Crítica – Excluídos

 

Produção da Netflix, Excluídos tenta falar sobre desigualdade racial e preconceito na Inglaterra a partir de uma trama de suspense. É uma narrativa sobre alienação e assimilação, sobre pertencimento e exclusão, orgulho de ser quem é e ódio de si mesmo. Não são ideias simples e nem sempre as coisas são conduzidas com o cuidado que deveriam, mas a produção não deixa de apresentar provocações envolventes.

A trama é protagonizada por Neve (Ashley Madkwe) uma mulher negra que vive com o marido branco e os dois filhos em um idílico subúrbio britânico. Ela tem a vida que sempre desejou, trabalhando como vice-diretora em uma escola de elite e sendo respeitada em sua comunidade. Sua vida cuidadosamente construída, porém, começa a ser perturbada quando um casal de irmãos negros começa a aparecer em seu bairro, interagir com sua família e dizer que tem informações sobre seu passado.

De certa forma, o arco do filme é mostrar como uma elite branca só aceita pessoas negras quando elas se permitem serem assimiladas. Neve, por exemplo, não se permite ser vista sem sua peruca de cabelos lisos e seu tom de pele mais claro permite que ela chame menos atenção entre os brancos. Para ser vista como igual ela precisa parecer igual. Essa noção também está presente no diálogo entre Neve e o marido, Ian (Justin Salinger), no qual Ian exibe uma breve hesitação na voz ao dizer que aceitaria criar os filhos retintos de Neve de um relacionamento anterior.

Drops – O Menu

 

Depois de produções como White Lotus, Glass Onion ou este O Menu, filmes sobre ricos sendo ridicularizados tem se tornado praticamente um subgênero próprio. O Menu por vezes traz metáforas óbvias que operam em dicotomias simplistas, como a ideia de um restaurante como símbolo da nossa estrutura social, mas não deixa de ter comentários relevantes sobre o modo de vida dos ricos.

Na trama, Margot (Anya Taylor-Joy) vai com o namorado, Tyler (Nicholas Hoult), um entusiasta da gastronomia, para um restaurante localizado em uma remota ilha. O restaurante é chefiado pelo misterioso Chef Slowik (Ralph Fiennes), cuja excentricidade beira o fanatismo. Conforme a refeição começa, os presentes percebem que o chef tem planos sinistros para eles.

A trama retrata uma elite entediada, que exige espetáculos cada vez mais bizarros para ficar minimamente entretida, mostrando como seus luxos se dão a partir da humilhação e exploração dos outros. Mais que isso, mostra como essa elite pouco se importa com as consequências dessa exploração, já que muitos inicialmente continuam comendo como se nada estivesse acontecendo a despeito de toda bizarrice ao redor. Tirando Margot os demais personagens acabam não sendo muito desenvolvidos, se limitando a certos estereótipos que o filme acaba tendo pouco a dizer além de alguns lugares comuns sobre ricos. Com isso, o ótimo elenco coadjuvante com nomes como John Leguizamo, Hong Chau ou Janet McTeer fica subaproveitado.

Crítica – The Legend of Vox Machina: 2ª Temporada

 

A primeira temporada de The Legend of Vox Machina foi uma grata surpresa ao trazer uma história de fantasia medieval que conseguia traduzir a energia caótica e senso de humor de uma campanha de RPG de mesa com os amigos. A segunda temporada mantem o humor e nos faz conhecer mais sobre os heróis.

A trama segue onde o ano anterior parou, com dragões subitamente invadindo a capital. Autodenominados como o Clonclave Cromático, os dragões são liderados por Thordak, um poderoso dragão vermelho. Para ter uma chance contra os poderosos dragões o Vox Machina parte em uma jornada em busca dos Vestígios, itens de grande poder que seriam capazes de virar a batalha em favor deles.

Crítica – Sharper: Uma Vida de Trapaça

 

Filmes sobre golpes muitas vezes desmoronam sob a necessidade de sempre inserir uma reviravolta por cima da outra, um golpe mais surpreendente, ao ponto em que muitas vezes a trama vira uma grande bagunça. Sharper: Uma Vida de Trapaça, produção da AppleTV, consegue evitar isso e cria um elegante suspense que pende para o noir embora ao final suas constantes reviravoltas se tornem um pouco previsíveis.

A trama começa com Tom (Justice Smith), um jovem dono de livraria, se apaixonando pela misteriosa Sandra (Brianna Middleton). O casal vai aos poucos se aproximando e quando Sandra pede ajuda com uma grande quantia para salvar seu irmão, Tom não hesita em ajudar. O que Tom não imaginava é que Sandra fosse sumir logo depois, deixando evidente que tudo fora um golpe. A partir daí a narrativa vai e volta no tempo para mostrar as motivações de Sandra e outros envolvidos.

Como em um noir o crime aqui numa é um fato isolado, mas um longa e complicada teia de fios emaranhados de crimes se conectando a mais crimes criando o panorama de uma metrópole corrompida e hostil no qual todos só se preocupam em tirar vantagem. Dividido em capítulos que evidenciam cada um dos personagens, vamos descobrindo aos poucos que o golpe em Tom é apenas uma pequena peça em um esquema muito maior.

Crítica – A Baleia

 

Apesar de uma longa carreira ao longo dos anos 90 e na primeira década dos anos 2000, Brendan Fraser sumiu dos holofotes por um tempo em parte por alguns fracassos de bilheteria e em parte por ter denunciado assédio sexual na indústria durante um tempo em que fazer isso resultava em ser ostracizado. Fraser merecia uma carreira melhor e este A Baleia é um exemplo do quanto ele é capaz de entregar, apesar de uma direção que caminha em descompasso com o roteiro.

A narrativa é protagonizada por Charlie (Brendan Fraser), um homem morbidamente obeso que dá aulas online de literatura, mas nunca abre sua câmera aos alunos. Charlie está com um severo problema cardíaco e recusa tratamento médico, recebendo o prognóstico que tem uma semana para viver. Assim, Charlie se conforma com seu destino, tentando usar o tempo que resta para se reaproximar da filha, Ellie (Sadie Sink), embora a enfermeira Liz (Hong Chau), melhor amiga de Charlie, insiste em tentar salvá-lo.

Crítica – Alguém Que Eu Costumava Conhecer

 

Segundo filme do ator Dave Franco como diretor, escrito em parceria com sua esposa, Alison Brie, Alguém Que Eu Costumava Conhecer mistura drama e comédia para construir um estudo de personagem. A trama é centrada em Ally (Alison Brie) uma produtora de televisão que volta para sua pacata cidade natal depois que seu programa é cancelado. Lá ela reencontra o ex-namorado Sean (Jay Ellis) e começa a se reconectar com quem era na juventude, mas as coisas se complicam quando ela descobre que Sean está prestes a casar com Cassidy (Kiersey Clemons).

A coisa rapidamente vira uma quase imitação de O Casamento do Meu Melhor Amigo (1997) e o filme meio que reconhece isso em um diálogo. Não que ele use essa referência para fazer qualquer tipo de paródia ou comentário, ele apenas cita um filme melhor que você preferiria estar vendo do que esse material insosso. Um dos principais problemas é que a trama é bastante vaga nas motivações de Ally em se juntar à comitiva de Sean. Se no filme estrelado por Julia Roberts ela tinha a clara intenção de sabotar o casamento, aqui o texto nunca deixa claro o que Ally realmente deseja. Ela quer se reconectar com o passado? Ela quer saber se Cassidy é digna de Sean? Ela quer sabotar o casamento?

Crítica – Triângulo da Tristeza

 

Em The Square: A Arte da Discórdia (2018) o diretor Ruben Ostulund comentava sobre a fragilidade da civilidade e as hipocrisias fúteis dos mais ricos de uma maneira tão abrangente que chegava a ser superficial. Em Triângulo da Tristeza ele faz mais do mesmo e repete os mesmos problemas.

A trama começa acompanhando o casal de modelos Carl (Harris Dickinson) e Yaya (Charlbi Dean) que ganham uma viagem em um cruzeiro de luxo. Lá eles encontram vários ricaços excêntricos como passageiros e a trama acompanha as tensões entre passageiros e tripulação. A situação muda depois que o navio é atacado por piratas e todos são deixados em uma ilha deserta, precisando depender das habilidades da tripulação para sobreviver.

Assim como em seu filme anterior, Ostlund comenta sobre a alienação dos mais ricos e como eles tratam quem está abaixo deles como objetos a serem dobrados segundo suas vontades e caprichos, além de comentar de como o verniz de civilidade e polidez que envolve as relações sociais é facilmente diluído em situações de crise. Não apenas não há nada de novo aqui, como a produção se estende mais do que necessário em comentários redundantes, metáforas óbvias e escatologia simplória.

Crítica – Homem-Formiga e a Vespa: Quantumania

 

Depois de ter a presença sugerida em outras produções da Marvel, Homem-Formiga e a Vespa: Quantumania finalmente introduz o vilão Kang, a próxima grande ameaça a ser enfrentada pelos heróis. O filme não é livre de problemas, mas mostra como Kang faz juz a toda expectativa criada sobre ele.

A trama mostra Scott (Paul Rudd) tentando se reconectar com a filha, Cassie (Kathryn Newton). Quando ela cria uma espécie de telescópio para o reino quântico, isso desperta temor em Janet (Michelle Pfeiffer), que tenta desligar o aparelho. Antes que consigam, porém, Scott, Cassie, Janet, Hope (Evangeline Lilly) e Hank (Michael Douglas) são arrastados para o reino quântico. Lá eles precisam sobreviver aos estranhos perigos do local e ao temível Kang (Jonathan Majors), que vê nas partículas Pym um meio de finalmente sair do reino quântico.

Drops – Nada de Novo no Front

 

O seminal livro Nada de Novo no Front e seu retrato desolador da Primeira Guerra Mundial já foi adaptado mais de uma vez para os cinemas, com versões hollywoodianas famosas na década de 1930 e na de 1970. Essa produção alemã homônima lançada pela Netflix traz o mesmo senso de devastação, mas não tem nada a dizer que não tenha sido dito antes.

A trama acompanha o soldado Paul Baumer (Felix Kammerer), que deixa a escola para servir no exército alemão durante a Primeira Guerra acreditando que deve fazer isso por dever patriótico. A história então segue o cotidiano de morte e destruição que Paul vivencia ao longo dos anos de conflito.

Tecnicamente o filme é impecável na sua reconstrução da época e de toda violência e sujeira que envolvia o combate de trincheiras. Ele exibe de maneira bastante explícita as consequências horríveis de toda a brutalidade do combate, bem como a existência suja do cotidiano das trincheiras quando uma infecção ou intoxicação alimentar podiam te matar com tanta facilidade quanto armas inimigas. A fotografia preza pelo uso de cores frias e em baixa saturação para dar a impressão de que aqueles espaços são desprovidos de calor humano, desoladores e em certos momentos até mesmo hostis.

Crítica – Batman e Superman: Batalha dos Super Filhos

 

Conheço mais Damian Wayne (por conta do arco do Grant Morrison com o Batman) do que Jonathan Kent e nunca tinha visto nenhuma história dos dois interagindo, então não sabia muito o que esperar deste Batman e Superman: Batalha Super Filhos. Felizmente o resultado é uma aventura divertida, que explora bem o conflito entre os protagonistas e seus pais.

Na trama, Jonathan Kent tem uma relação um pouco distante com o pai. Na ótica do garoto, o pai passa mais tempo preocupado com seu trabalho como repórter do que com ele. As coisas mudam no aniversário de Jonathan quando ele manifesta poderes e Clark revela a ele que é o Superman. Clark procura ajuda do Batman para saber se Jonathan irá manifestar seus mesmos poderes e nessa viagem Jonathan entre em atrito com o agressivo Damian, filho do Batman e seu atual Robin. Damian, no entanto, é obrigado a recorrer a Jonathan depois que Batman, Superman e toda a Liga da Justiça são dominados pelo vilão Starro.