Crítica – Lovecraft Country (Parte 2)

Na primeira parte do texto sobre Lovecraft Country, falei sobre como a série usava o terror e a fantasia para abordar os elementos das vivências negras nos EUA, usando monstros, assombrações, cultos e outros elementos como metáforas para processos de racismo, exploração e desigualdade social. Nessa segunda parte vou tentar observar como a série lida com questões de identidade e a construção de papeis sociais aferidos a negros ou a mulheres. Avisamos que o texto contem SPOILERS.

O quarto episódio continua a expandir o jogo que a série faz com certos elementos da ficção de horror, fantasia ou aventura ao inserir os personagens em uma trama que poderia tranquilamente ter saído de filmes como Indiana Jones ou A Lenda do Tesouro Perdido (2004). Ao procurar um cofre secreto do culto liderado pela família Braithwhite, eles começam a explorar as catacumbas de um museu que, logicamente, está repleta de armadilhas.

Os diálogos entre Tic, Leti e Montrose explicitam a natureza autoconsciente do episódio, com o trio usando o conhecimento de narrativas de aventura para pautar como devem prosseguir pelos testes e tribulações impostos pelo labirinto. Até mesmo a música de fundo do episódio, com um uso constante de instrumentos metálicos, remete às composições de John Williams para os filmes do Indiana Jones.

Crítica – Os 7 de Chicago

 

Em 1962 John F. Kennedy disse em um discurso algo que em português poderia ser traduzido como “aqueles que fazem revoluções pacíficas serem impossíveis, tornam revoluções violentas inevitáveis”. Essa frase não está ligada aos eventos reais retratados neste Os 7 de Chicago, produção da Netflix escrita e dirigida por Aaron Sorkin, mas veio à minha mente em alguns momentos durante o filme.

A trama narra os eventos reais do julgamento de sete líderes de movimentos contra a Guerra do Vietnã, presos sob a acusação de terem incitado a multidão contra a polícia de Chicago durante um protesto que terminou de maneira violenta. Chamados de “os 7 de Chicago”, o julgamento do grupo teve alta cobertura da imprensa e chamou a atenção pelo modo como muito do devido processo legal era jogado pela janela apenas para condená-los.

O estilo de Sorkin já se manifesta na montagem inicial que traz imagens de arquivo sobre os protestos contra o Vietnã que já aconteciam anos antes dos eventos em Chicago. Imagens de Martin Luther King e Robert Kennedy discursando contra a guerra são abruptamente interrompidas por uma tela preta acompanhada pelo som de tiros para nos lembrar que eles foram assassinados e denotar o silenciamento das vozes que se manifestavam contra o Vietnã. A ideia parece associar como esse sistemático esforço de suprimir vozes e ações contra a guerra desembocaram nos protestos de Chicago.

Crítica – Genshin Impact

 

Os primeiros trailers de Genshin Impact chamavam atenção pelo tanto que os gráficos e jogabilidade pareciam similares a The Legend of Zelda: Breath of the Wild ao ponto que indagações a respeito se isso configuraria plágio ou não começavam a ser ventiladas. As preocupações sobre o jogo aumentaram quando foi anunciado que seria um RPG gratuito com mecânicas de microtransações para obter mais personagens e equipamentos, o que levantava a questão se ele seria mais um daqueles jogos gratuitos impossíveis de progredir sem gastar. Lançado recentemente para Playstation 4, PC e celulares, Genshin Impact de fato tem muito de similar a Breath of the Wild e de fato possui microtransações, mas também tem alguns méritos próprios que fazem a experiência valer a pena.

A história se passa no mundo de Teyvat no qual algumas pessoas escolhidas por deuses recebem uma Visão, pedras mágicas que conferem poderes especiais aos portadores. O jogador começa como um viajante vindo de outro mundo tentando encontrar a irmã (ou irmão, depende de qual personagem você escolher no início) de quem se perdeu. A partir daí se inicia uma longa jornada por este mundo para desvendar seus segredos e as verdades ocultas sobre os deuses.

Crítica – Lovecraft Country (Parte 1)

Adaptando o livro Território Lovecraft de Matt Ruff, a série Lovecraft Country traz uma releitura da mitologia criada pelo autor H.P Lovecraft, bem como de vários outros elementos típicos do terror e da fantasia, a partir das experiências da população negra dos Estados Unidos. É um movimento importante não apenas por questões de representatividade, mas por tentar responder a questão do que fazemos com as obras de autores que sabemos terem sido péssimas pessoas?

Lovecraft era racista. Quando digo isso não quero dizer que ele apenas aderia ao racismo estrutural de sua época como a maioria das pessoas brancas que lhe eram contemporâneas. Lovecraft era ativamente racista, adepto a um discurso de supremacia branca que ia muito além do racismo estrutural. Nesse sentido, reapropriar a obra dele a partir da cultura e da vivência negras é um modo de revelar como a obra pode ir além do autor, pode sobreviver às limitações e falhas dele, pode até ser usada para tentar reparar a visão de mundo excludente e preconceituosa que esse autor ajudou a disseminar.

A trama da série se passa nos Estados Unidos da década de 50 e é focada em Atticus (Jonathan Majors), também chamado de Tic. Quando o pai de Tic, Montrose (Michael K. Williams), desaparece misteriosamente ele, a amiga Leti (Jurnee Smolett) e o tio George (Courtney B. Vance) embarcam em uma viagem pelo interior dos EUA. A viagem os colocará em rota de colisão com um antigo e poderoso culto, além de revelar segredos a respeito da família de Tic.

Crítica – Sob Pressão: Plantão Covid

Baseada no filme homônimo dirigido por Andrucha Waddington, Sob Pressão é provavelmente a melhor série brasileira em exibição hoje. A pandemia paralisou muito das atividades dos setores audiovisuais no Brasil, mas a série conseguiu realizar dois  episódios especiais com os médicos lidando com o combate à pandemia basicamente porque as situações em que esses personagens estariam exigiria um equipamento de proteção, o que tornaria possível as gravações sem sacrificar a segurança do elenco e equipe.

Na trama, Evandro (Júlio Andrade) e Carolina (Marjorie Estiano) são chamados para trabalhar em um hospital de campanha depois de um tempo prestando serviço em uma ONG atendendo pessoas carentes em localidades remotas. No hospital de campanha, encontram um cotidiano tenso ao lidarem com uma doença que ainda não entendem completamente, superlotação, falta de equipamento e riscos de contaminação. Ocasionalmente o texto derrapa em alguns diálogos um pouco didáticos e expositivos demais sobre as situações em que os personagens se encontram, mas são momentos pequenos diante da força que o especial consegue construir.

Crítica – O Halloween do Hubie

 

Depois de entregar uma das melhores atuações de sua carreira no excelente Joias Brutas (2020), Adam Sandler volta a suas comédias preguiçosas com este O Halloween do Hubie, um filme igual a praticamente todas as outras comédias feitas por Sandler sem nenhum tipo de esmero.

Na trama, Hubie (Adam Sandler) é basicamente “o idiota da vila”. Residindo na cidade de Salem, famosa pela queima de bruxas no século XIX, Hubie adora o Halloween e sempre tenta transformar a data em algo especial, buscando garantir que todos se divirtam. Esse ano, no entanto, o trabalho de Hubie fica mais difícil quando um perigoso paciente psiquiátrico escapa de uma instituição próxima.

Sandler interpreta Hubie como o mesmo adulto imaturo de boca torta e voz fina que fez em boa parte de sua carreira como em Billy Madison: O Herdeiro Bobalhão (1995), O Rei da Água (1999) ou Little Nicky: Um Diabo Diferente (2000). Não há aqui nenhum esforço de dar alguma personalidade a Hubie ou torná-lo diferente de qualquer outra coisa que Sandler tenha feito, sendo uma repetição preguiçosa dos mesmos trejeitos e cacoetes que já não eram muito engraçados vinte anos atrás.

Crítica – Bom Dia, Verônica

 

Fiquei curioso para conferir este Bom Dia, Verônica desde que tinha sido anunciado. Já tinha lido outros trabalhos do romancista Raphael Montes e o considero um dos melhores escritores de narrativas policiais no Brasil hoje. A ideia de uma série baseada em um de seus livros, este escrito junto com Ilana Casoy, parecia bem empolgante.

A trama é centrada em Verônica (Tainá Muller), escrivã da delegacia de homicídios da polícia civil de São Paulo. Quando um caso ligado a feminicídio dá errado e uma testemunha se suicida na frente de Verônica, a protagonista se torna obcecada em descobrir o abusador em série que aborda mulheres em aplicativos de namoro. Ao mesmo tempo, a protagonista é procurada por Janete (Camila Morgado), uma mulher que sofre constante violência do marido, Brandão (Eduardo Moscovis), que além de sujeitar a esposa a violência também sequestra e mata outras mulheres. As coisas que se complicam quando Verônica descobre que Brandão é um tenente-coronel da Polícia Militar, tornando-o ainda mais perigoso.

Crítica – The Boys: 2ª Temporada

 

A primeira temporada de The Boys foi uma grata surpresa ao construir um mundo em que super-heróis são praticamente celebridades e propriedades corporativas, reduzidos a peças no xadrez do capitalismo com as grandes corporações sendo as grandes vilãs. Apesar dos méritos, também incomodava como em muitos momentos a série era violenta, profana e sombria apenas para chocar. Essa segunda temporada se mostra mais consistente ao dar explorar mais a complexidade de seus personagens, humanizando até mesmo figuras cruéis como o Capitão Pátria (Anthony Starr).

A trama começa meses depois dos eventos do ano de estreia. Billy Bruto (Karl Urban) e sua equipe são considerados culpados pela morte de Stillwell (Elizabeth Shue), se tornando homens procurados. Ao mesmo tempo, os Sete recebem um novo membro em Tempesta (Aya Cash), cuja presença chama tanta atenção que começa a incomodar o Capitão Pátria por estar perdendo os holofotes. Ainda nos Sete, Luz-Estrela (Erin Moriarty) planeja junto com Hughie (Jack Quaid) em como expor a Vought pelo Composto V.

Crítica – Dragon’s Dogma: 1ª Temporada

 

Depois da inesperada surpresa que foi a série animada baseada em Castlevania, fiquei curioso com o anúncio de que a Netflix produziria uma animação baseada no game Dragon’s Dogma da Capcom. Por um lado o resultado de Castlevania dava motivos para ter esperança, por outro, o fato de Dragon’s Dogma não ter lá muita narrativa, deixando espaço para o jogador construir sua própria experiência naquele universo, dava motivos para apreensão de como isso seria transposto para tela. Felizmente o que este ano de estreia entrega é majoritariamente positivo, ainda que tenha alguns problemas.

A narrativa é protagonizada por Ethan, um guerreiro ressuscitado em uma jornada para recuperar o próprio coração, roubado pelo dragão que matou sua família. O primeiro episódio mostra brevemente a vida de Ethan e da esposa, Olivia, antes da destruição causada pelo dragão. Há a tentativa de que isso é feito para dar mais peso às perdas do protagonista, mas como é muito rápido (e o mesmo ocorre com os flashbacks envolvendo Olivia), não consegue ir além de uma trama de vingança bem típica. Em sua jornada, Ethan conta com a ajuda de Hannah, uma Peoa. No mundo de Dragon’s Dogma Peões são seres que existem para auxiliar Ressurgidos como Ethan em suas missões.

Rapsódias Revisitadas – Uma Mulher é Uma Mulher

Dirigido por Jean-Luc Godard um ano depois de Acossado (1960), filme que o lançou em evidência no mundo todo, este Uma Mulher é Uma Mulher segue a tendência iconoclasta do diretor em brincar com as convenções dos gêneros hollywoodianos. Se em Acossado Godard jogava com a iconografia do noir, aqui Godard joga com os elementos típicos do filme musical.

Na trama, Angela (Anna Karina) é uma dançarina que sente o desejo de ter um filho, mas o namorado dela, Emile (Jean-Claude Brialy), está hesitante. Emile sugere que Angela tenha um filho com Alfred (Jean-Paul Belmondo), melhor amigo dela. Angela acaba achando a sugestão uma boa ideia e isso logicamente cria uma crise no relacionamento dos dois. Boa parte das razões pelas quais o filme é tão lembrado é pela direção iconoclasta de Godard, mas não se pode negar o carisma do trio principal, especialmente Anna Karina, envolvente e encantadora como Angela, convencendo de como sua personagem seria capaz de mobilizar a atenção dos homens ao seu redor.