Crítica – Crescendo Juntas

 

Adaptando o romance Are You There God? It’s Me Margaret, de Judy Blume, o filme Crescendo Juntas é uma típica história de amadurecimento e descobertas que envolvem a chegada da adolescência. Apesar de ser um tipo de história similar a várias outras que já vimos, o filme conquista pela sua sensibilidade e doçura.

A trama se passa em 1970 e é protagonizada por Margaret (Abby Ryder Fortson), uma garota prestes a fazer 12 anos que começa a contemplar as mudanças trazidas pela adolescência. Ela também lida com uma mudança literal, já que sua família se muda de Nova Iorque para os subúrbios de Nova Jersey, começando em uma nova escola e precisando fazer novas amizades.

A narrativa traz tópicos presentes em muitas tramas sobre juventude, como a primeira menstruação, o primeiro sutiã ou o despertar do interesse por garotos. São temas passíveis de discussão franca e aberta hoje, mas não tanto na época em que a história se passa e na qual o livro foi escrito. É um período onde não há internet, informação não estava disponível tão fácil e mesmo locais de aprendizado, como a escola, lidavam com esses temas de maneira relativamente tabu.

O texto, porém, evita que tudo isso soe excessivamente didático ao enquadrar tudo sob a perspectiva de Margaret e transitar com bastante sensibilidade entre esses temas, fugindo de simplismos que diluiriam suas ideias. A trama também é esperta ao não eleger vilãs para a história, entendendo a imaturidade de suas personagens e como muito das ações dessas garotas são movidas por senso de insegurança e necessidade de pertencimento. Assim, mesmo quando Nancy (Elle Graham), uma garota que posava de avançada e já desenvolvida, é revelada como mentirosa, a narrativa trata isso mais como uma evidência da fragilidade da menina e seu desejo desesperado de adequação do que como uma falha moral de seu caráter, entendendo que jovens eventualmente fazem besteira, agem com imaturidade e se magoam.

Muito da sensibilidade do filme vem também do elenco. A jovem Abby Ryder Fortson traz uma doçura e ingenuidade encantadora a Margaret e estabelece uma química afetuosa com o resto da família, o pai, Herb (Benny Safdie), a mãe, Barbara (Rachel McAdams), e especialmente a avó paterna, Sylvia (Kathy Bates), que funciona como um porto seguro para a garota. As relações entre esses personagens estabelecem um lar cheio de calor humano que contribui para o olhar afetuoso que o filme constrói sobre juventude.

Inclusive a fotografia preza por tons de sépia, com matizes de laranja e marrons, que parecem evocar uma certa nostalgia pelo passado e pela infância. Esse componente visual de nostalgia ajuda a justificar o retrato mais inclusivo que faz da vida suburbana nos EUA da década de 70, aqui mostrado como um espaço mais inclusivo e menos preconceituoso do que realmente era. Esse retrato soa menos como uma tentativa de reescrever ou romantizar a história e mais com o fato de tudo ser filtrado pela subjetividade de Margaret, que observa tudo com sua ingenuidade infantil e, talvez por isso, não atente para certas coisas.

Isso não significa, no entanto, que o filme faça um retrato completamente idílico da sociedade estadunidense na década de 70. Como o cerne do conflito de Margaret está em sua relação com deus por ter uma mãe cristã e um pai judeu, a narrativa explora como intolerância ou imposição religiosa pode afastar as pessoas ao nos informar que Barbara foi expulsa de casa pelos pais conservadores cristãos ao se relacionar com o judeu Herb. A descoberta desses fatos por Margaret representa a mudança na visão que temos de nossos pais conforme crescemos. Se na infância os vemos como super-heróis infalíveis, conforme chegamos na adolescência vamos percebendo a humanidade e como eles são pessoas com falhas e problemas como quaisquer outras.

O debate sobre a relação de Margaret com deus e que caminho ela deveria seguir em sua vida espiritual é inteligentemente deixado em aberto para a interpretação do espectador, evitando assim respostas fáceis sobre algo tão complexo e reconhecendo que esse é um elemento íntimo de cada sujeito a ser resolvido dentro da subjetividade de cada um. Assim, ainda que se estruture como uma típica história de amadurecimento, Crescendo Juntas envolve pela doçura de sua protagonista e pela sensibilidade com a qual transita sobre seus temas de juventude.

 

Nota: 8/10

Trailer

Crítica – Dinheiro Fácil

 

Fortunas são construídas e perdidas rapidamente no mercado financeiro. Investimentos na bolsa muitas vezes soam como um cassino e como tal, tem seus vícios nos resultados. Dinheiro Fácil é um filme que serve de lembrete de como os super ricos colocam o dedo na balança do mercado e viciam os resultados a seu favor, não dando nenhuma chance para que trabalhadores e assalariados consigam ganhar algo.

A trama se baseia na história real de Keith Gill (Paul Dano), bancário e analista financeiro que percebeu em 2020 que o mercado estava subvalorizando as ações da loja de games Gamestop. A franquia de lojas se mantinha aberta durante a pandemia por vender dispositivos eletrônicos considerados de primeira necessidade, mas grandes fundos de investimento compravam ações da empresa a descoberto apostando em sua queda. A tese de Gill era de que o mercado estava criando uma espécie de “profecia auto realizável”. Ao apostar bilhões na desvalorização, eles instigariam o resto do mercado a apostar junto, efetivamente fazendo outras pessoas investirem na queda das ações, quebrando a empresa, desempregando milhares e fazendo esses bilionários ainda mais ricos sem terem produzido efetivamente nada.

Crítica – Napoleão

Dirigido por Ridley Scott, Napoleão funciona mais como um estudo de personagem do que como um épico histórico. Digo isso porque a trama é mais interessada na relação de seu personagem título com esposa e o que motiva suas ações do que em grandes batalhas ou em todo o contexto das Guerras Napoleônicas. Não que essa escolha seja um problema, apenas aviso para que ajustem suas expectativas.

A trama acompanha Napoleão (Joaquin Phoenix) a partir de sua ascensão no exército após a revolução francesa. Com suas primeiras vitórias ele se consolida em uma posição de liderança e se casa com a bela Josefina (Vanessa Kirby) enquanto suas ambições o impelem a almejar cada vez mais.

O filme é, em essência, um estudo sobre essa ambição desmedida que coloca a busca por grandeza acima de tudo, sacrificando até mesmo a relação com a mulher que ama, e o que impele essa busca. A narrativa constrói Napoleão como um bruto vulgar dotado de certo complexo de inferioridade por vir de uma família humilde ao contrário dos aristocratas ricos que o cercam. Assim, o personagem age como se sempre tivesse algo a provar e seu desejo de conquista, bem como a vaidade com a qual exibe sua inteligência tática, se mostram fruto dessa tentativa de ser visto como alguém grandioso.

Rapsódias Revisitadas – A Negação do Brasil

 

O debate sobre representatividade negra no audiovisual tem recebido bastante atenção nos últimos anos, mas no meio da arte ele já era objeto de discussão faz muito tempo. Lançado em 2000 o documentário A Negação do Brasil, de Joel Zito Araújo, visa discutir as presenças e ausências da representação negra nas telenovelas brasileiras, mostrando como desde os anos 60 artistas negros já tentavam dar mais visibilidade a pessoas negras na teledramaturgia e a luta para isso desde então.

Recorrendo a entrevistas, imagens de arquivo e narrações feitas pelo próprio diretor o documentário argumenta que a pouca presença de negros na televisão e o tipo de representação feita dos negros nesses meios produz uma dupla negação da realidade social brasileira. De um lado a pouquíssima presença de negros em telenovelas seria uma negação da fatia que os negros ocupam da população brasileira. Por outro, as representações estereotipadas ou condescendentes que reproduziam a ideia de uma democracia racial plena negavam a pervasividade do racismo no nosso cotidiano e como isso afeta a população negra.

Drops – Tiozões

 

Em seus stand-ups o comediante Bill Burr se tornou famoso por seu “humor de reclamação” no qual ele vai em longas e irritadas tiradas reclamando de algo do cotidiano. Ele não é o primeiro a fazer isso, Lewis Black vem fazendo isso há anos, por exemplo. A questão é que nem tudo que funciona num palco de stand-up comedy funciona em uma narrativa de ficção e Tiozões, escrito, dirigido e estrelado por Burr é um exemplo disso.

A trama segue três pais de meia-idade, Jack (Bill Burr), Connor (Bobby Cannavale) e Mike (Bokeem Woodbine) que se sentem deslocados em um mundo em que seu chefe é mais novo que eles e qualquer comentário pode ser problematizado. Podia ser uma oportunidade para falar de conflitos geracionais e fazer piada com isso, mas vai numa direção de um coitadismo tosco de tentar dizer que homens brancos de meia idade estão sendo excluídos e mal tratados pela sociedade, o que está longe de ser o caso.

Crítica – Retratos Fantasmas

 

Em seus dois primeiros longas, O Som ao Redor (2012) e Aquarius (2016), o diretor Kleber Mendonça Filho falava de preocupações sobre a transformação do cotidiano e da paisagem urbana de Recife. Questões que, embora as narrativas localizassem nesse contexto específico, dialogavam com o contexto maior da urbanização e segurança pública no Brasil. Neste Retratos Fantasmas, documentário ensaístico sobre a paisagem urbana de Recife, Mendonça usa a discussão do fim dos cinemas de rua no centro de sua cidade para retomar essas ponderações sobre a paisagem urbana brasileira.

O filme é dividido em duas partes, a primeira dedicada ao bairro de Setúbal e ao apartamento em que viveu durante boa parte da vida. A segunda ao centro de Recife e ao desaparecimento das salas de cinema de rua. Na primeira parte o diretor pondera sobre o local em que cresceu e como a relação com o bairro influenciou suas visões sobre a urbanização de Recife e seu próprio cinema.

Crítica – O Assassino

 

O diretor David Fincher é famoso por seu perfeccionismo e controle de cada detalhe. Quando escrevi sobre Let Them All Talk (2021) de Steven Soderbergh citei uma anedota em que Soderbergh se sentia cansado só de ver Fincher trabalhar por conta da obsessão do diretor em controlar cada elemento que aparecia em cada frame do filme. Menciono tudo isso porque O Assassino, novo filme de Fincher, mais do que um thriller de vingança é um filme sobre perfeccionismo e como isso afeta as pessoas que tentam controlar tudo ao seu redor.

A trama acompanha um assassino (Michael Fassbender) completamente devotado à sua profissão e que é famoso por entregar o que promete. Quando uma tentativa de assassinato dá errado, ele foge para evitar ser pego e inicia uma corrida contra o tempo para evitar que as consequências desse erro atinjam aqueles que conhece. De certa forma a trama poderia ser enquadrada como uma narrativa de vingança de um assassino subindo na cadeia de comando para eliminar aqueles que tentaram destruí-lo depois do erro. Não deixa de ser isso, no entanto, Fincher pega essa estrutura banal para refletir sobre a natureza do perfeccionismo e como esse esforço de estar sempre no controle está fadado ao fracasso.

Critica – Loki: Segunda Temporada

 

Depois do picolé de chuchu que foi a minissérie Invasão Secreta não estava disposto a voltar tão cedo a outra série da Marvel e só acompanhei essa segunda temporada de Loki porque o primeiro ano foi bem bacana. Ainda que não seja tão bom quanto sua estreia, esse segundo ano ao menos tem um final que encerra com consistência o arco iniciado por Loki no primeiro Thor (2011).

A trama retoma ao ponto em que o ano anterior terminou, com Loki (Tom Hiddleston) retornando à AVT, mas uma versão diferente àquela em que estava e agora ninguém o reconhece. Loki se dá conta de que está aleatoriamente viajando através do tempo e O.B (Ke Huy Quan), o responsável por boa parte da tecnologia da AVT, lhe avisa que isso pode estar relacionado com a energia emitida pelo Tear Temporal, mecanismo que constrói as linhas do tempo, que saiu do controle desde que Sylvie (Sophia di Martino) matou Aquele Que Permanece (Jonathan Majors). Agora Loki precisa restaurar o Tear para salvar a si mesmo e o multiverso.

Crítica – Marvel’s Spider-Man 2

 

Depois de um excelente primeiro game em Marvel’s Spider-Man e um spin-off competente, ainda que carente de inovações em Spider-Man: Miles Morales, a Insomniac entrega uma continuação propriamente dita neste Marvel’s Spider-Man 2, que não apenas alcança as altas expectativas deixadas pelos games anteriores como também é o primeiro jogo que efetivamente me fez sentir a diferença da atual geração de consoles.

A trama começa com o retorno de Harry Osborn, aparentemente curado da doença degenerativa que o afligia. Peter e Miles agora trabalham em conjunto e tentam equilibrar suas vidas como Homem-Aranha e seus desafios pessoais. A chegada de Harry traz uma nova oportunidade para Peter reconstruir sua carreira profissional, mas uma nova ameaça surge quando o temível Kraven aparece em Nova Iorque disposto a caçar os vários heróis e vilões que habitam a cidade. Ao mesmo tempo, o estranho traje que mantem Harry saudável começa a dar sinais que talvez seja algo mais, principalmente no modo como se fixa em Peter.

Crítica – Gen V: 1ª Temporada

 

Não esperava muita coisa quando Gen V foi anunciado. A ideia de um derivado de The Boys que se situava em uma academia de treinamento para jovens heróis da Vought parecia mais algo pensado para atender as demandas contemporâneas por “universos compartilhados” do que uma necessidade narrativa ou dramatúrgica da história sendo contada. Felizmente eu estava equivocado e Gen V não só traz outras perspectivas sobre o universo de The Boys como também acaba sendo bem coeso em dialogar com a série original.

A trama é centrada em Marie (Jaz Sinclair), uma jovem que cresceu em um orfanato da Vought depois de acidentalmente matar os pais quando descobriu seus poderes de controlar sangue com a mente. Misteriosamente ela recebe uma bolsa para estudar na universidade Godolkin, instituição que forma as próximas gerações de heróis da Vought. Lá ela começa a fazer amizade com a colega de quarto, Emma (Lizze Broadway), ao mesmo tempo em que desperta tensões com os alunos mais populares. As coisas se agravam quando Golden Boy (Patrick Schwarzenegger), o aluno mais popular, mata um dos professores e depois se mata. Isso coloca Marie e outros colegas para investigar o que aconteceu e os coloca no centro de uma conspiração da Vought.