segunda-feira, 29 de março de 2021

Crítica – Framing Britney Spears: A Vida de Uma Estrela

 Análise Crítica – Framing Britney Spears: A Vida de Uma Estrela


Review Crítica – Framing Britney Spears: A Vida de Uma Estrela
Produzido pelo jornal New York Times, o documentário Framing Britney Spears: A Vida de uma Estrela chamou atenção por revelar a situação jurídica da cantora pop Britney Spears, que desde 2008 vive sob tutela jurídica do pai, como se fosse alguém completamente incapaz de cuidar de si mesma.

O que é apresentado aqui é um competente trabalho de pesquisa que examina a trajetória profissional de Britney desde quando ela começou no mundo do entretenimento ainda muito jovem até os dias atuais quando ela luta para reverter a situação da tutela jurídica. Em termos de forma é um documentário bem simples, se baseando no padrão de entrevistas e imagens de arquivo, privilegiando mais a transmissão de informações e a construção da retórica de convencimento acerca da questão problemática que é a tutela de Spears.

Mais do que a questão da tutela, o documentário pondera sobre o papel da mídia na trajetória da cantora, especialmente no modo como ela foi, desde muito nova, constantemente cobrada, vigiada e pressionada pelos veículos de imprensa do mundo todo, algo que não deve ser saudável. A natureza predatória dos paparazzi fica evidente na entrevista com o fotógrafo que registrou o ataque de Britney com um guarda chuva. Os vídeos feitos por ele evidenciam que a cantora claramente não estava bem e o tempo todo ouvimos ela ou as pessoas que estavam com ela pedindo para pararem de filmar, mas ainda assim o paparazzo a seguiu de carro por horas e na entrevista para o documentário ainda diz que não fez nada de errado, deixando claro que esse modo de cobrir celebridades não tem nenhuma preocupação em estabelecer uma boa relação com a fonte, com o consentimento de imagem ou com princípios éticos.

sexta-feira, 26 de março de 2021

Crítica – Mank

 Análise Crítica – Mank


Review – Mank
Dentro da crítica e da cinefilia há toda uma corrente de debate que argumenta que boa parte dos méritos de Cidadão Kane (1941) residiam no roteiro escrito por Herman Mankiewicz. Este Mank, dirigido por David Fincher parece tomar essa posição ao acompanhar Mank enquanto escreve o roteiro para Orson Welles.

A trama mostra Herman “Mank” Mankiewicz (Gary Oldman) acamado depois de um acidente de carro. Com problemas financeiros e de saúde que vinham desde antes do acidente e com a reputação prejudicada entre os executivos de grandes estúdios por conta de seu alcoolismo, vício em apostas e constantes críticas às hipocrisias dos magnatas da mídia, Mank aceita escrever um roteiro para o então incipiente diretor Orson Welles (Tom Burke), uma história inspirada na trajetória de William Randolph Hearst (Charles Dance).

A narrativa vai e volta no tempo entre o Mank do presente tentando finalizar seu roteiro e o passado do roteirista, mostrando sua relação complicada com o produtor Louis B. Mayer (Arliss Howard), chefão da MGM, com o ricaço Hearst e com Marion (Amanda Seyfred), a jovem esposa de Hearst. Os flashbacks mostram a relação complicada de Mank com os figurões de Hollywood e da mídia por conta de sua vida de excessos e posições políticas. Enquanto a Hollywood da década de 1930 adotava uma postura de não criticar a Alemanha nazista por medo de perder arrecadação por lá, Mank já denunciava os perigos que os nazistas representavam.

quinta-feira, 25 de março de 2021

Crítica – O Som do Silêncio

 

Análise Crítica – O Som do Silêncio

Review – O Som do Silêncio
Lidando com um personagem que passa por transformações radicais em sua vida, O Som do Silêncio não trata apenas da perda de audição, mas de como aceitar as inevitáveis mudanças que a vida nos impõe e entender que certas coisas não podem ser restauradas como eram. São temas delicados, principalmente em relação à comunidade surda, que muitos filmes as vezes derrapam no excesso de romantização da condição desses personagens.

Ruben (Riz Ahmed) é um baterista de heavy metal que começa a perder a audição. Ele tem uma banda junto com a namorada, Lou (Olivia Cooke), e logicamente se preocupa em como seu problema inviabilizará seu modo de vida. Ruben pensa na possibilidade de conseguir retomar a vida com um implante coclear, no entanto, o custo alto o impede de conseguir a cirurgia. Sem alternativas, ele vai morar em uma comunidade de surdos para aprender a lidar com a nova condição e aceitar que não há nada de errado com ele.

A jornada do protagonista é quase uma jornada de luto, passando por estágios como negação, raiva, barganha ou aceitação. De certa forma faz sentido, já que Ruben experimenta uma perda que praticamente torna impossível que ele siga com o mesmo modo de vida e precisa de tempo para se adequar à sua nova realidade. Nesse sentido, Riz Ahmed é ótimo em nos apresentar o desespero e desamparo de Ruben conforme ele percebe que está em um caminho sem volta.

quarta-feira, 24 de março de 2021

Crítica – Era Uma Vez um Sonho

 

Análise Crítica – Era Uma Vez um Sonho

Review – Era Uma Vez um Sonho
Dirigido por Ron Howard, este Era Uma Vez um Sonho é um daqueles filmes que parece feito sob medida para premiações. Traz um diretor de renome e um elenco de peso para contar um drama baseado em fatos reais sobre superação. Em tese teria tudo que as premiações adoram e não tinha como dar errado, mas, na prática, muito pouco funciona no filme

A trama é focada em J.D (Gabriel Basso) um jovem estudante de direito que volta para sua cidade natal depois de saber que sua mãe, Bev (Amy Adams), teve uma overdose. Lá, ele começa a rememorar sobre a juventude, as dificuldades passadas com a família e a difícil relação que tinha com a mãe e com a avó (Glenn Close).

A narrativa vai e volta no tempo, intercalando o presente de J.D lidando com a overdose mãe com diferentes momentos do passado em que ele rememora a infância morando com a mãe e posteriormente com a avó. Não há muita razão para boa parte dessas idas e vindas que trabalham mais para dar um caráter fragmentado e episódico do que para efetivamente costurar essas diferentes experiências. O filme poderia começar com J.D indo para casa e depois voltando ao passado, contando tudo cronologicamente em ordem a partir daí que não faria muita diferença.

terça-feira, 23 de março de 2021

Crítica – Por Trás da Inocência

 

Análise Crítica – Por Trás da Inocência

Review – Por Trás da Inocência
Não esperava grande coisa deste Por Trás da Inocência, produção original da Netflix. O trailer tinha toda cara de um thriller erótico de quinta categoria, mas ainda assim minha curiosidade mórbida levou a melhor e fui conferir o filme. Minhas expectativas eram extremamente baixas e surpreendentemente ele conseguiu ser ainda pior do que eu imaginava.

A trama é centrada em Mary (Kristin Davis), uma escritora de romances de suspense que há anos não produz nada de novo por conta de um bloqueio criativo. Um dia ela é procurada pelos seus editores que oferecem um largo adiantamento para que ela produza um novo livro para sua mais famosa série. Em problemas financeiros por conta de apostas financeiras ruins do marido, Tom (Dermot Mulroney), ela acaba aceitando e mergulha no universo sombrio de suas personagens. Ao mesmo tempo, a família contrata uma nova babá em Grace (Greer Gramer) e Mary começa a sentir uma estranha atração pela jovem, mas talvez tudo seja apenas imaginação da escritora, muito imersa nas tramas sombrias de seus livros.

segunda-feira, 22 de março de 2021

Crítica – Cabras da Peste

 

Análise  Crítica – Cabras da Peste

Review  – Cabras da Peste
Um policial precisa ir até uma grande metrópole para caçar um criminoso de sua cidade natal e causa o caos por lá. Essa era a trama de Um Tira da Pesada (1984) e é também a premissa central deste Cabras da Peste, que também parodia “filmes de parceiros” como Máquina Mortífera (1987) ou Os Bad Boys (1995).

Bruceuilis (Edimilson Filho) é um policial de uma pequena e pacata cidade no interior do Ceará. Quando uma cabra é levada por um caminhão transportando rapadura batizada com drogas, Bruceuilis segue o criminoso até São Paulo para recuperar o animal. Lá ele encontra o apoio de Trindade (Matheus Nachtergaele), um policial paulista sem respeito dos colegas por querer fazer apenas trabalho burocrático.

É o típico arranjo da dupla de personalidades opostas, um de temperamento explosivo e afeito a ação e outro mais retraído, como em Máquina Mortífera. Aqui a narrativa é autoconsciente dos clichês que evoca e constantemente faz piada com isso, a exemplo da perseguição inicial envolvendo Bruceuilis e um sujeito que aparentemente roubou um ventilador, uma correria que acaba com barris convenientemente posicionados explodindo atrás do protagonista.

sexta-feira, 19 de março de 2021

Crítica – A Festa de Formatura

 Análise Crítica – A Festa de Formatura


O musical A Festa de Formatura narra a história de Emma (Jo Ellen Pellman), uma adolescente lésbica cuja associação de pais da escola em que ela estuda se recusa a fazer uma festa de formatura na qual ela possa ir com a namorada. Ao saberem da notícia, um grupo de fracassadas estrelas da Broadway decide partir a pequena cidadezinha na qual Emma vive para protestar contra a homofobia do caso e, além disso, se promoverem para retomarem as carreiras.

Tinha tudo para ser um musical vibrante e divertido com uma mensagem positiva de enfrentamento dos preconceitos. De certa forma, até é isso, mas também é demasiadamente arrastado, se alongando por desnecessárias duas horas e quinze com várias subtramas que apenas repetem as mesmas ideias do conflito principal envolvendo Emma. Lá pela marca de uma hora, quando a presidente da associação de pais, Sra. Greene (Kerry Washington), trapaceia na realização da formatura e deixa Emma sozinha na festa, imaginamos que o filme caminha para o seu clímax, com as estrelas da Broadway encabeçadas por Dee Dee Allen (Meryl Streep) organizando uma nova festa ou denunciando a Sra. Greene. Só que não, ainda há mais de uma hora de filme em que a trama se arrasta para chegar a esse ponto.

Boa parte dos problemas vem da necessidade da trama em dar a cada personagem uma subtrama só sua, sendo que muitas dessas histórias soam redundantes. A narrativa do ator Barry (James Corden) narrando como foi expulso de casa pela mãe por ser gay toca nas mesmas questões de homofobia da trama principal, por exemplo. Imagino que todas essas narrativas secundárias já estivessem presentes no musical teatral que deu origem ao filme, a questão é que nem tudo que funciona em um meio, funciona em outro.

O discurso contra a homofobia por vezes peca pelo excesso de didatismo, muitas vezes soando como uma videoaula na qual essas ideias são explicadas com pouca organicidade. Claro, em muitos momentos o filme lida bem com isso, em especial no conflito do relacionamento de Emma com a namorada, Shelby (Sofia Daler), que teme em sair do armário para a mãe. Há também a questão das variações bruscas de tom, com a narrativa muitas vezes saindo de uma cena envolvendo um drama sério sobre preconceito para um número musical alegre e exuberante, com essas transações por vezes soando abruptas.

O ponto alto, logicamente, são os números musicais. Repletos de cor, energia e exuberância, as canções retratam os sonhos românticos de Emma ou os desejos de grandeza dos astros da Broadway. As canções também trazem uma boa dose de humor, reconhecendo que o núcleo da Broadway está agindo mais por ego do que por crença, com Meryl Streep e Nicole Kidman vendendo muito bem a falta de noção e desespero por holofotes dessas personagens.

Eu queria ter gostado mais de A Festa de Formatura por causa de suas canções divertidas e elenco carismático, mas seu ritmo arrastado e excesso de subtramas atrapalham a experiência.

 

Nota: 6/10


Trailer

quinta-feira, 18 de março de 2021

Drops – A Sentinela

 

Análise Crítica – A Sentinela

Review – A Sentinela
A produção francesa A Sentinela parece não ser capaz de decidir que história quer contar. De início parece um filme que visa discutir as consequências da guerra contra o terrorismo e as sequelas disso nas tropas. Logo depois vira um filme de vingança com cara das produções estreladas por Stallone ou Schwarzenegger na década de oitenta.

Na trama, a soldado Klara (Olga Kurylenko) volta para a França depois de uma missão de combate ao terrorismo no exterior dar errado. Afetada por estresse pós-traumático, a soldado tenta reconstruir a vida. Tudo muda quando a irmã de Klara é estuprada e espancada por um rico estrangeiro com imunidade diplomática. Quando as autoridades não podem tocar no estuprador de sua irmã, Klara decide fazer justiça com as próprias mãos.

Apesar de tocar em temas sérios, como as marcas da guerra que ficam nos soldados ou violência contra a mulher, o filme não tem nada a dizer sobre nada disso. Toda questão do trauma da protagonista é basicamente irrelevante para a trama, já que ela poderia ser simplesmente uma soldado competente que não mudaria coisa alguma. Do mesmo modo, o estupro da irmã dele serve apenas de motivador para a ação e poderia ser substituído por qualquer outro crime, como assassinato, espancamento ou atropelamento que não faria qualquer diferença, é meramente um dispositivo de roteiro para servir de gatilho para a história.

quarta-feira, 17 de março de 2021

Crítica - O Recepcionista

Análise Crítica - O Recepcionista

Review - O Recepcionista
O filme Janela Indiscreta (1954) segue na memória do cinema pela excelente condução do suspense por parte de Alfred Hitchcock e pelo modo como sua narrativa servia para pensarmos o voyeurismo do próprio ato de ser um espectador de cinema. Este O Recepcionista também toca no tema do voyeurismo, mas não tem muito a pensar sobre esse tópico, tampouco consegue criar um suspense minimamente envolvente.

Na trama, Bart (Tye Sheridan) é um jovem com Síndrome de Asperger que trabalha como recepcionista noturno em um hotel e tem o hábito de filmar as pessoas com quem interage para tentar aprender a socializar melhor. Bart não filma apenas quem conversa diretamente com ele, mas também coloca câmeras em alguns quartos do hotel em que trabalha. Quando uma mulher é assassinada diante das câmeras de Bart, isso o coloca em uma corrida contra o tempo para evitar que a polícia desconfie dele, em especial o detetive Espada (John Leguizamo), e para descobrir a identidade do real culpado.

Sherdian pesa a mão dos trejeitos e nas inflexões vocais de Bart, muitas vezes pendendo para uma composição histriônica e exagerada. Não ajuda que o texto não dê nenhuma nuance ao personagem, reduzindo-o ao seu transtorno, o que soa anacrônico e um retrocesso na representação de personagens no espectro do autismo, principalmente quando tivemos retratos mais complexos de personagens dessa natureza como a Benê (Daphne Bozaski) de Malhação Viva a Diferença e As Five.

terça-feira, 16 de março de 2021

Crítica – Dia do Sim

 

Análise Crítica – Dia do Sim

Review – Dia do Sim
Quando vi os trailers deste Dia do Sim me pareceu que seria basicamente uma versão infantil de Sim, Senhor (2008) e, bem, é exatamente isso. Tem as mesmas mensagens sobre se abrir a novas experiências, sair da zona de conforto ao mesmo tempo em que lembra que é possível (e necessário) dizer não em certos momentos. Mesmo com toda a sensação de conteúdo reciclado, esperava que fosse ao menos divertido. A questão é que enquanto o filme estrelado por Jim Carrey conseguia trazer situações absurdas e alguma ponderação dotada de emoção genuína sobre como nos fechamos para a vida ao nosso redor, Dia do Sim não consegue fazer nenhuma dessas coisas.

Na trama, o casal Allison (Jennifer Garner) e Carlos (Edgar Ramirez) está em um relacionamento estagnado e com problemas com os três filhos que os acham muito controladores e repressores, principalmente Allison. Quando a escola chama a atenção do casal pelo modo como lidam com os filhos, os protagonistas decidem tentar um “dia do sim”, um dia em que dizem sim para tudo que os filhos pedirem.