Crítica - Amor Garantido

Com o sucesso da comédia romântica adolescente Ela é Demais (1999), Rachael Leigh Cook se tornou uma das queridinhas do gênero no final da década de noventa. Com o tempo, no entanto, ela foi se afastando do estrelato, fazendo filmes de menos visibilidade. Quando vi que ela estaria neste Amor Garantido, comédia romântica produzida pela Netflix, imaginei que esse seria o retorno dela em grande estilo ao gênero que a consagrou. Infelizmente, porém, isso não acontece e o resultado é um produto morno que nunca diz a que veio.

Na trama, Susan (Rachael Leigh Cook) é uma advogada que tem um pequeno escritório na cidade de Seattle. Um dia ela é procurada por Nick (Damon Wayans Jr) que quer processar um site de encontros que garantiria aos seus usuários encontrar o amor verdadeiro em até mil encontros. Nick já está muito próximo dessa marca, mas até então não encontrou o amor.

A trama em si soa um pouco absurda e difícil de crer pelo fato de Nick ter saído com quase mil mulheres em um intervalo de quase dois anos e dele ter documentado extensivamente cada um desses encontros. Ainda assim, poderia render uma boa discussão sobre como, nesses tempos de interação em meios digitais, amor e afeto estão sendo reduzidos a um mero produto a ser comprado e vendido com o toque de um botão. O filme, no entanto, nunca constrói muito em cima desses temas e o desfecho acaba sendo incomodamente conformista e contraditório, ao mesmo tempo dizendo que não há garantias no amor, mas com os personagens se tornando garotos-propaganda do site de relacionamentos que processaram.

Crítica – O Assassinato de Nicole Simpson

 

Ocorrido na década de 90, o julgamento do atleta e ator O.J Simpson pelo assassinato da ex-esposa, Nicole movimentou a atenção da mídia dos Estados Unidos. Nos últimos anos Hollywood se debruçou a analisar esses eventos, produzindo retratos amplos e complexos sobre o caso. Na ficção tivemos a excelente minissérie O Povo Contra O.J Simpson, parte da série de antologia American Crime Story capitaneada por Ryan Murphy. No documentário tivemos o vencedor de Oscar O.J Made in America (2017).

Digo tudo isso para mostrar a vocês que existem alternativas muito melhores para entender o caso do que este O Assassinato de Nicole Simpson, uma tentativa rasteira e sensacionalista de retratar os últimos dias de Nicole feita pelo diretor Daniel Farrands, que já tinha conduzido o péssimo A Maldição de Sharon Tate (2019), também sobre um assassinato real e igualmente apelativo e raso.

A trama acompanha os últimos dias de Nicole Brown Simpson (Mena Suvari) antes de ser assassinada. Vemos a relação dela com as amigas Faye (Taryn Manning) e Kris (Agnes Bruckner), ao mesmo tempo em que acompanhamos a presença e ameaças constantes de O.J (Gene Freeman) a Nicole. O filme também mostra Nicole tendo um caso com um pintor que reformava a casa dela, Glen (Nick Stahl) e usa isso para tentar reescrever a história e dizer que Nicole talvez tenha sido morta por Glen Rogers (e não por O.J), o “Casanova Killer” um serial killer real que estava em atividade em Los Angeles na época. Deixando em dúvida quem teria sido o real assassino ou se O.J e Glen colaboraram na morte (algo do qual não há qualquer prova).

Crítica – Quase Uma Rockstar

 

Baseado em um romance de Matthew Quick (que também escreveu O Lado Bom da Vida), este Quase Uma Rockstar, produção original da Netflix, é quase uma versão adolescente de Gênio Indomável (1997). A trama é centrada em uma jovem extremamente talentosa que se afunda em seus traumas e inseguranças, perigando desvanecer na obscuridade e desperdiçar seus talentos. Como outras histórias escritas por Quick e boa parte dos filmes adolescentes da Netflix, tudo aqui é conduzido com uma aura de otimismo e por mais que existam momentos genuínos de drama, este é essencialmente um feel good movie.

A narrativa é centrada em Amber (Auli’i Cravalho, a voz da Moana), uma jovem que está terminando o ensino médio e está prestes a entrar em uma prestigiosa faculdade de música, a mesma que fora frequentada por seu falecido pai. Amber é ativa em sua comunidade, ajudando a escola a conseguir verba para seus programas de artes, trabalhando em um abrigo para idosos e sendo voluntária para ensinar gratuitamente inglês para imigrantes. Apesar da boa vontade e de ajudar muita gente, ela própria está em uma situação precária. Amber e a mãe, Becky (Justina Machado, de One Day At a Time), estão sem teto e dormem escondidas em um dos ônibus da escola de Amber.

Crítica – Control: AWE

 

Já falei antes sobre como o game Control é excelente na construção estética e atmosférica de seu universo enigmático e estranho. Este AWE (ou EMA em português) segunda, e talvez última, expansão do jogo sedimenta essa impressão ao mesmo tempo em que conecta seu universo ao do game Alan Wake (que, confesso, não joguei), também da desenvolvedora Remedy.

A trama da expansão leva Jesse ao Setor de Investigação, uma nova área da Casa Antiga. Depois de receber mensagens telepáticas de Alan Wake, Jesse descobre que o Dr Emil Hartman (que aparece nos games do Alan Wake) está vagando pelos corredores do Setor como uma aberração gigantesca e deformada. Cabe a Jesse conter a ameaça antes que ela fique livre para vagar pela Casa Antiga.

O Setor de Investigação traz a mesma estética de arquitetura brutalista dos ambientes da campanha principal que contribuem para um sentimento de claustrofobia, opressão e estranheza, no entanto não tem nada de muito diferente do que vimos antes durante a campanha, não tendo exatamente uma identidade própria, como as cavernas e espaços abertos de Fundação, o DLC anterior.

Cobra Kai e os problemas da nostalgia

Não tive nenhum interesse em Cobra Kai quando a série foi anunciada. A ideia de continuar a história de Karate Kid (1984) sob a perspectiva de Johnny Lawrence, o vilão o do filme original, parecia ser só mais um desses reboots caça-níquel que Hollywood vinha fazendo nos últimos anos. Produtos que não tinham nada a dizer ou fazer sobre essas propriedades e existiam apenas para explorar cinicamente o afeto do público por essas histórias e ganhar dinheiro.

A nostalgia, o olhar para o passado, eram reduzidos a produtos de consumo por engodos como O Rei Leão (2019) ou Jogador Nº 1 (2018), que desfiam coisas das quais gostamos na infância diante dos nossos olhos com nenhum outro objetivo além de nos fazer lembrar de nossa juventude, sem ter nada a dizer sobre isso. Temporadas recentes de South Park até fizeram piada com essa tendência nostálgica com as Member Berries, frutas que fazem as pessoas reviver as memórias de infância e que colocam quem come em uma espécie de torpor nostálgico.

Como South Park bem aponta, essa tendência consiste de um passadismo alienante, feito para nos manter dóceis consumindo em silêncio, gratos por podermos esquecer os problemas do mundo por algumas horas e lembrarmos de uma época em que éramos mais ingênuos e felizes. Imaginei que Cobra Kai fosse ser mais um nessa onda de revival oitentista, mas estava enganado. Cobra Kai é a antítese de todo esse movimento da indústria e vê esse apego a uma nostalgia acrítica não como um refúgio, mas como algo que impede as pessoas de amadurecerem. Posteriormente, o longa animado A Vida Moderna de Rocko: Volta ao Lar (2019) também adotaria uma postura crítica diante da atual onda nostálgica. 

Crítica – Tammy: Fora de Controle

 

Este Tammy: Fora de Controle parece incerto do que quer fazer com suas personagens. De um lado toda a trama de duas mulheres no fundo do poço embarcando juntas em uma viagem parece algo mais propenso ao drama. Por outro, o filme tem a clara intenção de ser uma comédia escrachada cheia do humor físico característico da atriz Melissa McCarthy. Claro, seria possível tentar juntar as duas coisas e fazer algo com uma pegada de comédia dramática, mas as coisas nunca se encaminham nessa direção.

Na trama, Tammy (Melissa McCarthy) perde o emprego em uma rede de fast food e chega em casa para descobrir que o marido a está traindo com a vizinha. Ela decide sair de casa e embarca em uma viagem com Pearl (Susan Sarandon), sua avó alcoolátra.

Poderia ser uma história sobre essas duas mulheres em seus pontos mais baixos se reconectando e ajudando uma a outra a se reerguer, mas o texto nunca dá espaço para desenvolver de maneira consistente as relaçôes ou personalidades de ambas. Sabemos muito pouco sobre elas ou o tipo de relação que tem para nos importarmos com o que acontece ou estabelecermos qualquer conexão.

Rapsódias Revisitadas – Capcom vs SNK 2

 

Na década de 90 o filão dos jogos de luta era dominado pelas desenvolvedoras Capcom (de Street Fighters, Darkstalkers e outros) e SNK (de King of Fighters, Fatal Fury e outros), então quando ambas se juntaram para anunciar que fariam um jogo de luta com personagens das duas empresas e que cada uma faria seu próprio jogo, a expectativa foi lá em cima. A Capcom fez dois games: o primeiro Capcom vs SNK, lançado em 2000, e Capcom vs SNK 2 (ou CvS 2 como foi apelidado) em 2001. Já a SNK, que na época passava por problemas financeiros, entregou apenas SNK vs Capcom: Chaos.

Dos três, CvS 2 acaba sendo o melhor por conta da variedade de personagens e mecânicas e é dele que vamos falar aqui. Apesar de originalmente lançado para Playstation 2 e outros consoles da mesma geração, ele também ficou disponível no Playstation 3 na linha de clássicos do PS2 (que eram basicamente jogos de PS2 emulados no PS3). Explico isso porque a versão que usei para escrever esse texto foi justamente a de PS3, que não tem o componente online da versão de PS2.

Crítica – Acordar Negro (Black Wake)

 

Muito antes de ser lançado, este Acordar Negro já chamava atenção na internet por marcar a estreia da modelo brasileira Nana Gouvea como atriz e em uma produção feita nos Estados Unidos ainda por cima. Ao lado de nomes conhecidos como Eric Roberts e Tom Sizemore, o terror parecia ser um veículo para lançar a brasileira internacionalmente. Isto é, até os primeiros trailers saírem e ficar evidente que se tratava de uma produção tosquíssima que no máximo poderia ser uma poderia divertida. O resultado final, porém, não consegue ser nem isso.

A trama é centrada em Luiza (Nana Gouvea), uma psicóloga chamada pelo governo dos Estados Unidos para tentar entender uma série de mortes misteriosas que vem acontecendo em partes diferentes do país. Seus colegas parecem não entender o que está acontecendo, mas ela demonstra certeza que as respostas estão nas estranhas anotações encontradas com um mendigo que estava envolvido com uma das primeiras vítimas.

A história é toda contada com uma estrutura de found footage, como se fosse vídeos de segurança da instalação governamental em que Luiza trabalha ou vídeos amadores feitos pelas pessoas na rua que encontraram os infectados. O problema é que o filme conduz toda essa trama da maneira mais entediante possível. Praticamente não há dramaturgia, tudo é narrado ao invés de mostrado para nós, já que boa parte das cenas do filme são vídeos gravados por Luiza para explicar as provas que coletou.

Crítica – Pathfinder: Kingmaker Definitive Edition

 

Quanto escrevi sobre Pathfinder: Kingmaker na época para seu lançamento em PC em 2018 mencionei como o game capturava o espírito de jogos como Baldur’s Gate ou Neverwinter Nights na sua tentativa de simular o funcionamento e abertura de um RPG de mesa. Também comentei os vários problemas do jogo, como mecânicas obtusas e uma série de problemas técnicos. Pois agora Pathfinder: Kingmaker Definitive Edition leva aos consoles (PS4 e Xbox One) o jogo de PC com direito a todos os DLCs lançados e algumas novas mecânicas.

Como ele se sai? Bem, não muito diferente da versão de PC. A trama, a abertura, o escopo do mundo, o senso de exploração e descoberta, bem como a amplitude da customização de personagens continuam sendo o ponto alto da experiência e fazem do jogo um título que precisa ser conferido por fãs do gênero. O fato de vir com todo conteúdo pós lançamento da versão de PC ajuda a dar mais opções, como novas raças, classes de personagem e histórias.

Crítica – Queen & Slim

 

Histórias sobre casais em fuga das autoridades não são exatamente novidade em Hollywood, Fritz Lang já contara uma história como essa em Vive-se Só Uma Vez (1937). A história real do “amor bandido” de Bonnie Parker e Clyde Darrow foi imortalizada em Bonnie & Clyde: Uma Rajada de Balas (1967). Na década de noventa essa trama ganhou um viés feminista em Thelma & Louise (1991). Agora a diretora Melina Matsoukas e a roteirista Lena Waithe (a Denise de Master of None) usam essa história para falar de preconceito e racismo neste Queen & Slim.

A narrativa acompanha o casal Queen (Jodie Turner-Smith) e Slim (Daniel Kaluuya), que estão no primeiro encontro juntos. Quando voltam para casa são parados por um policial e a escalada da agressividade do evento coloca os dois em fuga. Agora esse casal que mal se conhece precisa se unir para se manterem vivo e fugirem da polícia.

A jornada do casal mostra o temor constante da comunidade negra em ser alvo da brutalidade policial, sendo constantemente tratados pelas autoridades de maneira agressiva, como se fossem criminosos, mesmo quando não fizeram nada. Claro, o casal inevitavelmente comete um crime, mas é resultado de uma tentativa de autodefesa e não de agressividade ou mau caratismo.