Em uma determinada cena de Sindicato de Ladrões, o protagonista menciona que ter uma
consciência é algo que pode levar uma pessoa à loucura. O filme seminal de Elia
Kazan estrelado por Marlon Brando comemora seus 70 anos de lançamento em 2024 e
suas reflexões sobre consciência de classe e manter seus princípios diante da
corrupção ao nosso redor seguem válidos.
A trama acompanha Terry (Marlon Brando), um ex-boxeador que
passou a trabalhar para os mafiosos que controlam o sindicato dos portuários em
New Jersey. Quando uma pessoa próxima a Terry é morta por falar contra esses
corruptos líderes sindicais e Terry se aproxima da irmã do morto, o ex-boxeador
começa a se questionar se proteger esses mafiosos é mesmo a melhor escolha. A
narrativa é levemente baseada na história real de um portuário que tentou
derrubar o sindicato corrupto de onde trabalhava, mas se na vida real ele
fracassou, na ficção Kazan tece uma trama que nos lembra da força que os
trabalhadores tem quando se unem, mesmo que seja contra suas supostas
lideranças.
Dirigido por Alexander Payne, Os Rejeitados é um filme sobre solidão que pondera a respeito da
importância de conexões humanas em nossa vida. A trama se passa no final de
1970, em um colégio interno no interior dos Estados Unidos. Todos estão indo
embora para as festas de fim de ano, mas um professor precisa ficar para cuidar
dos alunos que, por qualquer motivo, não irão para casa durante o recesso. É
uma tarefa ingrata da qual muitos docentes fogem, recaindo para o professor de
História, Sr. Hunham (Paul Giamatti), por ele não ter família nem vida pessoal.
Detestado pelos alunos e sem mais ninguém pela escola,
Hunham acaba se aproximando de Tully (Dominic Sessa), aluno problemático que
basicamente foi largado na escola pela mãe que resolveu sair em lua de mel com
o novo marido. Aos dois se junta a cozinheira Mary (Da’Vine Joy Randolph), que
está passando pelo luto da perda do filho, falecido no Vietnã. São pessoas que
se sentem isoladas do mundo, desamparadas e sem rumo por um motivo ou outro.
Sem pressa e com um ritmo bem deliberado vamos aprendendo sobre esses
personagens conforme eles passam tempo juntos e se abrem uns com os outros.
Nunca fui exatamente fã de roguelikes, mas o excelente Hades
me fez ter interesse em jogos do tipo. De lá para cá experimentei títulos como 20XX e Rogue Legacy 2 que me mostraram como um exemplar bem feito do
gênero pode ser viciante. Dave The Diver
me chamou atenção pela sua mistura singular de roguelike e simulador de restaurante.
O jogador controla Dave, um mergulhador profissional que é
chamado por amigos para investigar uma estranha fenda oceânica que parece se
modificar a cada dia e traz peixes de diferentes partes do mundo. Além de
tentar descobrir o mistério do local, Dave também ajuda o chef Bancho com seu
restaurante japonês, pegando peixes para que ele faça pratos cada vez mais
elaborados e lucrativos.
O termo oscar bait
é normalmente usado para qualificar produções que parecem feitas sob medida
para a temporada de premiações. São filmes que seguem de perto aquilo que
normalmente encontramos em películas indicadas a prêmios, como tramas baseadas
em fatos reais, atores realizando transformações físicas e alguns outros
elementos. Maestro, biografia de
Leonard Bernstein dirigida e estrelada por Bradley Cooper, parece um filme
perfeitamente formatado para a temporada de prêmios, embora acabe não
entregando nada de interessante.
A narrativa segue Bernstein (Bradley Cooper) da juventude,
quando rege a Filarmônica de Nova Iorque pela primeira vez, até seus últimos. O
filme foca tanto no trabalho musical de Bernstein quanto na relação dele com o
a esposa, Felicia (Carey Mulligan). O problema é que a trama parece não ter
muito a dizer sobre o maestro além do fato dele ser genial e dele ser
bissexual, sem, no entanto, explorar esses dois elementos.
A primeira temporada de What If...? tinha algumas boas histórias, mas sofria um pouco com alguns
episódios que não desenvolviam suas premissas de modo interessante. Essa
segunda temporada é mais consistente na sua curadoria de histórias e apresenta
tramas que se valem melhor de suas ideias.
Como na primeira temporada, a série acerta ao situar suas
tramas em diferentes gêneros. O primeiro episódio protagonizado pela Nebulosa é
bem tributário ao film noir,
remetendo a produções como O Falcão
Maltês (1940) ou o noir futurista
de Blade Runner (1982). O episódio de
Peter Quill invadindo a Terra remete a filmes de monstro e aquele que traz
Happy preso na torre dos Vingadores com um bando de criminosos é claramente
feito para remeter a Duro de Matar(1988).
O diretor italiano Nanni Moretti é famoso por fazer filmes
que exploram o momento em que ele vive em sua vida pessoal. São produções com
um cunho autoficcional que partem de um sentimento autobiográfico para tecer
tramas que remetem às inquietações e sentimentos do diretor sem necessariamente
possuírem a ambição de serem um reflexo fidedigno de sua vida. Em Caro Diário (1993), por exemplo, ele
falou de seus problemas de saúde. Neste O
Melhor Está Por Vir ele fala de crises matrimoniais, desilusões políticas e
as transformações no mercado audiovisual.
A trama segue o diretor Giovanni (Nanni Moretti) que está
prestes a começar a produção sobre um filme a respeito do Partido Comunista
Italiano na década de 1950 e como eles reagiram à invasão soviética a Hungria.
Ao mesmo tempo, ele tem problemas em casa por conta da decisão de sua esposa,
Paola (Margherita Buy), de produzir um outro filme além do dele. O outro filme
produzido por Paola é um filme de máfia bem típico, o que incomoda Giovanni e
vai criando conflitos entre eles.
Feito para celebrar os 100 anos da Disney, Wish: O Poder dos Desejos é uma
homenagem mais focada em nos lembrar do longevo legado do estúdio do que para
mostrar o espírito de inovação que o tornou tão amado. É uma produção que tem
sua parcela de qualidades, mas que não tem o impacto que esperaríamos de uma
celebração de um século.
A trama é focada em Asha, uma jovem que deseja se tornar
aprendiz do rei Magnifico, um monarca que trouxe paz e prosperidade ao reino
com seu poder de extrair e guardar os desejos de seus cidadãos, realizando-os
periodicamente. Quando Asha descobre que o rei usa os desejos como forma de
controlar a população ao invés de inspirá-la, ela decide devolver os desejos ao
povo. A jovem faz um pedido para uma estrela e ela ganha vida. Agora, com a
ajuda da estrela e seus poderes mágicos, ela decide enfrentar o rei.
É uma trama típica da Disney, com animais falantes e números
musicais que nos lembra da importância de sonhar e perseguir os próprios
desejos. Não tem nada aqui que quebre o molde do estúdio, mas não chega a ser
um grande problema já que a produção tem carisma e encantamento o suficiente
para nos manter interessados. Os números musicais são vibrantes e alguns deles,
como o que envolve galinhas dançantes, remetem aos mosaicos das coreografias de
Busby Berkeley. Não tem nenhuma música que soe com o impacto de hit instantâneo algo como Dos Oruguitas ou Não Falamos do Bruno de Encanto (2021), mas são canções carismáticas que entregam o que se espera.
Muito da graça do filme vem de como a trama costura
referências aos vários filmes da Disney ao longo do último século, da silhueta
da Malévola que aparece no livro de magia sombria do rei, passando pelo fato de
que os amigos de Asha se vestem como os sete anões, que o manto que a
protagonista usa remete ao da fada madrinha de Cinderela (1950) ou o vilão basicamente se tornar ao final no
espelho da Rainha Má de Branca de Neve e
os Sete Anões (1937). Nesse sentido, o avô de Asha ser um idoso de 100 anos
em busca de alcançar seu desejo de inspirar as pessoas é uma clara metáfora
para a Disney em si, que chega ao seu aniversário de um século ainda tentando
nos fazer acreditar nos sonhos e na magia.
Como algo que nos diz o tempo todo que foi feito para
celebrar o legado do seu estúdio, é relativamente decepcionante que ele
arrisque tão pouco e prefira que sua celebração consista meramente de repousar
sobre os próprios louros passados (nos lembrando de vários filmes melhores do
que esse que estamos assistindo) do que em nos mostrar que a Disney ainda é
capaz de inovar, de nos surpreender, de nos pegar desprevenidos e nos fazer nos
perguntar “como eles imaginaram isso?” como fizemos em seus filmes mais
memoráveis. Ao invés de nos mostrar como tem vigor para mais outros 100 anos de
encantamento Wish: O Poder dos Desejos
se acomoda em meramente nos fazer lembrar das glórias passadas. Claro, o filme
tem lá seus bons momentos e não tem nada de particularmente problemático, só
não está plenamente à altura de ser celebração que se propõe a ser.
Filmes de trocas de corpos já foram feitos aos montes por
Hollywood e até pelo cinema brasileiro. Mãe que troca de corpo com filha, pai
com filho, marido com esposa. Muitas combinações já foram explorados e, talvez
justamente por isso, Trocados, produção
da Netflix resolve simplesmente fazer todas ao mesmo tempo. O resultado é um
filme que tenta chamar atenção pelo volume e não necessariamente pela qualidade
do humor ou das personagens.
A trama segue a família liderada por Jess (Jennifer Garner)
e Bill (Ed Helms). Quando eles discutem com os filhos CC (Emma Myers, a Enid de
Wandinha) e Wyatt (Brady Noon)
durante um alinhamento planetário, eles acordam com os corpos trocados. Os
filhos estão no corpo dos pais e até o bebê trocou de corpo com o cachorro.
É óbvio desde o início que a troca de corpos servirá para
que cada membro da família entenda as dores e dificuldades do outro aprendendo
grandes lições de vida no processo. Além de uma estrutura previsível, a trama é
prejudicada por um roteiro que se apoia em recriar todas as situações que já
vimos antes nesse tipo de produção. A filha no corpo da mãe precisa fazer a
“grande apresentação” que ira render uma promoção no emprego, o pai no corpo do
filho precisa fazer a entrevista para uma faculdade de prestigio que selará seu
futuro.
Se tem uma coisa que aprendi assistindo O Sacrifício do Cervo Sagrado(2017) e a este Saltburn é que convidar Barry Keoghan para sua casa certamente
acabará em tragédia. Dirigido e escrito por Emerald Fennell, Saltburn foi bastante divulgado como
algo próximo de um thriller erótico,
mas na prática é mais um suspense sobre conflitos de classe do que sobre
sexualidade.
A trama é centrada em Oliver (Barry Keoghan), um jovem que
acabou de entrar na faculdade de Oxford, e se encanta pelo colega aristocrata
Felix (Jacob Elordi), membro de uma família que descende de nobreza e dona de
uma extravagante propriedade chamada Saltburn. Oliver se aproxima de Felix e é
convidado a passar as férias de verão com ele na mansão de sua família.
Chegando lá, Oliver conhece os membros excêntricos da família do colega, como
seu pai, Sir James (Richard E. Grant), sua mãe, Eslpeth (Rosamund Pike), e sua
irmã Venetia (Alison Oliver). Aos poucos Oliver descobre como ele e vários
outros agregados da família precisam bajular e disputar a atenção deles para
não serem mandados embora e como Felix e seus parentes veem todos como
brinquedos a seu serviço. O que começou como férias entre amigos logo se torna
um tenso jogo de intrigas para tentar se manter sob os bons olhos da família e
continuar vivendo no luxo deles.
Os primeiros escritos sobre gêneros dramatúrgicos datam da
Grécia antiga e de pensadores como Aristóteles. O filósofo ponderava como os
gêneros, com suas estruturas típicas, propiciavam certa economia narrativa.
Como o espectador já sabia mais ou menos como a história iria se estruturar, o
dramaturgo poderia focar sua atenção nas particularidades dos personagens ou do
universo. Hollywood se vale até hoje desse princípio de economia narrativa, com
filmes tipo John Wickou Missão Impossível simplificando suas
tramas (porque já sabemos como elas irão transcorrer) para focar no espetáculo
de ação.
Zack Snyder, por outro lado, parece ignorar a ideia de
economia narrativa neste Rebel Moon Parte
1: A Menina do Fogo, um filme que é basicamente uma cópia de Star Wars misturado com algumas outras
produções (como Os Sete Samurais do
Kurosawa). Não há nada de original na trama ou universo criado por ele e não
teria problema se Snyder ao menos reconhecesse essa natureza derivativa e oferecesse
visuais, locais ou cenas de ação bem construídas (como os dois Avatarde James Cameron), mas ao invés
disso o diretor parece tão deslumbrado com sua própria criação que conduz tudo
com absoluta segurança de que fez algo completamente original, resultando em
uma trama arrastada pela necessidade de explicar os próprios clichês sem fazer
nada para subvertê-los, como se estivéssemos assistindo algo completamente
novo.
