Crítica – Tempestade

 

Criado originalmente como minissérie para o fracassado streaming Quibi (cuja proposta girava em torno de conteúdos curtos) Tempestade teve seus doze episódios de cerca de sete minutos remontados em um longa metragem provavelmente para tentar alcançar um público maior do que o de um streaming que fechou depois de seis meses. A proposta parece ser a de uma trama de sobrevivência e superação, mas é tão igual a outras narrativas similares e tão atrapalhado na construção da mensagem, que sobra pouco para aproveitar.

A trama é protagonizada por Jane (Sophie Turner), uma jovem depressiva internada em uma clínica que planeja se suicidar assim que sair da instituição para uma visita de Natal à família. A ideia é fazer isso no voo para casa, mas o avião cai numa região montanhosa tendo ela e outro passageiro, Paul (Corey Hawkins), como sobreviventes. Agora os dois precisam trabalhar junto para encontrarem um meio de serem resgatados.

Rapsódias Revisitadas – As Pontes de Madison

 

Lançado em 1995 e adaptando um romance escrito por Robert James Waller, As Pontes de Madison é uma narrativa sobre busca e desejo. Não necessariamente desejo sexual, mas o desejo por conexões humanas, por uma existência com significado e um senso de pertencimento. Um sentimento que quando encontrado por nos arrebatar e modificar para sempre, independente de uma curta duração.

A trama é protagonizada por Francesca (Meryl Streep) uma dona de casa do interior de Iowa na década de 60 que fica com quatro dias só para si quando o marido e os filhos viajam para uma feira agrícola. É aí que ela conhece o fotógrafo Robert Kincaid (Clint Eastwood) que está na região para fotografar as pontes cobertas da área para a revista National Geographic. Ambos se conectam e vivem um caso de amor nesses quatro dias que muda a trajetória deles para sempre.

A narrativa vai aos poucos construindo a conexão entre os dois personagens, que começa a partir de uma troca amistosa e de uma curiosidade genuína sobre o outro, aos poucos se desenvolvendo em uma forte conexão afetiva conforme eles vão se reconhecendo um no outro. São duas pessoas marcadas por seus fortes anseios por significado em suas relações, ambos se sentindo à deriva em suas vidas e, cada um ao seu modo, isolados. Considerando o curto período de tempo em que a narrativa se passa, dar a sensação de um caso assim poderia ter um impacto tão grande na vida dessas pessoas poderia ser difícil de tornar convincente, mas a trama é eficiente em fazer o espectador entender o peso disso para os dois personagens.

Lixo Extraordinário – Super Mario Bros (1993)

 

A Nintendo conseguiu fazer uma boa adaptação de seus games com a animação Super Mario Bros: O Filme, mas essa não foi a primeira tentativa de levar as aventuras do encanador bigodudo para as telonas. A honra pertence a Super Mario Bros, lançado em 1993 e que ao invés de animação era feito com atores. O resultado foi tão atroz que a Nintendo levou décadas sem querer levar suas propriedades ao cinema até que a recente animação finalmente quebrou a resistência da empresa e fez um grande sucesso.

O filme teve uma produção conturbada, sendo dirigido por um casal (Annabel Jenkel e Rocky Morton) em seu primeiro longa-metragem e que não tinham muita noção do material ou controle da situação. O fracasso retumbante do filme, por sinal, fez que os dois não voltassem a dirigir outro filme em Hollywood. Ao longo dos anos os atores Bob Hoskins e John Leguizamo falaram inúmeras vezes da relação ruim que tinham com os diretores e que para suportar o péssimo ambiente de trabalho bebiam bastante e estavam constantemente bêbados no set. Isso inclusive levou Hoskins a se machucar durante a gravação de uma das cenas de ação.

Drops – Kill Boksoon

 

Começando com uma intensa cena de ação em seus primeiros minutos, a impressão que a produção coreana Kill Boksoon dá a seus espectadores é de assistiremos uma trama focada na pancadaria entre os membros de seu universo de assassinos. O produto final, porém, tenta equilibrar a ação, os dramas pessoais de sua protagonista e construir seu universo de organizações criminosas, mas nem tudo se sai bem.

Na trama, Gil Bok-soon (Jeon Do-Yeon) é uma renomada assassina do submundo criminoso da Coreia do Sul. Em sua vida privada ela é mãe solo de uma adolescente e luta para conseguir equilibrar sua profissão com a maternidade. É uma ideia divertida, de se concentrar nas ações mundanas dessa assassina extraordinária, observando ela como mais uma mulher tentando manejar carreira e filhos. O filme é mais sobre a relação dela com a filha do que sobre ação explosiva.

Crítica – Império da Luz

 

Dirigido por Sam Mendes, Império da Luz tenta falar sobre solidão, nostalgia e o poder do cinema, mas nem sempre consegue costurar todas as suas ideias em um conjunto coeso. O cenário na Inglaterra da década de 80 parece evocar experiências pessoais do diretor, embora não seja um filme calcado na relação dele próprio com o cinema como aconteceu em produções como Belfast (2021) ou Os Fabelmans (2022).

A narrativa se passa em uma pequena cidade litorânea da Inglaterra. Hilary (Olivia Colman) é uma mulher solitária de meia idade que parece ter perdido o ânimo, fazendo tudo mecanicamente, inclusive sexo com o dono (Colin Firth) do cinema no qual trabalha, muito por causa da pesada medicação que ela toma depois de um período internada por problemas mentais. As coisas mudam quando ela tem que treinar o novo funcionário, Stephen (Micheal Ward), um jovem negro cheio de energia. Aos poucos eles se aproximam e aprendem mais sobre o outro.

Olivia Colman é ótima em nos fazer perceber as várias camadas e variações bruscas de humor de Hilary. Com um olhar que evoca fragilidade e solidão, mas também uma quantidade enorme de frustração por uma que ela vem deixando passar diante dela embora ainda guarde uma fração de esperança de encontrar felicidade. Sentimos a dor que ela carrega, inclusive por afastar as pessoas ao seu redor com seu jeito abrasivo, e o desejo de transformar a vida. Colman nos faz embarcar na jornada de Hilary mesmo quando o roteiro não desenvolve bem seus caminhos.

Crítica – Campeões

 

Responsáveis por várias comédias nos anos 90 e início dos anos 2000, os irmãos Farrely vem se dedicando a empreitadas solo na direção. Enquanto Peter conduziu produções problemáticas como Green Book (2018) e Operação Cerveja (2022), Bobby Farrely dirigiu Campeões, remake da produção espanhola Campeones (2018). Trata-se de uma história bem típica de esporte e superação, mas que envolve pelo carisma e afeto de seus personagens.

Na trama Marcus (Woody Harrelson) é um irascível técnico de basquete cujo descontrole impediu o progresso da carreira. Depois de ser preso por dirigir embriagado e colidir com uma viatura de polícia, Marcus é condenado a prestar serviço comunitário treinando um time local de atletas paraolímpicos. Logicamente o jeito esquentado de Marcus entra em atrito com as personalidades dos jogadores com Síndrome de Down, mas aos poucos ele vai entendendo como se relacionar com eles, inclusive com a ajuda da irmã de um dos jogadores, Alex (Kaitlin Olson, a Dee de It’s Always Sunny in Philadelphia).

Drops – Super Mario Bros: O Filme

 

Depois de uma malfadada tentativa de levar os games do Mario Bros aos cinemas na década de 90 em um live action estrelado por Bob Hoskins e John Leguizamo, a Nintendo faz uma segunda tentativa de levar esse universo aos cinemas em forma de animação. O cenário é logicamente diferente, afinal agora as adaptações de games vem se provado bem sucedidas tanto no cinema e na televisão, vide os sucessos comerciais dos filmes do Sonic ou de séries como Cyberpunk: Mercenários, Castlevania ou Cuphead.

A trama é tão simples quanto nos games, Mario é um encanador do Brooklyn que cai por acidente em outro universo, o Reino dos Cogumelos. Lá ele se alia à princesa Peach para derrotar Bowser e resgatar Luigi, que foi capturado pelo vilão. O estúdio Illumination, responsável por Meu Malvado Favorito, conduz todo o filme com seu estilo de trama ágil, com muita coisa acontecendo, piadas sucessivas, mas superficial no modo como trata seus personagens.

Drops – A Mãe

 

É curioso que Niki Caro, responsável por filmes mais contemplativos como A Encantadora de Baleias (2002) ou Terra Fria (2005) tenha optado por fazer um filme de ação como esse A Mãe para a Netflix. Tudo bem que ele insere reflexões sobre o feminino e outros temas que lhe são caros, mas o texto não parece casar com as sensibilidades da diretora.

Na trama Lopez é uma agente que se envolve na busca por criminosos perigosos. Quando uma missão dá errado e um deles escapa deixando a agente com uma perfuração na barriga, ameaçando a sua gravidez, os superiores da protagonista acreditam que o melhor que ela pode fazer para deixar a filha segura é colocá-la para adoção. Doze anos depois os criminosos reaparecem em busca de vingança e sequestram a garota Zoe (Lucy Paez). Agora cabe à mãe resgatar a filha e acabar com a ameaça de uma vez por todas.

Crítica – Homens Brancos Não Sabem Enterrar

 

Lançado em 1992, Homens Brancos Não Sabem Enterrar era uma comédia ágil e divertida que funcionava principalmente por conta da química entre Woody Harrelson e Wesley Snipes. Já a atual versão de Homens Brancos Não Sabem Enterrar, lançada direto em streaming, carece do charme e da comicidade do original, além de tentativas de atualizar debates raciais que não levam a lugar algum.

A trama é bem similar ao original. Dois jogadores de basquete amador, Kamal (Sinqua Walls) e Jeremy (Jack Harlow), acostumados a usar o próprio talento para ganhar dinheiro em partidas de rua, se juntam para competirem em um torneio amador cujo prêmio é uma bolada em dinheiro. Eles, no entanto, precisam superar suas diferenças, além das frustrações pessoais em nunca terem conseguido se tornar profissionais.

Crítica – Creed 3

 

Eu queria ter gostado mais de Creed 3, mas é tão parecido com Rocky 3 (1982) que fica a impressão de que esses filmes já não tem mais para onde ir a não ser repetir as fórmulas dos anteriores. Assim como Rocky 3 o protagonista enfrenta um vilão bruto e afeito a ofensas públicas, ele perde uma figura muito próxima de si (Mickey em Rocky 3 e a mãe de Adonis aqui), um antigo rival ajuda o protagonista a treinar (sem cena homoerótica na praia dessa vez) e várias outras semelhanças. É tudo tão parecido e maniqueísta que a trama se torna completamente previsível.

Tudo bem que Damian (Jonathan Majors) é menos unidimensional que o vilão vivido por Mr.T em Rocky 3. Aqui Damian tem uma motivação compreensível para agir da maneira que age, sentindo que tem algo a provar para o mundo, recuperar o tempo que perdeu na prisão e um sentimento de abandono em relação a Adonis (Michael B. Jordan) que se tornou um odioso rancor. Apesar de compreendermos isso, Damian é claramente o vilão da história e esse maniqueísmo fica registrado na luta final entre os dois com Adonis de calção e luvas brancas enquanto Damian está todo de preto, uma versão do boxe para o clichê clássico do “chapéu branco” e “chapéu preto” do faroeste.