Crítica – Sweet Tooth

Eu já tinha ouvido falar dos quadrinhos de Sweet Tooth, de Jeff Lemire, que falava sobre um garoto metade humano e metade cervo em um mundo devastado por uma epidemia viral. Nunca li os quadrinhos, mas fiquei curioso para conferir a série de mesmo nome da Netflix baseada nos quadrinhos de Lemire.

A trama segue Gus (Christian Convery), um garoto metade humano e metade cervo que vive isolado com o pai, Richard (Will Forte), em uma cabana da floresta depois que um vírus dizimou os humanos. Ao mesmo tempo em que o vírus surgiu, híbridos entre humanos e animais começaram a nascer, fazendo muitas pessoas acharem que os híbridos foram os responsáveis pelo vírus. Depois da morte do pai, Gus decide cruzar o país em busca da mãe e para isso consegue a ajuda de Jepp (Nonso Anozie) que o protege dos perigos desse mundo hostil e de pessoas como o general Abbot (Neil Sandilands, fazendo seu melhor cosplay de Dr. Robotnik) que capturam híbridos para usá-los como cobaias para uma possível cura do vírus.

Crítica – Final Fantasy VII Remake: Intermission

 

Havia uma imensa expectativa em Final Fantasy VII Remake. Era um jogo esperado há muitos anos, que sofreu atrasos na produção, com uma escolha polêmica (ainda que relativamente compreensível para manter toda a trama do original) de dividir em episódios (embora a falta de clareza em termos de quantos serão é preocupante), além mudanças no gameplay e outros elementos davam motivos para se preocupar. Felizmente o jogo não era apenas um excelente remake, mas um excelente game por si só, que redefinia todo o universo construído e aprofundava os personagens, justificando a divisão em episódios, ainda que o final vire uma bagunça desnecessária.

Pois quase um ano depois o jogo ganha uma versão para as novas gerações em Final Fantasy VII Remake Intergrade que traz melhorias gráficas, como iluminação dinâmica, efeitos de névoa e partícula melhorados e tempos de carregamento mais rápido. Além disso, traz uma expansão que é exclusiva para a nova geração em Final Fantasy VII Remake: Intermission, uma história curta protagonizada pela ninja Yuffie, que no jogo original aparecia só mais adiante na trama e era uma personagem opcional.

Crítica – Amonite

 

Este Amonite é levemente baseado na história real da paleontóloga Mary Anning. Digo levemente porque não há confirmação histórica do relacionamento entre ela e Charlotte Murchinson ainda que seja amplamente falado que as duas tiveram um relacionamento amoroso.

A trama se passa na Inglaterra do século XIX, Mary (Kate Winslet) é uma prolífica paleontóloga que é subestimada dentro do seu campo de atividade. Um dia ela é visitada por Roderick (James McArdle), que paga Mary por um tour guiado pela praia na qual ela escava fósseis. É aí que ela conhece Charlotte (Saoirse Ronan), esposa de Roderick com quem tem uma relação fria e desprovida de afeto. Roderick parte em uma expedição e deixa Charlotte, que está com problemas de saúde, aos cuidados de Amy. Aos poucos as duas começam a se aproximar e o que era companheirismo vai dando lugar ao romance.

A trama evidencia bem a solidão dessas duas personagens. Ambas mulheres carentes, que se sentem invisíveis, desvalorizadas e isso ajuda a entender a razão da forte conexõe que é construída entre as duas, como se elas se reconhecessem na solidão da outra e reparar isso na outra fosse reparar seus próprios problemas.

Crítica – O Caso Evandro

 

Eu já tinha ouvido falar bastante do podcast Projeto Humanos: O Caso Evandro do jornalista Ivan Mizanzuk sobre o escabroso caso do assassinato de um garoto no interior do Paraná na década de 1990 e a investigação labiríntica e problemática que se seguiu sobre caso. Entretanto nunca parei para ouvi-lo, mesmo interessado na história real que ele contava. Então quando foi anunciado que O Caso Evandro viraria uma série documental na Globoplay com direção de Aly Muritiba, fiquei imediatamente interessado.

A série aborda o caso real do desaparecimento do garoto Evandro Caetano no interior do Paraná da década de 90. O corpo dele foi encontrado mutilado dias depois em um matagal próximo e as suspeitas é que tinham sido usado em um ritual de magia negra. O caso toma atenção da mídia, principalmente quando testemunhas apontam a família do então prefeito como envolvida no caso. Aos poucos, no entanto, surgem provas que a história não é aquilo que imaginávamos.

Estruturalmente a série segue o padrão de documentários de crimes reais que já vimos antes, com entrevistas, imagens de arquivo e reconstituições com atores. Ainda assim, a narrativa envolve pelo ritmo de tensão e suspense que Muritiba imprime nos eventos bem como pela própria natureza surpreendente e pouco usual dos eventos narrados, um daqueles casos em que a realidade se mostra mais bizarra que qualquer ficção.

Crítica – Sailor Moon Eternal

 

Eu assisti todas as temporadas da série clássica de Sailor Moon na época em que passaram no Cartoon Network, então fiquei curioso quando a Netflix anunciou o longa Sailor Moon Eternal, que seria dividido em duas partes. Fiquei um pouco preocupado quando soube que esses dois filmes de oitenta minutos fariam parte do cânone da recente Sailor Moon Crystal, remake da série que era mais fiel ao mangá eliminando os fillers. Especificamente Sailor Moon Eternal contaria o quarto arco da história das guerreiras planetárias, correspondendo à temporada Sailor Moon Super S na série original (que consistia de 39 episódios) e obviamente temi que o resultado fosse ser uma bagunça incompreensível.

Na trama, Chibiusa, uma descendente da protagonista Usagi vinda do futuro, está prestes a voltar para seu tempo de origem, quando o misterioso Dead Moon Circus chega à Terra criando uma onda de energia que a impede de viajar no tempo. Usagi e as demais Sailors decidem investigar o estranho circo, descobrindo que elas servem à misteriosa rainha Nehelenia que veio à Terra roubar o lendário cristal dourado. Ao mesmo tempo, Chibiusa começa a ter visões envolvendo um Pégaso que pode ser a chave para derrotarem esses novos inimigos.

Crítica – Virtua Fighter 5: Ultimate Showdown

 

Tive pouco contato com a franquia Virtua Fighter. Lembro brevemente de ter jogado os dois primeiros jogos em fliperama e o péssimo port do primeiro jogo para Mega Drive. Sempre fui mais interessado em jogos de luta 2D como Street Fighter, The King of Fighters ou Mortal Kombat, então nunca fui muito de jogar esses games 3D como Virtua Fighter ou Tekken. No entanto, fiquei curioso para conferir essa tentativa da Sega em reviver sua franquia de luta com este Virtua Fighter 5: Ultimate Showdown, uma espécie de remaster de Virtua Fighter 5: Final Showdown originalmente lançado há quase 12 anos atrás.

Os gráficos e modelos de personagem foram refeitos da Dragon Engine, motor gráfico usado na série Yakuza. Os personagens ganharam mais detalhamento e texturas, aproximando-os da qualidade de um game contemporâneo e toda a interface foi refeita também para melhorar a qualidade visual. Efeitos de luz e saturação de cor foram melhorados e soam mais realistas. Os cenários, por sua vez, receberam melhorias, mas não tem tanta qualidade quanto os modelos dos personagens e mostram um pouco a idade.

Rapsódias Revisitadas – Coração de Cavaleiro

 

Lançado em 2001, Coração de Cavaleiro ajudou a sedimentar o ator Heath Ledger como um astro de Hollywood. Ele já vinha do sucesso modesto da comédia adolescente Dez Coisas que Eu Odeio em Você (1999) e aqui ele mostrou que poderia carregar uma produção de grande orçamento, já que apesar da recepção morna da crítica da época, o filme se saiu relativamente bem na bilheteria para ser considerado um sucesso financeiro. É curioso pensar que a crítica não deu muita bola para ele em seu lançamento considerando o quanto ele foi reprisado tanto em canais a cabo quanto na tv aberta, sendo aquele tipo de filme que é tão carismático que a gente sempre assiste um pouco quando vemos que está passando.

Dirigido e escrito por Brian Helgeland, que vinha de uma vitória do Oscar melhor roteiro adaptado por Los Angeles: Cidade Probida (1997), a trama se passa na Inglaterra medieval e segue o jovem escudeiro William (Heath Ledger), que toma o lugar de seu suserano falecido e resolve participar das competições de justa da nobreza em busca de glória e dinheiro como cavaleiro. Ao lado dele estão os escudeiros  Wat (Alan Tudyk) e Roland (Mark Addy), o arauto Geoffrey Saucer (Paul Bettany) e a ferreira Kate (Laura Fraser). Em sua jornada rumo à glória William encontra um rival no conde Adhemar (Rufus Sewell) e se apaixona pela bela Jocelyn (Shannyn Sossamon).

Drops – Synchronic

 

Filmes sobre viagem no tempo existem de monte, mas a maneira com a qual Sychronic constrói sua trama de viagem no tempo chama atenção pelo modo singular com o qual tudo flui. A narrativa é centrada em Steve (Anthony Mackie) e Dennis (Jamie Dornan), dois paramédicos trabalhando na cidade de Nova Orleans. Aos poucos a dupla começa a receber chamados para ocorrências estranhas, muitas dela soando fisicamente impossíveis ou cujas vítimas não conseguem explicar. Conforme o número de ocorrências aumenta, eles percebem que esses eventos estão conectados com uma estranha droga sintética que mexe na maneira com a qual as pessoas experimentam o tempo.

A narrativa cria um competente clima de suspense conforme inicialmente nos apresenta às ocorrências estranhas com as quais os personagens se defrontam. Acerta também no clima convincente entre os dois protagonistas, parceiros de anos que se conhecem tão bem que sabem perceber os problemas e falhas do outro apenas com um olhar. O problema é que quando a trama parecia engrenar, a partir do momento em que Steve consegue a tal droga, a trama demora um pouco de desenvolver para que o personagem vá aos poucos explicando como funciona a questão do deslocamento temporal.

Rapsódias Revisitadas – Morte em Veneza

 

Revendo Morte em Veneza, de Luchino Visconti, me surpreendi com o quanto alguns de seus temas soam terrivelmente atuais para os tempos pandêmicos em que vivemos. O filme também traz algumas reflexões sobre arte, beleza e permanência que, de certa forma, são atemporais.

A trama adapta um romance escrito por Thomas Mann. Sendo situada na virada do século XIX para o século XX, a narrativa é centrada na figura de Gustav von Aschenbach (Dirk Bogarde) um pianista em meio a uma crise criativa, afetiva e de saúde. Para lidar com seus problemas Gustav viaja a um resort em Veneza e lá se encanta pela beleza do garoto Tadzio (Bjorn Andresen) e passa a segui-lo. Ao mesmo tempo, o músico começa a desconfiar que os funcionários do hotel talvez não estejam sendo sinceros quanto a severidade da epidemia de cólera que se espalha pela cidade.

A fixação de Gustav por Tadzio é sempre enquadrada em uma chave mais platônica e idealizada, nunca sexual. O interesse do músico é o da contemplação dessa beleza que emerge naturalmente do garoto, uma beleza que ele sempre tentou transmitir através de sua música, mas teve dificuldade. A trama pondera sobre a relação entre a beleza e o desgaste do tempo. Se a beleza nas artes requer trabalho, ela ao menos sobrevive a passagem do tempo. Por outro lado a beleza física de Tadzio emerge dele naturalmente, no entanto, é algo fugidio que se desgastará com tempo. As andanças de Gustav pela cidade para observar o garoto servem, portanto, como uma metáfora para a natureza fugaz da beleza.

Crítica – Master of None: 3ª Temporada

 

Depois de um longo hiato causado, dentre outras coisas, por acusações de assédio sexual contra o criador e protagonista Aziz Ansari, a série Master of None retorna com um foco renovado. Ao invés de Dev (Aziz Ansari), a trama dessa terceira temporada é centrada em Denise (Lena Waithe) e na relação dela com a esposa. Não significa que Ansari tenha sido colocado em escanteio, além de Dev ainda aparecer ocasionalmente, o ator dirigiu os cinco episódios da temporada que foram escritos com a Lena Waithe.

A trama parece se passar anos depois da segunda temporada. Denise é uma escritora de sucesso e vive com a esposa, Alicia (Naomi Ackie) em uma idílica casa de campo. A protagonista está tentando escrever seu segundo livro, mas encontra problemas para desenvolver a escrita. Ao mesmo tempo, Alicia insiste que é hora delas terem um filho, algo que Denise não embarca completamente.

O subtítulo original desta terceira temporada, Moments in Love, dá a tônica do que veremos ao longo dos cinco episódios, uma coletânea de momentos em uma relação afetiva com todos os complicadores, problemas e incoerências que as pessoas exibem em uma relação. São tramas relativamente contidas na intimidade das personagens, dentro de suas casas e com poucos coadjuvantes além do casal protagonista. Imagino que muitas decisões derivaram do fato de que toda a temporada foi filmada ano passado e por questões de segurança em virtude da pandemia mantiveram o elenco razoavelmente pequeno.

A pandemia parece também guiar as escolhas estéticas de Ansari ao longo da temporada, optando por takes mais longos, com uma câmera estática e a meia distância dos personagens provavelmente para diminuir o numero de pessoas necessárias no set caso resolvesse filmar com múltiplas câmeras em constante movimentação. Mesmo que pareçam decisões pragmáticas e motivadas por razões extra-fílmicas, esses elementos fazem sentido dentro da narrativa e do olhar que Ansari e Waithe construíram para a jornada de suas personagens. É como se a dupla tivesse pensado na melhor maneira de contar uma história impactante e consistente com os elementos que tinham em mãos.

A distância da câmera em relação às personagens dá a impressão de que somos observadores distantes desse cotidiano afetivo, quase como voyeurs entrando na intimidade alheia, embarcando no universo pessoal dessas personagens. Os longos takes, com poucos cortes, contribuem para uma impressão de naturalismo, construindo a impressão de que estamos vendo tudo aquilo conforme se desenrola, como em um documentário observacional, evidenciando o trabalho do elenco, em especial das duas atrizes principais, em transmitir esse sentimento de que aquelas pessoas tem uma conexão longeva, um afeto e um conhecimento da conduta da outra.

A trama olha para a complexidade do relacionamento das personagens e dos desequilíbrios que existem entre elas. Quando começamos a temporada Denise ainda surfa na onda do sucesso de seu primeiro livro enquanto Alicia está no meio de uma transição profissional, iniciando como designer de interiores. Nesse sentido, o desinteresse de Denise em ter filhos naquele momento vem, em parte, da vontade de querer continuar aprimorando a carreira. Alicia vê na maternidade um meio de construir algo para si naquela relação, saindo do papel de coadjuvante, da cônjuge que apoia a esposa bem-sucedida, uma função que fica claramente definida na entrevista que Denise dá no início do primeiro episódio.

Os conflitos nascem justamente da incapacidade delas em tentarem observar as coisas pela ótica da outra. Denise vê as necessidades de Alicia como caprichos e Alicia vê o foco de Denise na carreira como desinteresse na relação. Com isso, ao invés de dialogarem e se entenderem, as duas se afastam ainda mais e a relação vai se erodindo até o inevitável.

Ao longo da temporada a posição das duas se inverte, com Denise lidando não apenas com o fracasso da relação, mas de seus projetos como escritora, tendo que reavaliar as escolhas que tomou até então. Em paralelo Alicia vai atrás do sonho de ser mãe e apesar dos percalços, incluindo estruturas homofóbicas dos sistemas de saúde, vai adquirindo sucesso em suas empreitadas. Essa inversão nas vidas delas da a ambas perspectiva para analisar o passado da relação das duas, algo que vemos no episódio final.

O desfecho da temporada é, ao mesmo tempo, uma culminância natural do arco das duas e uma resolução um pouco covarde já que a trama não faz as personagens se comprometerem com nada em relação à situação da vida delas naquele momento. Acompanhamos as duas passando um final de semana da casa em que moraram, agora sendo alugada via aplicativos, e descobrimos que elas tem se encontrado regularmente apesar de ambas já terem se casado e tido filhos com outras pessoas.

Fica evidente o quanto elas se sentem confortáveis juntas e apreciam uma a outra, principalmente agora que o tempo lhes deu entendimento sobre o que aconteceu. Trabalhando em um emprego que odeia apenas para pagar as contas e sustentar a nova família, Denise entende melhor Alicia e o sentimento de estar se anulando para manter uma relação. Alicia por sua vez, tendo encontrado sucesso profissional entende agora o foco de Denise em querer dedicar ainda mais tempo ao trabalho para continuar subindo a novos patamares.

Apesar de alcançarem um nível mais profundo de diálogo e conforto do que com suas próprias cônjuges, a temporada termina sem que isso implique em qualquer mudança de direção para as duas, que parecem, naquele momento, em manter essa relação extraconjugal em um “não lugar”, reduzindo-a a uma mera fuga do cotidiano. Em nenhum momento as personagens parecem ponderar que um cotidiano que as instiga a fugir constantemente talvez não seja tão saudável assim.

Em uma inesperada terceira temporada que tenta fazer o melhor com as limitações de filmar durante uma pandemia, Master of None faz um exame sensível e intimista sobre um relacionamento conturbado.

 

Nota: 8/10

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