Crítica – BlackBerry

 

Hollywood se interessou em contar várias histórias de produtos em 2023. Tivemos Air, Tetris, Flaming Hot e The Beanie Bubble, todos de alguma maneira usando histórias de produtos ou pessoas de sucesso para confirmar todos os mitos sobre o capitalismo e empreendedorismo. Pensei que BlackBerry poderia ser mais uma dessas produções, mas a produção acertadamente vai na contramão de outras histórias de produtos para refletir que não existe garantia de sucesso, que você pode “trabalhar enquanto eles dormem”, ser o melhor no faz, dar tudo de si e ainda assim fracassar.

Alguns poderiam dizer que é um retrato pessimista, mas eu diria que é uma visão realista de como as coisas funcionam no mundo capitalista no qual nem tudo é mérito individual e que nos lembra como são ingênuas noções de que tudo vai dar certo se você simplesmente se dedicar e fazer por merecer. A trama conta a história real de ascensão e queda do BlackBerry, o primeiro smartphone, que dominou o mercado por alguns anos até ser completamente obliterado pela Apple e seu iPhone. Acompanhamos o engenheiro Mike Lazaridis (Jay Baruchel) e o executivo Jim Balsillie (Glenn Howerton) conforme eles tomam o mercado de telefonia móvel com um produto que ninguém pensava ser possível de fazer.

Rapsódias Revisitadas – Jamaica Abaixo de Zero

 

Perdi as contas de quantas vezes assisti Jamaica Abaixo de Zero na Sessão da Tarde na TV quando criança. Eu gostava tanto do filme que cheguei a gravar o filme VHS pra rever quando quisesse. Como em 2023 ele comemora 30 anos de seu lançamento em 1993, resolvi falar um pouco sobre ele.

A trama se baseia na história real da formação de uma equipe jamaicana de corrida trenó para as Olimpíadas de Inverno de 1988. Um esporte de inverno em uma ilha tropical é uma ideia tão insólita que é fácil entender porque a Disney quis transformar isso em filme. No filme a narrativa é centrada em Derice (Leon) um velocista que sonha em representar o país nas Olimpíadas. Quando um acidente na classificatória tira de Derice as chances de competir, ele busca outras alternativas ao sonho olímpico. É aí que ele conhece Irv (John Candy), estadunidense radicado em Kingston que anos atrás tentou convencer o pai de Derice a formar uma equipe de trenó com velocistas jamaicanos. Apesar de afastado do esporta há décadas, Irv relutantemente aceita treinar Derice e a equipe formada por ele.

Crítica – Camaleões

 

Estrelado por Benicio del Toro e Justin Timberlake, Camaleões é mais uma daquelas tramas investigativas que tenta seguir o tom realista e sorumbático das produções dirigidas por David Fincher, mas sem alcançar  impacto ou a precisão da condução do diretor. A trama gira em torno do detetive Nichols (Benicio del Toro), transferido para uma nova cidade depois que seu parceiro anterior é pego em um escândalo de corrupção e Nichols é inocentado, sendo marcado como delator. O detetive é incumbido de investigar o assassinato de uma jovem corretora de imóveis que namorava um dos empresários mais proeminentes da cidade, Will (Justin Timberlake).

Conforme a investigação progride, o que parecia ser um crime brutal e inexplicável vai aos poucos se conectando com negócios escusos da elite da cidade, traficantes de drogas e a própria polícia ao ponto em que Nichols não sabe em quem confiar, já que até a família de sua esposa, Judy (Alicia Silverstone), parece estar envolvida. Se no início o brutal assassinato dá a impressão de uma intenção específica, como se fosse um trabalho de serial killer, as coisas vão se tornando mais banais conforme a verdade começa a aparecer e todo o pano de fundo de corrupção policial se torna mundano demais diante de toda a atmosfera soturna que o filme tenta construir.

Crítica – Dezesseis Facadas

 

Misturando viagem no tempo com um serial killer saído diretamente de um terror slasher, Dezesseis Facadas parte de uma premissa insólita para produzir um misto de comédia e suspense bem divertido. A mistura poderia render algo tonalmente bagunçado, mas a produção é competente em equilibrar as várias facetas de sua narrativa de maneira equilibrada.

A trama é protagonizada por Jamie (Kiernan Shipka), uma garota que foi criada pela mãe, Pam (Julie Bowen), para sobreviver qualquer tipo de ataque depois que Pam passou pelo trauma na adolescência de ver todas as amigas mortas por um serial killer mascarado. Décadas depois o assassino reaparece para atacar Pam e Jamie, com Jamie acidentalmente ativando o protótipo de uma máquina do tempo que uma amiga fez para a feira de ciências da escola, levando a protagonista à década de 80. Lá Jamie encontra uma versão adolescente de Pam (Olivia Holt) e precisa usar seu conhecimento do futuro para que as amigas da mãe não sejam assassinadas.

Crítica – Meu Nome é Gal

 

As cinebiografias de músicos são um constante filão explorado pelo cinema brasileiro. Meu Nome é Gal é o exemplar mais recente dessa tendência, contando a história da cantora Gal Costa e sua importância para a MPB. É um projeto que começou a ser tocado com a cantora ainda viva, pensado como uma celebração de seu legado e uma homenagem em vida para ela, ao contrário de muitas biografias feitas após a morte de artistas.

A trama foca na ascensão de Gal Costa (Sophie Charlotte) como cantora, em especial a partir de sua colaboração com os músicos do movimento do Tropicalismo e como ela usou a arte para comentar sobre a política brasileira e sobre a opressão da ditadura militar. Como muitas cinebiografias de músicos, a trama sofre com um ritmo muito episódico, saltando rapidamente no tempo entre vários momentos apesar de acompanhar um período relativamente curto da vida da personagem.

Crítica - Castlevania: Noturno

 

Considerando que Castlevania foi um dos primeiros sucessos da Netflix em adaptar um game como série animada era estranho que eles tenham encerrado na quarta temporada. Sim, a história de Trevor Belmont tinha acabado, mas existiam dezenas de outras histórias a serem contadas nesse universo que podiam se apoiar em mais de 30 anos de games. Por isso não foi nenhuma surpresa quando anunciaram este Castlevania: Noturno que saltaria no tempo para a revolução francesa para acompanhar Richter Belmont, protagonista de Castlevania: Rondo of Blood e figura central do excelente Castlevania: Symphony of the Night.

Claro, o fato de ter um novo título ao invés de ser uma nova temporada de Castlevania soa como uma decisão estranha, embora as informações sobre royalties em TV e streaming que saíram durante a recente greve de roteiristas revelam que há uma motivação financeira por colocá-la como uma nova série ao invés de ser quinta temporada de Castlevania.

Crítica – Cassandro

 

Dentro da luta livre, cada combatente encarna um personagem com traços bem definidos e uma função específica para cumprir dentro da luta. É menos sobre uma luta em si e mais um espetáculo que se constrói em cima de narrativas relativamente maniqueístas com heróis, vilões, protagonistas e coadjuvantes bem definidos. Cassandro, produção da Prime Video, conta a história real de um lutador que desafiou a função de seu papel e com isso desafiou a própria maneira como a sociedade lidava com homens gays.

A trama gira em torno de Saúl (Gael Garcia Bernal) um jovem gay que deseja se tornar um astro da cena de lucha libre mexicana na cidade de El Paso, Texas. É um ambiente extremamente impregnado de um tipo arcaico de masculinidade e Saúl inicialmente se contenta em criar um personagem que se adequa ao arquétipo do “fraco” para ter chance de obter uma narrativa em que ele vença como azarão. Todos dizem que ele deveria usar sua criatividade e extravagância para ser um “exótico”, mas ele se recusa pelo fato de que os exóticos nunca ganham lutas. Cansado de fugir de si mesmo, eventualmente Saúl decide criar um personagem exótico em Cassandro, um gay extravagante que vai na contramão dos tipos machos da lucha libre, decidido a mudar a narrativa e fazer um exótico vencer.

Crítica – Ahsoka

 

A primeira vez que vi Ahsoka Tano foi no longa animado Star Wars: Clone Wars e eu a detestei. Parecia uma personagem criada numa reunião de executivos desesperados por fazer Star Wars ter apelo a jovens garotas e disso saiu o que parecia ser o modo como um bando de homens de meia idade achavam que garotas pré-adolescentes se comportavam. Era uma personagem irritante que destoava do resto do universo de Star Wars e parecia não ter futuro.

Felizmente o produtor Dave Filoni conseguiu reverter essa impressão ao longo da série animada Clone Wars e expandiu ainda mais a personagem na animação Rebels. Nas duas séries Filoni conseguiu redimir a trilogia prelúdio usando a relação entre Ahsoka e Anakin para dar mais contexto à eventual queda de Anakin ao lado sombrio. Agora na série Ahsoka Filoni se coloca à caminho de redimir também a trilogia sequência, ampliando nosso entendimento do que aconteceu após a queda do Império e os desafios da Nova República, elementos que a última trilogia aludiu apenas vagamente, falhando em dar o devido peso ou importância às ameaças que se apresentavam.

Crítica – Carga Máxima

 

Começando com uma cena de ação que mostra um roubo de caminhão, a produção brasileira Carga Máxima exibe de cara sua inspiração no primeiro Velozes e Furiosos. Isso em si não é um problema, derivações são feitas o tempo todo na indústria do audiovisual, a questão é que muitos elementos do filme não funcionam como deveriam.

A trama gira em torno de Roger (Thiago Martins) um piloto de fórmula truck que perde tudo depois que seu pai e dono de sua equipe morre em um acidente. Para manter a equipe de pé, o piloto aceita a proposta do bicheiro Odilon (Evandro Mesquita) para dirigir caminhões roubados e levar a carga em segurança ao seu destino, colocando o piloto para participar de audaciosos roubos.

O principal problema é como a trama se move tão rápido que não há tempo nenhum para construir as relações entre os personagens. Mal conhecemos a relação complicada entre Roger e o pai e ele já morre em um acidente tão súbito que soa quase cômico. A amizade entre Roger e seu mecânico, Danilo (Raphael Logam) tem um desfecho previsível, já que o mecânico constantemente fala que está fazendo tudo aquilo para sustentar a filha, o que nesse tipo de filme invariavelmente significa que ele irá morrer. De maneira semelhante, a trama não dá tempo para construir a relação paternal entre Roger e a filha de Danilo ou para a rivalidade que se torna romance com a pilota Rainha (Sheron Menezzes).

Crítica – Atlanta: 4ª Temporada

 

A quarta e última temporada entrega mais uma dezena de episódios repletos de um surrealismo singular que reflete sobre a realidade contemporânea dos Estados Unidos sob os olhos de pessoas negras e o caráter de absurdo que muitas dessas experiências tem. Como em outras temporadas, os episódios funcionam mais como narrativas autocontidas, que dão alguns vestígios das transformações ocorridas em cada personagem do que uma trama devidamente serializada.

O primeiro episódio já nos lembra do caráter surrealista da série com a trama de Darius (Lakeith Stanfield) sendo perseguido por uma senhora branca de cadeira de rodas que tenta esfaqueá-lo por achar que ele roubou uma airfryer de uma loja quando Darius na verdade comprou o produto. Tal como uma versão geriátrica de Jason, a velhinha sempre aparece do nada em sua cadeira de rodas sempre que o personagem acha que está seguro.