Cobra Kai e os problemas da nostalgia

Não tive nenhum interesse em Cobra Kai quando a série foi anunciada. A ideia de continuar a história de Karate Kid (1984) sob a perspectiva de Johnny Lawrence, o vilão o do filme original, parecia ser só mais um desses reboots caça-níquel que Hollywood vinha fazendo nos últimos anos. Produtos que não tinham nada a dizer ou fazer sobre essas propriedades e existiam apenas para explorar cinicamente o afeto do público por essas histórias e ganhar dinheiro.

A nostalgia, o olhar para o passado, eram reduzidos a produtos de consumo por engodos como O Rei Leão (2019) ou Jogador Nº 1 (2018), que desfiam coisas das quais gostamos na infância diante dos nossos olhos com nenhum outro objetivo além de nos fazer lembrar de nossa juventude, sem ter nada a dizer sobre isso. Temporadas recentes de South Park até fizeram piada com essa tendência nostálgica com as Member Berries, frutas que fazem as pessoas reviver as memórias de infância e que colocam quem come em uma espécie de torpor nostálgico.

Como South Park bem aponta, essa tendência consiste de um passadismo alienante, feito para nos manter dóceis consumindo em silêncio, gratos por podermos esquecer os problemas do mundo por algumas horas e lembrarmos de uma época em que éramos mais ingênuos e felizes. Imaginei que Cobra Kai fosse ser mais um nessa onda de revival oitentista, mas estava enganado. Cobra Kai é a antítese de todo esse movimento da indústria e vê esse apego a uma nostalgia acrítica não como um refúgio, mas como algo que impede as pessoas de amadurecerem. Posteriormente, o longa animado A Vida Moderna de Rocko: Volta ao Lar (2019) também adotaria uma postura crítica diante da atual onda nostálgica. 

Crítica – Tammy: Fora de Controle

 

Este Tammy: Fora de Controle parece incerto do que quer fazer com suas personagens. De um lado toda a trama de duas mulheres no fundo do poço embarcando juntas em uma viagem parece algo mais propenso ao drama. Por outro, o filme tem a clara intenção de ser uma comédia escrachada cheia do humor físico característico da atriz Melissa McCarthy. Claro, seria possível tentar juntar as duas coisas e fazer algo com uma pegada de comédia dramática, mas as coisas nunca se encaminham nessa direção.

Na trama, Tammy (Melissa McCarthy) perde o emprego em uma rede de fast food e chega em casa para descobrir que o marido a está traindo com a vizinha. Ela decide sair de casa e embarca em uma viagem com Pearl (Susan Sarandon), sua avó alcoolátra.

Poderia ser uma história sobre essas duas mulheres em seus pontos mais baixos se reconectando e ajudando uma a outra a se reerguer, mas o texto nunca dá espaço para desenvolver de maneira consistente as relaçôes ou personalidades de ambas. Sabemos muito pouco sobre elas ou o tipo de relação que tem para nos importarmos com o que acontece ou estabelecermos qualquer conexão.

Rapsódias Revisitadas – Capcom vs SNK 2

 

Na década de 90 o filão dos jogos de luta era dominado pelas desenvolvedoras Capcom (de Street Fighters, Darkstalkers e outros) e SNK (de King of Fighters, Fatal Fury e outros), então quando ambas se juntaram para anunciar que fariam um jogo de luta com personagens das duas empresas e que cada uma faria seu próprio jogo, a expectativa foi lá em cima. A Capcom fez dois games: o primeiro Capcom vs SNK, lançado em 2000, e Capcom vs SNK 2 (ou CvS 2 como foi apelidado) em 2001. Já a SNK, que na época passava por problemas financeiros, entregou apenas SNK vs Capcom: Chaos.

Dos três, CvS 2 acaba sendo o melhor por conta da variedade de personagens e mecânicas e é dele que vamos falar aqui. Apesar de originalmente lançado para Playstation 2 e outros consoles da mesma geração, ele também ficou disponível no Playstation 3 na linha de clássicos do PS2 (que eram basicamente jogos de PS2 emulados no PS3). Explico isso porque a versão que usei para escrever esse texto foi justamente a de PS3, que não tem o componente online da versão de PS2.

Crítica – Acordar Negro (Black Wake)

 

Muito antes de ser lançado, este Acordar Negro já chamava atenção na internet por marcar a estreia da modelo brasileira Nana Gouvea como atriz e em uma produção feita nos Estados Unidos ainda por cima. Ao lado de nomes conhecidos como Eric Roberts e Tom Sizemore, o terror parecia ser um veículo para lançar a brasileira internacionalmente. Isto é, até os primeiros trailers saírem e ficar evidente que se tratava de uma produção tosquíssima que no máximo poderia ser uma poderia divertida. O resultado final, porém, não consegue ser nem isso.

A trama é centrada em Luiza (Nana Gouvea), uma psicóloga chamada pelo governo dos Estados Unidos para tentar entender uma série de mortes misteriosas que vem acontecendo em partes diferentes do país. Seus colegas parecem não entender o que está acontecendo, mas ela demonstra certeza que as respostas estão nas estranhas anotações encontradas com um mendigo que estava envolvido com uma das primeiras vítimas.

A história é toda contada com uma estrutura de found footage, como se fosse vídeos de segurança da instalação governamental em que Luiza trabalha ou vídeos amadores feitos pelas pessoas na rua que encontraram os infectados. O problema é que o filme conduz toda essa trama da maneira mais entediante possível. Praticamente não há dramaturgia, tudo é narrado ao invés de mostrado para nós, já que boa parte das cenas do filme são vídeos gravados por Luiza para explicar as provas que coletou.

Crítica – Pathfinder: Kingmaker Definitive Edition

 

Quanto escrevi sobre Pathfinder: Kingmaker na época para seu lançamento em PC em 2018 mencionei como o game capturava o espírito de jogos como Baldur’s Gate ou Neverwinter Nights na sua tentativa de simular o funcionamento e abertura de um RPG de mesa. Também comentei os vários problemas do jogo, como mecânicas obtusas e uma série de problemas técnicos. Pois agora Pathfinder: Kingmaker Definitive Edition leva aos consoles (PS4 e Xbox One) o jogo de PC com direito a todos os DLCs lançados e algumas novas mecânicas.

Como ele se sai? Bem, não muito diferente da versão de PC. A trama, a abertura, o escopo do mundo, o senso de exploração e descoberta, bem como a amplitude da customização de personagens continuam sendo o ponto alto da experiência e fazem do jogo um título que precisa ser conferido por fãs do gênero. O fato de vir com todo conteúdo pós lançamento da versão de PC ajuda a dar mais opções, como novas raças, classes de personagem e histórias.

Crítica – Queen & Slim

 

Histórias sobre casais em fuga das autoridades não são exatamente novidade em Hollywood, Fritz Lang já contara uma história como essa em Vive-se Só Uma Vez (1937). A história real do “amor bandido” de Bonnie Parker e Clyde Darrow foi imortalizada em Bonnie & Clyde: Uma Rajada de Balas (1967). Na década de noventa essa trama ganhou um viés feminista em Thelma & Louise (1991). Agora a diretora Melina Matsoukas e a roteirista Lena Waithe (a Denise de Master of None) usam essa história para falar de preconceito e racismo neste Queen & Slim.

A narrativa acompanha o casal Queen (Jodie Turner-Smith) e Slim (Daniel Kaluuya), que estão no primeiro encontro juntos. Quando voltam para casa são parados por um policial e a escalada da agressividade do evento coloca os dois em fuga. Agora esse casal que mal se conhece precisa se unir para se manterem vivo e fugirem da polícia.

A jornada do casal mostra o temor constante da comunidade negra em ser alvo da brutalidade policial, sendo constantemente tratados pelas autoridades de maneira agressiva, como se fossem criminosos, mesmo quando não fizeram nada. Claro, o casal inevitavelmente comete um crime, mas é resultado de uma tentativa de autodefesa e não de agressividade ou mau caratismo.

Crítica – A Cor que Caiu do Espaço

Dos mesmos produtores do excelente Mandy: Sede de Vingança (2018) e baseado em um conto de H.P Lovecraft, este A Cor que Caiu do Espaço traz a bizarrice e o temor do desconhecido que são típicos das obras do escritor. Por outro lado, os personagens em si parecem não existir para qualquer outra coisa que além de serem submetidos à situação apresentada e assim não nos envolvemos com a situação como deveríamos. 

A narrativa é centrada na família liderada por Nathan (Nicolas Cage), que vive em uma propriedade isolada na floresta da fictícia cidade de Arkham. Quando um estranho meteorito cai na propriedade, fenômenos e criaturas estranhas começam a acontecer, posando uma ameaça para a família e também para o resto da cidade.

A trama começa sem pressa, apresentando o cotidiano pacato da família, aos poucos vai apresentando eventos estranhos, que nos fazem suspeitar que algo está errado, até que tudo explode numa ameaça explicita. Esse clima de tensão e estranhamento é o principal mérito do longa, ampliado principalmente pela direção de arte.

Crítica – Jeffrey Epstein: Poder e Perversão

 

Eu acompanhei apenas superficialmente o caso da prisão e eventual suicídio do financista bilionário Jeffrey Epstein em 2019. Sabia muito pouco sobre ele, exceto que ele tinha um esquema internacional de pedofilia e que ao redor dele gravitavam figuras de diferentes níveis de poder, incluindo o príncipe Andrew da Grã Bretanha. A minissérie Jeffrey Epstein: Poder e Perversão oferece um retrato amplo dos crimes e abusos cometidos pelo bilionário e de como ele evadiu a lei durante décadas.

Através de entrevistas, imagens de arquivo e outros documentos, o documentário narra a trajetória de Epstein até se tornar um bilionário, intercalando a trajetória dele com testemunhos de mulheres abusadas por ele quando ainda eram menores de idade. Os testemunhos de abuso são fortes em sua natureza descritiva, com a voz e a linguagem corporal das sobreviventes explicitando para nós que não se trata de um trauma passado, mas de algo que se manifesta no presenta. A dor está inscrita em seus corpos e se torna transparente para nós conforme ouvimos seus relatos.

Crítica – Streets of Rage 4

 

Eu não tenho como contabilizar as horas (provavelmente centenas) que passei jogando os três Streets of Rage para Mega Drive. Ainda hoje considero Streets of Rage 2 um dos melhores beat’em ups já feitos, pelo design de personagens, música marcante, variedade de habilidades e o desenho sonoro que dava peso e impacto a cada porrada dada nos inimigos. Nem preciso dizer que fiquei bem empolgado quando soube do anúncio deste Streets of Rage 4, feito pela Lizardcube e Guard Crush Games.

A trama se passa décadas depois da trilogia inicial. O Sindicato do Crime liderado por Mr. X foi derrotado, mas uma nova ameaça surge na cidade. Os gêmeos Y, filhos de Mr. X lideram um novo Sindicato e contam com um dispositivo sônico que controla as mentes das pessoas. Sim, não é nenhum primor narrativo, mas, na boa, ninguém senta pra jogar um game dessa natureza por conta da história e sim pela oportunidade de surrar centenas de meliantes.

O jogo apresenta um modo história no qual cada fase é jogada com um conjunto de vidas e perder todas permite voltar ao início da fase. Terminar o modo história uma vez habilita o modo Arcade, que oferece uma experiência mais tradicional, na qual é preciso terminar todas as fases de uma só vez, sem salvar e sem continues. Ao final de cada fase o jogador recebe um ranking e os pontos são acumulados para habilitar personagens dos três games anteriores, como versões de Axel e Blaze dos outros três games ou mesmo personagens como Max e Shiva.

Crítica – Power

 

A ideia de uma droga que dá superpoderes temporários é uma ideia interessante, mas Power se limita a explorar isso criativamente em suas cenas de ação. De início fica a impressão de que a narrativa vai usar essa ideia da busca de poderes como uma metáfora para desigualdades sociais e de classe, uma tentativa dos mais marginalizados em tentar tomar o controle da própria vida, mas isso é rapidamente deixado de lado para que tudo se torne uma corrida contra o tempo.

A trama se passa na cidade de Nova Orleans e acompanha o policial Frank (Joseph Gordon-Levitt), que tenta descobrir quem é o responsável por distribuir a droga que dá poderes temporários. Em sua investigação ele encontra Art (Jamie Foxx), que está em busca da filha, sequestrada pelos responsáveis pela droga. Juntos eles contam com o auxílio da garota Robin (Dominique Fishback) que vendia a droga nas ruas para pagar as despesas médicas da mãe.

A escolha pela cidade de Nova Orleans inicialmente parece querer dizer alguma coisa, com Frank dizendo que não confia no governo federal para lidar com a nova droga, lembrando como a cidade foi abandonada pelas autoridades durante o furacão Katrina. Apesar desses breves diálogos nos primeiros minutos, entretanto, as feridas sociais da cidade não voltam a ser mencionadas e toda a ambientação soa mal aproveitada. Outras tramas, como o papel do governo em ocultar o que está realmente acontecendo com essa nova droga, são sugeridas, mas nunca plenamente exploradas e são meio que jogadas para uma possível continuação.