospitalizado. Para evitar que ele a leia, Wes empreende uma viagem com as amigas Brooke (Anna Camp) e Kaylie (Sarah Burns) para o México para apagar o e-mail antes que Jared o leia.

O problema nem é repetir a trama de outro filme, mas conduzir tudo de uma maneira extremamente previsível e não muito engraçada. É óbvio que Wes irá descobrir que o pretendente que ela conhece no hotel, Sean (Lamorne Morris), é mais adequado para ela do que Jared. É óbvio que Jared iria se revelar um babaca machista (a frase dele sobre a antiga ex ser louca é um indicativo claro).

Do mesmo modo, é óbvio que a protagonista irá aprender que anular a própria personalidade e se comportar de modo submisso só para arranjar homem não é saudável. Devo dizer que em pleno 2020 um filme tratar essa descoberta da personagem como um grande revelação e momento de clareza mental, como se estivesse nos ensinando algo inédito, soa antiquado e fora do tempo em que vivemos. Parece mais algo pensado para o fim dos anos 90.

Crítica – Ligue Djá: O Lendário Walter Mercado

Lembro do vidente Walter Mercado aparecendo na televisão brasileira no final da década de 90 fazendo previsões astrológicas e dos comerciais de seu “disque-vidente”, mas, apesar de sua aparência excêntrica, nunca dei muita atenção a ele. Também nunca me chamou atenção o seu desaparecimento súbito das telas, parecia só mais uma tendência de entretenimento que tinha se esgotado. Pois o documentário Ligue Djá: O Lendário Walter Mercado chega para dar um outro entendimento à trajetória do vidente e como ele foi de um ator de telenovelas em canais hispanohablantes nos Estados Unidos até a fama internacional.

O documentário narra a vida do vidente, sua infância em Porto Rico e sua ascensão à fama. Há uma defesa para a relevância da figura de Mercado na televisão por questões de representatividade. Numa época em que poucos latinos chegavam ao mainstream das grandes emissoras dos Estados Unidos, ter esse guru latino respeitado por todos serviria como valorização da comunidade.

O filme também chama atenção para a sexualidade do vidente, que era constantemente alvo de piadas e imitações em programas de humor (como o personagem Walter Merdado na Praça é Nossa) que em geral o ridicularizavam pelo seu jeito andrógino e afeminado. Walter é elusivo em tratar a questão da sexualidade, precisando ser pressionado pelos entrevistadores (um dos poucos momentos em que o filme nos deixa ouvir as perguntas) até admitir ser virgem e se assumir como assexuado.

Crítica – Warrior Nun: 1ª Temporada

O título Warrior Nun faz uma promessa muito clara ao seu espectador: freiras guerreiras armadas até os dentes enfiando a porrada em demônios do inferno. É tudo que eu esperava da série, uma adaptação do quadrinho de mesmo nome de Bem Dunn (que não li), e em geral ela cumpre o que promete, ainda que tenha alguns problemas.

A narrativa é protagonizada por Ava (Alba Baptista), uma órfã tetraplégica recém-falecida que acidentalmente tem implantado no seu corpo o artefato místico conhecido como Halo. Uma aureola de anjo passada por gerações por uma ordem secreta da Igreja Católica que treina freiras para combaterem demônios que tentam invadir o nosso mundo. Ressuscitada pelo poder do Halo, Ava agora precisa se tornar a nova Irmã Guerreira.

O percurso de Ava é uma típica jornada de herói, mas o texto ao menos consegue dar a ela alguma personalidade e motivações compreensíveis. A atriz portuguesa Alba Baptista convence do deslumbramento inicial da personagem em conseguir voltar a se mover e seu desejo de ter uma vida normal, dando a Ava energia e senso de humor que nos faz conectar com a protagonista. A série abraça a natureza pulp de sua premissa e nunca cai na besteira de se levar mais a sério do que deveria.

Crítica – Sombras da Vida

Este Sombras da Vida é basicamente uma história de fantasma contada do ponto de vista do próprio fantasma ao invés daqueles assombrados por ele. É menos uma história de terror ou mistério e mais um drama existencial que tenta entender o que é ser um fantasma.

A trama segue o casal interpretado por C (Casey Affleck) e M (Rooney Mara). Quando C morre em um acidente de carro, ele volta para sua casa como um fantasma, daqueles com um lençol branco na cabeça, para observar o luto da esposa. A existência do fantasma se estende ao longo dos anos e ele continua a habitar a casa mesmo depois da esposa ter se mudado do imóvel.

É um filme com poucos diálogos, que se constrói muito a partir das imagens para nos dar a dimensão do isolamento e solidão de seus personagens, seja a esposa enlutada interpretada por Rooney Mara, seja no fantasma que vaga pelas eras. O som é um elemento que ajuda a destacar a solidão e o isolamento dos personagens, seja pelos ruídos ambientes com insetos ou vento que explicitam o vazio daquele lugar, seja pelo uso de efeitos sonoros em volume considerável para mostrar as quebras nesse silêncio.