Drops – Amizade de Férias

 

Os primeiros minutos deste Amizade de Férias parecem nos colocar diante de uma comédia caótica sobre pessoas perdendo a cabeça durante as férias. Não seria a primeira do tipo e não é difícil prever que ao final o casal certinho Marcus (Lil Rel Howery) e Emily (Yvonne Orji) vai aprender a se soltar mais enquanto que o aloprado casal Ron (John Cena) e Kyla (Meredith Hagner) vai aprender a ser mais responsável.

O problema é que lá pela metade da projeção, a trama decide abandonar o cenário de férias para focar no casamento de Marcus com Emily e as tentativas de Marcus em impressionar o sogro que não o acha digno de Emily. Assim, a narrativa meio que vira um Entrando Numa Fria (2000) genérico, já que o sogro nunca tem um motivo minimamente construído para detestar Marcus e o casal Ron e Kyla acaba relegado a um elemento de caos nessa tentativa de Marcus em impressionar o sogro.

A trama se desenvolve cheia de inconsistências, com os sogros de Marcus adorando o jeito inconveniente de Ron e Kyla em um instante, apenas para se chocarem com a conduta absurda deles em outro, como se eles mudassem de atitude e personalidade a cada cena por pura exigência de roteiro. Considerando que o roteiro tem seis pessoas creditadas nele, é possível que essas inconsistências venham do alto número de mãos interferindo no texto e as coisas acabam desconjuntadas.

Crítica – The Voyeurs

 

O cinema é um meio expressivo que se vale do prazer escopofílico de vermos histórias sobre dramas pessoas, terrores inimagináveis, aventuras audazes e várias outras emoções do conforto de nossa poltrona. Quando assistimos um filme temos um olhar que é muitas vezes onipresente, vendo tudo, julgando todos como se fossemos uma divindade observando toda uma cosmologia se desenvolvendo diante dos nossos olhos. Muitos filmes inclusive já refletiram sobre o prazer visual de observar outros e dos problemas quando ficamos sob observação, com Janela Indiscreta (1954) sendo o mais famoso deles. Este The Voyeurs funciona como uma mistura de Janela Indiscreta com Dublê de Corpo (1984) e alguns episódios de Black Mirror. O todo, no entanto, é menor que a soma das partes.

A trama acompanha o casal Pippa (Sydney Sweeney) e Thomas (Justice Smith), que se muda para um novo apartamento e começa a observar a rotina do casal no apartamento da frente, Seb (Ben Hardy) e Julia (Natasha Liu Bordizzo). Com o tempo, Pippa e Thomas ficam cada vez mais envolvidos com a rotina do outro casal, principalmente quando descobrem os segredos e traições que guardam um do outro.

Crítica – Doutor Gama

 

Na minha época de colégio, quando estudávamos a abolição da escravatura, tudo parecia um gesto magnânimo da Princesa Isabel. Concebemos os séculos de escravidão como um período aparentemente pacífico, como se os escravos aceitassem tranquilamente essa condição subalterna, quando na realidade revoltas eram mais comuns do que os relatos oficiais nos fazem crer. Nesse sentido, a existência de filmes como este Doutor Gama é importante para expandir o entendimento do público a respeito desse período e como havia uma constante luta da população negra, pela força ou meios legais, para tentar emancipar seu povo.

A trama acompanha a história real de Luiz Gama (Cesar Mello), advogado negro que trabalhava para libertar escravos. A narrativa o segue desde a infância, quando foi injustamente vendido como escravo apesar de ter nascido livre, até a idade adulta quando decide defender um jovem escravo acusado de matar o seu senhor.

Cesar Mello consegue trazer uma personalidade magnética e um discurso apaixonado para Gama, tornando crível a capacidade do advogado em argumentar e convencer brancos donos de fazenda da chaga que era a escravidão e da injustiça que isso representa ao povo negro. Nesse sentido, o filme acerta em mostrar as injustiças e sofrimento aos quais os escravos são submetidos, sem reduzir isso a um espetáculo de violência e miséria. Do mesmo modo, acerta em mostrar Gama como um sujeito autônomo, capaz de cuidar de si mesmo sem precisar ser constantemente resgatado por brancos, algo muito comum nas narrativas sobre superação de preconceitos no Brasil.

Crítica – Kate

 

Estrelado por Mary Elizabeth Winstead, este Kate é aquele típico filme de ação com trama de vingança. Ao menos consegue entregar cenas de ação envolventes e estilizadas e personagens carismáticos, ainda que presos aos lugares comuns do gênero.

Na trama, Kate (Mary Elizabeth Winstead) é uma assassina que está em missão no Japão para matar os líderes de uma grande família da yakuza. Esta seria sua última missão, mas quando está prestes a matar seu último alvo Kate passa mal e descobre que foi envenenada com um isótopo radioativo. Agora Kate decide buscar vingança contra aqueles que praticamente a condenaram a morte, correndo contra o tempo antes que morra pela contaminação radioativa.

Kate é o arquétipo da assassina que adquire consciência e resolve questionar as ordens, se engajando em uma jornada de reparação pelo sangue derramado. Do mesmo modo, a trama é uma jornada de vingança bem batida e até mesmo a reviravolta ao final que envolve o mentor de Kate, Varrick (Woody Harrelson), é relativamente previsível. Ainda assim, Winstead é competente em trazer o arrependimento de Kate, o desespero pela morte iminente e a raiva que move sua vingança. A atriz também consegue construir um laço sincero com a garota Ani (Miku Patricia Martineau), filha de um alto membro da yakuza e que fica sob a proteção de Kate. Assim, mesmo com a dinâmica manjada da assassina durona e a criança espevitada, a relação das duas tem personalidade o bastante para envolver.

Crítica – Quanto Vale?

 

Medir uma vida humana, aferir valor a ela, não é fácil independente da perspectiva que se adote. Ainda assim, há ocasiões em que isso precisa ser feito, uma delas é no âmbito jurídico para calcular indenizações em relação a pessoas que morreram ou tiveram severas sequelas por conta de algum evento. Este Quanto Vale? aborda essa questão a partir da história real do cálculo das indenizações para as famílias das pessoas mortas e feridas durante os atentados do 11 de setembro.

A narrativa é protagonizada por Ken (Michael Keaton), um advogado especialista em processos de danos que é nomeado pelo governo dos Estados Unidos para negociar as indenizações as serem pagas por conta do 11 de setembro. Lidando com inúmeros casos, com diferentes histórias e circunstâncias, Ken precisa definir os critérios da indenização. De início ele cria uma fórmula geral para calcular os rendimentos de todos, mas uma das lideranças das famílias, Charles Wolf (Stanley Tucci), chama atenção de que a fórmula não atende as necessidades específicas de cada um.

Lixo Extraordinário – Capcom Fighting Evolution

Eu costumo falar sobre filmes lendários por sua ruindade nesta coluna, mas hoje decidi ampliar um pouco do escopo e falar também sobre games marcados pela sua ruindade e pelas consequências causadas em suas desenvolvedoras. O escolhido foi Capcom Fighting Evolution, lançado em 2004 para Xbox e Playstation 2, sendo considerado o pior jogo de luta da Capcom. Tão ruim, na verdade, que provocou um hiato de alguns anos na produção de jogos de luta da desenvolvedora que só reergueu o gênero entre suas produções ao lançar Street Fighter IV em 2008.

Em 2004 as coisas não estavam boas para games de luta. O gênero estava em um período de transição por conta do fim da maioria dos fliperamas e as possibilidades de jogar online ainda não tinham a velocidade e precisão que o gênero requisitava. Street Fighter III: 3rd Strike, de 1999, tinha sido o último game da franquia principal da Capcom. A SNK, responsável por The King of Fighters, estava em processo de falência. Mortal Kombat não estava se saindo muito bem em sua transição para o 3D. Apenas algumas séries (a maioria de combates tridimensionais) como Tekken ou Soul Calibur ainda seguiam, embora não estivessem exatamente vendendo em quantidades impressionanentes.

Rapsódias Revisitadas – Alemanha, Ano Zero

 

Lançado em 1948, Alemanha, Ano Zero é o último da trilogia da Segunda Guerra Mundial feita por Roberto Rossellini. Nos dois filmes anteriores, Roma, Cidade Aberta (1945) e Paisá (1946), Rossellini se voltou para a Itália durante o nazi-fascismo e imediatamente pós-guerra. Neste terceiro, o diretor mira seu olhar na Alemanha pós-guerra, a devastação do país e o desamparo dos cidadãos.

A trama é protagonizada por Edmund (Edmund Kohler) um garoto que tenta encontrar maneiras de ajudar financeiramente a família depois que o pai adoece e o irmão mais velho teme procurar emprego e ser preso por ter servido no exército nazista embora tivesse sido obrigado a servir as forças armadas. Assim, Edmund vaga por uma cidade em ruínas até encontrar um antigo professor de sua escola (que também era um membro do partido nazista). O professor tenta estimular Edmund mas os conselhos dele são em direção de atitudes danosas para o garoto e para a família.

Crítica – The Witcher: A Lenda do Lobo

 

Ainda que tenha sua parcela de problemas, a primeira temporada de The Witcher foi um grande sucesso para a Netflix, então era de se esperar que o serviço de streaming fosse expandir isso em novas temporadas da série e também em outros produtos. O longa animado The Witcher: A Lenda do Lobo vai exatamente nessa direção, contando uma história que se passa séculos antes de Geralt, focando em Vesemir, que se tornaria o mentor do conhecido bruxo de Rívia.

A trama conta a origem de Vesemir, mostrando como ele se tornou bruxo e também como a Escola do Lobo chegou próxima ao fim. Alternando entre passado e presente, vemos a infância do protagonista e o presente enquanto ele se envolve em uma conspiração para eliminar os bruxos da fortaleza ancestral de Kaer Morhen.

A narrativa toca em temas que são comuns às histórias protagonizadas por Geralt, como o preconceito, as desigualdades de classe e o fato de que muitos humanos são mais vis do que qualquer monstro irracional. Tudo isso está presente aqui conforme Vesemir deixa sua vida pobre para se tornar um bruxo e encontra Tetra, uma feiticeira movida por vingança que deseja eliminar os bruxos. Não há nada que nos dê uma compreensão mais profunda sobre isso que já não tenhamos visto na série principal, mas ao menos serve para ampliar o que sabemos sobre a história desse universo.

Crítica – Cinderela (2021)

 

Esta nova versão de Cinderela soa como uma tentativa da Amazon de produzir um conteúdo semelhante ao da Disney (sendo que eles fizeram seu próprio Cinderela em live action em 2015), mas a produção estrelada por Camila Cabello não consegue sair da sombra da casa do Mickey. A trama até tem boas ideias, o problema é que a estrutura de musical contado a partir de números com novas versões de canções famosas não consegue ter personalidade suficiente para encantar.

Na trama, Ella (Camila Cabello) é uma jovem que sonha em se tornar estilista e vender vestidos por todo o mundo, mas seus sonhos vão de encontro à realidade do reino, no qual mulheres apenas servem para serem esposas e donas de casa. Ela é constantemente maltratada pela madrasta, Vivian (Idina Menzel), que deseja arrumar bons maridos para as duas filhas. Enquanto isso, o rei Rowan (Pierce Brosnan) quer que o filho, o príncipe Robert (Nicholas Galitzine) encontre uma esposa para que ele possa ser anunciado como o próximo rei.

Crítica – Ele é Demais

 

Clássico da Sessão da Tarde, Ela é Demais (1999) era certamente um produto de seu tempo. Nem tudo que dá certo em uma época, no entanto, funciona bem depois, principalmente com uma premissa que depois foi bastante explorada e parodiada como a desse filme. Ainda assim, este Ele é Demais, produção original da Netflix, tentou uma nova leitura trocando os gêneros dos personagens, mas não funciona. Não pela oposição dos gêneros e sim porque toda a construção da aposta (que já era frágil no original) é ainda menos convincente neste remake.

Na trama, Padget (Addison Rae) é uma garota popular e influenciadora digital que esconde das amigas ricas que é pobre. Quando Padget passa vergonha na internet e perde os patrocínios de marca, faz uma aposta com Alden (Maddison Pettis), a garota mais rica do colégio, de que é capaz de tornar qualquer perdedor em um cara popular. O escolhido é Cameron (Tanner Buchanan, o Robbie de Cobra Kai), um rapaz sem muitos amigos que gosta de fotografia.