Rapsódias Revisitadas – O Nome da Rosa

 

Escrito por Umberto Eco, o romance O Nome da Rosa promoveu a quebra de uma série de paradigmas quando foi lançado em 1980. Era uma narrativa policial passada no período medieval protagonizada por um detetive arguto, extremamente racional, nos moldes de Sherlock Holmes, que, ainda assim, falhava em desvendar o crime e encontrava o culpado apenas por acidente. Isso colocava em questão a exaltação à racionalidade feita pelo gênero, ponderando sobre a complexidade e a não linearidade do conhecimento.

Com o sucesso feito pelo romance era inevitável que houvesse uma adaptação para os cinemas. Em 1986 foi lançada a adaptação para cinemas dirigida por Jean-Jacques Annoud e estrelada por Sean Connery. O filme era um pouco mais convencional do que o romance, já que nele o protagonista de fato resolvia o crime, inclusive já explicando a resolução na metade da narrativa enquanto os líderes da abadia na qual os assassinatos aconteciam se recusavam a acreditar nas deduções do protagonista. Deduções essas que vinham se confirmar ao final. Desta maneira, a versão para os cinemas de O Nome da Rosa não tem o questionamento de paradigmas das narrativas investigativas trazida pelo livro e com isso boa parte do impacto do texto de Eco, mas isso não o faz ser necessariamente um produto ruim.

Rapsódias Revisitadas – Torre das Donzelas

O Brasil nunca passou plenamente à limpo o período da ditadura militar. Nunca confrontamos diretamente o que aconteceu naquele momento da nossa história tampouco conseguimos resgatar ou trazer à tona os eventos que foram ocultados e enterrados. Essas lacunas na memória do período e ausência reverberam ainda hoje e são parte das razões de nos últimos anos termos visto a ascensão de negacionistas históricos a altos cargos de poder.

Este Torre das Donzelas toma para si a tarefa de reconstruir parte dessas memórias do período da ditadura e violações cometidas pelo regime ao contar a história de mulheres que foram presas e torturadas nesta época. O filme conta a história de detentas do Presídio Tiradentes, apelidado de Torre das Donzelas justamente por ser um presídio feminino.

O documentário ouve diferentes ex-detentas do local, inclusive a ex-presidente Dilma Roussef, transformando o testemunho dessas mulheres no principal meio de reconstrução desse passado ausente do qual não há registro formal. Durante os testemunhos vemos como a memória não se apresenta apenas na fala das entrevistadas, mas também em seus corpos, no modo como elas reagem quando entram no espaço vazio de ficavam suas antigas celas. As vozes embargadas, as inflexões tremidas presentes em momentos que mencionam algumas das experiências mais traumáticas mostram como elas ainda carregam consigo as marcas do passado.

Crítica – Borat: Fita de Cinema Seguinte

 

O primeiro Borat (2006) chamava atenção por suas imagens de cunho semi-documental na qual o fictício repórter do Cazaquistão interagia com pessoas reais dos Estados Unidos e expunha o preconceito, a intolerância e a xenofobia do país. Repetir esse tipo de personagem hoje, mais de uma década depois, e com o fato dos EUA terem um presidente que costumeiramente dá declarações abertamente racista, além de literais nazistas fazendo marchas pelas ruas, provavelmente não traria o mesmo impacto. O comediante Sacha Baron Cohen parece saber disso e neste Borat: Fita de Cinema Seguinte investe mais em uma trama melhor construída e menos nesses esquetes soltos em que ele interage com anônimos.

Na trama, descobrimos que depois dos eventos do primeiro filme Borat (Sacha Baron Cohen) ficou preso em uma gulag sendo submetido a trabalhos forçados. Ele é retirado da gulag a pedido do primeiro ministro do Cazaquistão, que lhe dá a missão de ir aos Estados Unidos para entregar um presente ao vice-presidente Mike Pence e assim recuperar o prestígio do Cazaquistão. Na viagem Borat é acompanhado por Tutar (Maria Bakalova), a filha caçula que ele nem sabia que tinha. Assim, a narrativa é mais sobre essa relação entre Borat e Tutar do que os momentos semi-documentais, ainda que eles continuem presentes.

Crítica – Noturno

Produzido pela Blumhouse, o terror Noturno parte da familiar premissa do conflito entre duas irmãs. Juliet (Sydney Sweeney) e Vivian (Madison Iseman) são gêmeas que estudam em um colégio interno voltado para o ensino de artes e ambas estudam piano. Vivian é popular, tem o melhor professor de piano da escola e conseguiu ser aceita na prestigiosa Julliard. Juliet, por outro lado, não tem nada disso. Farta de viver à sombra da irmã, Juliet vê uma oportunidade ao encontrar o caderno de uma colega que cometeu suicídio. No caderno ele encontra desenhos macabros que talvez tenham um significado oculto que a ajude a ter sucesso.

O primeiro acerto do filme é manter ambíguos seus elementos sobrenaturais. Afinal, Juliet de fato vendeu a alma ao diabo para conseguir superar a irmã? Ou na verdade ela está surtando por conta da pressão e ansiedade que sente ao não corresponder ao que os pais e ela mesma espera de si? Essa incerteza contribui para boa parte do suspense e da tensão, já que não sabemos com certeza qual a causa dos problemas da protagonista. Nesse sentido, a trama consegue criar imagens bem sinistras quando Juliet parece ver os desenhos do caderno ganhando vida diante de seus olhos.

Crítica – Vigiados

 

Dirigido por Dave Franco este Vigiados começa como um suspense no qual as tensões emergem das relações problemáticas entre os protagonistas. O que começa promissor, logo se torna desinteressante quando chega o momento de fazer as tensões de fato explodirem.

Na trama, dois casais alugam uma luxuosa casa à beira mar para passar um final de semana. Charlie (Dan Stevens) e Michelle (Alison Brie) vão para a propriedade acompanhados de Josh (Jeremy Allen White), irmão de Charlie, e Mina (Sheila Vand), namorada de Josh e sócia de Charlie. A chegada à casa traz algumas tensões envolvendo o preconceituoso gestor da propriedade e, aos poucos, percebemos também que a relação entre os quatro não é o que parece, com muitas tensões latentes.

A primeira metade da narrativa trabalha com certa habilidade as tensões subjacentes entre esses protagonistas. De maneira muito sutil vemos como Charlie e Josh guardam certas mágoas em relação ao outro, como Michelle parece deslocada em seu relacionamento com Charlie ou a impressão de que Mina e Charlie talvez tenham algo mais entre eles além de serem apenas parceiros de negócios.

Crítica – Lovecraft Country (Parte 3)

 

Nas duas partes anteriores da análise de Lovecraft Country falei como a série trabalhava com vários elementos típicos do terror e da fantasia para falar de elementos da experiência negra nos EUA. Avisamos que o texto abaixo contem SPOILERS.

A questão da brutalidade policial, por exemplo, aparece no oitavo episódio, que lida com o trauma coletivo da morte de Emmett Till, um brutal crime real que chocou (e choca ainda hoje) tanto pela violência do crime quanto pela sua motivação banal (ele supostamente teria assoviado para uma mulher branca) e pelo fato dos assassinos terem ficado impune.

A ideia de que as autoridades detêm um controle e poder sobre as vidas da população negra é ilustrada pelo arco de Dee (Jada Harris) ao longo do episódio. Amaldiçoada por um policial que faz parte do culto em busca do sangue de Tic, Dee começa a ser perseguida por duas entidades que se parecem como duas garotas gêmeas em blackface, maquiadas para reproduzirem traços da população negra de maneira caricatural e deturpada. A lógica da maldição se assemelha a da criatura de Corrente do Mal (2014), que não para de seguir o alvo até matá-lo, enquanto da ideia de alguém ser perseguido por um duplo deturpado remete a Nós (2018), do Jordan Peele, um dos produtores da série.

Crítica – Lovecraft Country (Parte 2)

Na primeira parte do texto sobre Lovecraft Country, falei sobre como a série usava o terror e a fantasia para abordar os elementos das vivências negras nos EUA, usando monstros, assombrações, cultos e outros elementos como metáforas para processos de racismo, exploração e desigualdade social. Nessa segunda parte vou tentar observar como a série lida com questões de identidade e a construção de papeis sociais aferidos a negros ou a mulheres. Avisamos que o texto contem SPOILERS.

O quarto episódio continua a expandir o jogo que a série faz com certos elementos da ficção de horror, fantasia ou aventura ao inserir os personagens em uma trama que poderia tranquilamente ter saído de filmes como Indiana Jones ou A Lenda do Tesouro Perdido (2004). Ao procurar um cofre secreto do culto liderado pela família Braithwhite, eles começam a explorar as catacumbas de um museu que, logicamente, está repleta de armadilhas.

Os diálogos entre Tic, Leti e Montrose explicitam a natureza autoconsciente do episódio, com o trio usando o conhecimento de narrativas de aventura para pautar como devem prosseguir pelos testes e tribulações impostos pelo labirinto. Até mesmo a música de fundo do episódio, com um uso constante de instrumentos metálicos, remete às composições de John Williams para os filmes do Indiana Jones.

Crítica – Os 7 de Chicago

 

Em 1962 John F. Kennedy disse em um discurso algo que em português poderia ser traduzido como “aqueles que fazem revoluções pacíficas serem impossíveis, tornam revoluções violentas inevitáveis”. Essa frase não está ligada aos eventos reais retratados neste Os 7 de Chicago, produção da Netflix escrita e dirigida por Aaron Sorkin, mas veio à minha mente em alguns momentos durante o filme.

A trama narra os eventos reais do julgamento de sete líderes de movimentos contra a Guerra do Vietnã, presos sob a acusação de terem incitado a multidão contra a polícia de Chicago durante um protesto que terminou de maneira violenta. Chamados de “os 7 de Chicago”, o julgamento do grupo teve alta cobertura da imprensa e chamou a atenção pelo modo como muito do devido processo legal era jogado pela janela apenas para condená-los.

O estilo de Sorkin já se manifesta na montagem inicial que traz imagens de arquivo sobre os protestos contra o Vietnã que já aconteciam anos antes dos eventos em Chicago. Imagens de Martin Luther King e Robert Kennedy discursando contra a guerra são abruptamente interrompidas por uma tela preta acompanhada pelo som de tiros para nos lembrar que eles foram assassinados e denotar o silenciamento das vozes que se manifestavam contra o Vietnã. A ideia parece associar como esse sistemático esforço de suprimir vozes e ações contra a guerra desembocaram nos protestos de Chicago.

Crítica – Genshin Impact

 

Os primeiros trailers de Genshin Impact chamavam atenção pelo tanto que os gráficos e jogabilidade pareciam similares a The Legend of Zelda: Breath of the Wild ao ponto que indagações a respeito se isso configuraria plágio ou não começavam a ser ventiladas. As preocupações sobre o jogo aumentaram quando foi anunciado que seria um RPG gratuito com mecânicas de microtransações para obter mais personagens e equipamentos, o que levantava a questão se ele seria mais um daqueles jogos gratuitos impossíveis de progredir sem gastar. Lançado recentemente para Playstation 4, PC e celulares, Genshin Impact de fato tem muito de similar a Breath of the Wild e de fato possui microtransações, mas também tem alguns méritos próprios que fazem a experiência valer a pena.

A história se passa no mundo de Teyvat no qual algumas pessoas escolhidas por deuses recebem uma Visão, pedras mágicas que conferem poderes especiais aos portadores. O jogador começa como um viajante vindo de outro mundo tentando encontrar a irmã (ou irmão, depende de qual personagem você escolher no início) de quem se perdeu. A partir daí se inicia uma longa jornada por este mundo para desvendar seus segredos e as verdades ocultas sobre os deuses.

Crítica – Lovecraft Country (Parte 1)

Adaptando o livro Território Lovecraft de Matt Ruff, a série Lovecraft Country traz uma releitura da mitologia criada pelo autor H.P Lovecraft, bem como de vários outros elementos típicos do terror e da fantasia, a partir das experiências da população negra dos Estados Unidos. É um movimento importante não apenas por questões de representatividade, mas por tentar responder a questão do que fazemos com as obras de autores que sabemos terem sido péssimas pessoas?

Lovecraft era racista. Quando digo isso não quero dizer que ele apenas aderia ao racismo estrutural de sua época como a maioria das pessoas brancas que lhe eram contemporâneas. Lovecraft era ativamente racista, adepto a um discurso de supremacia branca que ia muito além do racismo estrutural. Nesse sentido, reapropriar a obra dele a partir da cultura e da vivência negras é um modo de revelar como a obra pode ir além do autor, pode sobreviver às limitações e falhas dele, pode até ser usada para tentar reparar a visão de mundo excludente e preconceituosa que esse autor ajudou a disseminar.

A trama da série se passa nos Estados Unidos da década de 50 e é focada em Atticus (Jonathan Majors), também chamado de Tic. Quando o pai de Tic, Montrose (Michael K. Williams), desaparece misteriosamente ele, a amiga Leti (Jurnee Smolett) e o tio George (Courtney B. Vance) embarcam em uma viagem pelo interior dos EUA. A viagem os colocará em rota de colisão com um antigo e poderoso culto, além de revelar segredos a respeito da família de Tic.