Crítica – Spree

 

De certa maneira, Spree não chega a falar nada sobre nossa relação pouco saudável com as redes sociais que já não tenha sido tido antes. Ainda assim, a produção dirigida por Eugene Kotlyarenko consegue envolver por sua mistura entre suspense e sátira social.

A trama segue Kurt (Joe Keery), um jovem que há uma década tenta emplacar como digital influencer, mas não consegue ter mais do que uma dúzia de seguidores. Desesperado por atenção, Kurt decide por um insano experimento social no qual ele resolve matar os passageiros do aplicativo para o qual dirige, transmitindo tudo ao vivo pelas redes sociais. Em um dado momento, Kurt pega uma comediante de sucesso, Jessie (Sasheer Zamata), e se torna obcecado em interagir com ela.

O filme é todo contado através dessas câmeras que Kurt instala em seu carro, além de outras câmeras de celulares e outros dispositivos. Eventualmente o filme acaba se tornando refém desse formato de found footage, com as pessoas continuando a filmar mesmo em situações que seria implausível que alguém continuasse a se preocupar em filmar com o celular ao invés da própria sobrevivência.

Crítica – Doutor Estranho no Multiverso da Loucura

 

O primeiro Doutor Estranho (2016) apresentava ao lado mais bizarro da Marvel, ainda que preso a uma trama excessivamente convencional que era basicamente uma versão com magia do primeiro Homem de Ferro (2008). Este Doutor Estranho no Multiverso da Loucura prometia levar as coisas ainda mais para o lado sombrio e psicodélico e graças à direção de Sam Raimi o filme cumpre o que promete.

Na trama, a viajante interdimensional America Chavez (Xochitl Gomez) chega ao nosso universo, sendo encontrada pelo Doutor Estranho (Benedict Cumberbatch) que tenta protegê-la dos poderosos seres que a perseguem. Para entender o poder de viajar entre universos possuído por America, o Doutor Estranho recorre à ajuda de Wanda (Elizabeth Olsen), mas a Feiticeira Escarlate tem seus próprios planos para a garota.

Colocar Stephen Strange para viajar pelo multiverso é uma ótima desculpa para que Raimi exercite sua capacidade de introduzir criaturas bizarras, visuais psicodélicos e momentos de horror que só não são mais impactantes pela baixa classificação indicativa do filme. Ainda assim, encontrei sustos que não esperava em uma produção voltada para o publico mais novo. A condução de Raimi consegue criar cenas bem singulares, como o segmento em que um Estranho zumbi comanda um exército de espíritos sombrios e que não soaria deslocado em um filme da franquia Evil Dead. Do mesmo modo, a ação usa de maneira criativa as diversas habilidades de heróis e inimigos, seja na luta contra Gargantos em Nova Iorque, seja no modo como America usa seus portais para lutar ou na batalha que envolve os Illuminati, a ação sempre tem algo inesperado a nos oferecer.

Crítica – Bugsnax: The Isle of Bigsnax

 

Um dos primeiros games lançados para PS5, ficando disponível gratuitamente na Playstation Plus, Bugsnax foi uma grata surpresa. O jogo me pegou por conta de seus quebra-cabeças criativos que envolviam capturar criaturas com aparência de comida e pelo modo como a trama dava guinadas sombrias perto do fim, contrastando com a aparência fofa e inocente. Agora que está também disponível para Xbox e Nintendo Switch, o jogo recebeu uma expansão gratuita em todas as plataformas chamada The Isle of Bigsnax.

A trama da expansão se passa antes da conclusão da campanha principal. Nela, uma nova ilha emerge próxima à ilha dos Bugsnax e seu personagem, acompanhado de outros membros da vila que você construiu ao longo do jogo, vai investigar a nova localidade. Chegando lá, descobrimos que essa ilha guarda novos e maiores Bugsnax e seus próprios mistérios. A campanha dessa nova expansão é relativamente curta, levando umas três horas para terminar.

Crítica – O Homem do Norte

 

Depois de explorar o folclore colonial dos Estados Unidos em A Bruxa (2015) e o folclore do mar em O Farol (2019), o diretor Robert Eggers mira seu interesse no folclore nórdico com este O Homem do Norte. É também o filme dele que mais se aproxima de uma sensibilidade mais comercial, embalando a narrativa como um grande épico hollywoodiano.

A trama é baseada no mito nórdico que inspirou William Shakespeare a escrever Hamlet. Se passa no século IX e acompanha o príncipe Amleth (Alexander Skarsgard), cujo pai, o rei Aurvandil (Ethan Hawke), é morto diante de seus olhos pelo tio Fjolnir (Claes Bang) quando o príncipe ainda era uma criança. Amleth foge, mas jura vingança e já adulto encontra o tio vivendo na Islândia e casado com sua mãe, a rainha Gudrun (Nicole Kidman). Se passando por escravo, ele passa a viver nas terras do tio enquanto espera o momento de atacar, mas aos poucos se aproxima da jovem Olga (Anya Taylor-Joy), que lhe dá outras razões para viver além da vingança.

Crítica – O Peso do Talento

 

Apesar de ser fã de Nicolas Cage e achar curiosa a premissa deste O Peso do Talento, temi que acabasse sendo um filme de uma piada só que tenta se sustentar apenas com Cage devorando o cenário como foi o caso de Eu, Deus e Bin Laden (2017). Felizmente isso não acontece aqui e O Peso do Talento é simultaneamente uma paródia da trajetória artística, digamos, errática de Cage, que vai de filmes premiados a completas porcarias, ao mesmo tempo que celebra a singularidade de seu estilo de performance e o legado de seus trabalhos.

Na trama, Nicolas Cage (Nicolas Cage) está endividado e prestes a desistir da carreira de ator para se reaproximar da filha, Addy (Lilly Mo Sheen). É nesse momento em que seu agente lhe passa uma oferta de um trabalho fácil que irá lhe render alguns milhões, basta comparecer à festa de aniversário do magnata espanhol Javi (Pedro Pascal), que o ricaço pagaria um alto cachê pela breve companhia de Cage. As coisas se complicam quando Cage chega à Espanha e é abordado pela agente da CIA Vivian (Tiffany Haddish). Vivian quer recrutar Cage para espionar Javi, que supostamente seria o líder de uma quadrilha internacional de tráfico de armas e sequestrou a filha de uma autoridade local.

Crítica – Cavaleiro da Lua

 

Tive minhas desconfianças quando os envolvidos com Cavaleiro da Lua, do diretor Mohamed Diab aos astros Oscar Isaac e Ethan Hawke, passaram a divulgação inteira se referindo à série como um estudo de personagem. Considerando o padrão das histórias dos filmes e séries da Marvel, no entanto, não imaginei que o produto final fosse levar isso a cabo, mas, de fato, os seis episódios colocam no centro o estudo da personalidade fraturada de seu protagonista. Isso, porém, não significa que a série seja livre de falhas.

Na trama, Steven (Oscar Isaac) é um pacato funcionário de museu que vê sua vida virar ao avesso quando começa a ser perseguido pelo misterioso líder de seita Arthur Harrow (Ethan Hawke). Aparentemente Harrow busca um artefato que lhe permitiria ressuscitar a cruel deusa egípcia Ammit e esse artefato estaria com Steven. A questão é que Steven tem uma personalidade alternativa, o aventureiro mercenário Marc Spector. Marc serve como avatar do deus Konshu (F. Murray Abraham) na Terra, se transformando no implacável Cavaleiro da Lua. Agora Marc/Steven precisa resolver sua personalidade fraturada ao mesmo tempo que impede Harrow de reviver Ammit.

O primeiro episódio já estabelece um claro tom anti-programático em relação ao que se espera de uma trama da Marvel. Todas as cenas de ação são abruptamente cortadas toda vez que Marc assume o lugar de Steven, com o personagem confuso em relação ao que aconteceu. Isso permite a trama focar nos dramas de seu protagonista, nas tensões entre ele e o deus Konshu e também no embate moral em relação a Harrow.

Drops – Silverton: Cerco Fechado

 

Baseado em um caso real, Silverton: Cerco Fechado acompanha um grupo de guerrilheiros anti-apartheid na África do Sul que, depois de uma ação dar errado, invadem um banco e tomam todos no local como reféns. Acuados, decidem aproveitar a situação e exigir a libertação de Nelson Mandela em troca da rendição deles e soltura dos reféns.

Poderia ser uma trama para falar sobre a questão do apartheid, sobre a legitimidade de movimentos revolucionários diante de governos autoritários ou questões de negritude e identidade. O problema é que o filme passa ao largo da maioria dessas ideias e prefere focar nos lugares-comuns de filmes que tratam sobre negociação de reféns. Temos aqui todas as situações que já vimos repetidas a todo momento, como os reféns tentando dialogar com os sequestradores, os sequestradores eventualmente brigando entre si por prioridades da missão ou o negociador da polícia que tenta manter todos seguros apesar de ser sabotado pelos superiores.

Apesar das situações conhecidas, o diretor Mandla Dube consegue sustentar o clima de tensão ao longo da projeção e também criar momentos importantes de choque e surpresa conforme vemos que as autoridades estão mais interessadas em calar os pedidos pela liberdade de Mandela do que a segurança dos reféns. Os atores também mantem a tensão, especialmente  Thabo Rametsi como Calvin Khumalo, líder dos revolucionários, que traz com intensidade a urgência da demanda do grupo e a revolta por viver em um estado racista.

Better Call Saul é um prelúdio feito do jeito certo

 

Não é segredo o quanto eu gosto de Better Call Saul. A cada nova temporada me surpreendo com a qualidade e a construção cuidadosa e sutil de seus personagens. Confesso que inicialmente não estava convencido de que poderia render algo tão bacana. Fazer um prelúdio de Breaking Bad parecia apenas um meio de capitalizar no sucesso da série protagonizada por Walter White (Bryan Cranston), mas o que Vince Gilligan vem entregando ao longo dessas seis temporadas (a sexta e última ainda está em curso) plenamente justifica a existência da série. Aviso que o texto a seguir pode conter SPOILERS da atual sexta temporada.

Crítica – Ozark: 4ª Temporada (Parte 2)

 

A primeira parte da quarta e última temporada de Ozark acabou com um gancho que me deixou ansioso pelos derradeiros episódios da série. Felizmente a Netflix adiantou a estreia da segunda parte da temporada final, diminuindo o tempo de espera. Há sempre o temor que uma série não consiga fazer todas as peças se encaixarem ao final, mas felizmente Ozark entrega um desfecho coerente. Aviso que o texto a seguir contem SPOILERS da temporada final.

Essa segunda parte começa no ponto em que a primeira parou. Com Ruth (Julia Garner) em busca de vingança contra Javi (Alfonso Herrera) depois dele ter matado Wyatt (Charlie Tahan) e Darlene (Lisa Emery). Claro, tudo isso representa um risco para os planos de Marty (Jason Bateman) e Wendy (Laura Linney), que posicionaram Javi como o sucessor de Omar Navarro (Felix Solis) no cartel e precisam dele para fecharem a parceria com a indústria farmacêutica que irá abastecer a fundação dos Byrde e permitir que se afastem do cartel.

Assim como na primeira parte, a trama é eficiente em dar a impressão de que a todo momento as coisas estão desmoronando para os Byrde. A impressão é que uma crise se entremeando na outra, tanto no nível do trabalho deles com o cartel, tanto a nível pessoal. Um exemplo é a chegada do pai de Wendy que insiste em fazer perguntas sobre o sumiço de Ben (Tom Pelphrey).

Crítica – Moonfall: Ameaça Lunar

 

Os filmes de Roland Emmerich nunca foram exatamente inteligentes e sempre usavam de maneira bem solta os conceitos científicos que ele usava. Ao menos, porém, produções como Independence Day (1996) ou O Dia Depois de Amanhã (2004) tinham uma certa autoconsciência da própria estupidez e conseguiam criar um senso de diversão ao redor de seus conceitos absurdos. O mesmo não acontece com este Moonfall: Ameaça Lunar, que não apenas leva a imbecilidade típica das tramas de Emmerich a patamares ainda mais elevados como também o faz sem qualquer espírito de diversão ou galhofa, levando tudo a sério e sendo tão cinzento que mais parece uma tentativa de Zack Snyder imitar o estilo de Emmerich. E não, isso não é um elogio.

Depois dos fracassos que foram Independence Day: O Ressurgimento (2016) e Midway: Batalha em Alto Mar (2019), grandes estúdios sabiamente passaram a não querer investir em Emmerich e para fazer Moonfall o diretor precisou levantar os 140 milhões de seu orçamento de produção (ou seja, o valor não leva em conta os custos de marketing e distribuição) de diferentes parceiros comerciais, incluindo companhias chinesas. Isso faz de Moonfall o mais caro “filme independente” estadunidense, o que seria um grande feito se não fosse tão pavorosamente ruim.