Crítica – Druk: Mais Uma Rodada

 

Por mais que o consumo de álcool seja algo natural em nossa sociedade, ainda há uma dimensão de julgamento moral associada a ele, principalmente quando falamos em um consumo com alguma regularidade ou quando vemos alguém beber além da conta em alguma ocasião. Dirigido por Thomas Vinterberg este Druk: Mais Uma Rodada pondera sobre nossa relação complicada com essa substância.

A trama é protagonizada por Martin (Madds Mikkelsen), um professor de história que vê sua carreira e seu casamento estagnarem e sente viver em uma bolha de apatia. Um dia, em um jantar com outros colegas professores colegiais, Martin ouve falar de uma proposição de um filósofo de que seria possível melhorar a vida pessoal e profissional mantendo constantemente um pequeno percentual de álcool no sangue. Assim, Martin e seus colegas de trabalho decidem fazer um experimento de tentar manter essa pequena quantidade de álcool para verificar se isso produz algum resultado.

De início a trama discute como tratamos o álcool como tabu, mas, ao mesmo tempo, idolatramos os feitos de pessoas que eram notórios consumidores de álcool como Churchill (que aqui é exibido sob um prisma puramente positivo, sem mencionar sua violência colonial) ou Hemingway. A pequena dose de álcool consumida pelos personagens vai alterando seu cotidiano, deixando-os mais criativos, mais soltos melhorando a atividade profissional e socialização deles.

Crítica – Bad Trip

De cara este Bad Trip parece basicamente uma reciclagem da trama de Debi & Loide (1994), mas em sua estrutura ele se faz em cima de cenas nas quais os personagens interagem com populares na rua que não estão cientes de estarem participando de uma encenação. Assim, boa parte do filme soa como uma coleção de pegadinhas a la Jackass com os protagonistas colocando anônimos em situações absurdas.

A premissa é bem básica, Chris (Eric André) e Bud (Lil Rel Howery) são dois amigos de infância que moram em uma cidadezinha da Flórida, vivendo de bicos e subempregos. Quando Chris fica sabendo que Maria (Michaela Conlin), de quem gosta desde os tempos de escola, vai se mudar para Nova Iorque ele convence Bud a ir numa viagem de carro para a grande cidade. A questão é que Chris pede a Bud para usar o carro de Trina (Tiffany Haddish), irmã de Bud e uma criminosa violenta que está na prisão. Ao longo da viagem, Trina foge da prisão e resolve ir atrás dos dois.

É um fiapo de roteiro que serve apenas para justificar ações alopradas de seus personagens, que funcionam por conta da entrega ao absurdo e cara de pau de André, Howery e Raddish em se manterem no personagem enquanto reagem com populares incrédulos. Ao contrário de programas de pegadinhas como o já citado Jackass, esses populares pegos no meio das cenas raramente servem de vítimas ou objetos de humilhação para os protagonistas, funcionando mais como cúmplices de cena, reagindo aos atores e dando a eles mais combustível para que eles construam seu humor físico e nonsense.

A questão é que, na prática, essas interações com os populares são muitas vezes reduzidas a olhares curiosos e/ou constrangidos desses indivíduos, um expediente que fica rapidamente cansativo. Ocasionalmente, o filme encontra boas interações como na cena em que Chris e Bud batem o carro, no momento em que Chris cai de cima de um bar ou durante o confronto final com Trina nas quais vemos os populares tentando ajudar de alguma maneira. Considerando os tempos em que vivemos, chega a ser reconfortante ver que existem pessoas dispostas a ajudar completos estranhos em situações doidas no meio da rua.

Por outro lado, boa parte cenas são completamente inconsequentes para a trama e considerando que o filme tem oitenta e cinco minutos, não sobra muito material para sustentar a jornada dos personagens. Se eles apenas queriam experimentar fazer comédia com pessoas aleatórias na rua, teria sido melhor criar um programa de esquetes do que um filme narrativo. Essas cenas também incomodam pelo excesso de edição no qual fica evidente que cada interação num mesmo espaço aconteceu em momentos e/ou dias diferentes, como se o filme estivesse esperando que alguém reagisse da maneira desejada para enfim construir a cena.

Os recursos de montagem tiram a espontaneidade e fazem muitos segmentos soarem forçados, um sentimento ampliado durante os créditos do filme quando vemos que várias cenas, a exemplo do despertar de Chris, foram filmadas com inúmeras “vítimas”, deixando claro que é menos um exercício de improviso e mais em provocar os anônimos até obterem o efeito desejado. Aliás, a própria ideia de que o uso de não-atores produziria algo mais genuíno ou mais real é, em si, problemática, já que viver uma situação e performar para a câmera são duas coisas muito distintas (que o diga Clint Eastwood e seu insosso 15h17: Trem Para Paris). Se isso fosse verdade todo mundo usaria não profissionais e não haveria necessidade para atores treinados. O fato de Bad Trip ter que constantemente recorrer a truques de montagem para tentar fazer render essas interações mostra que essa espontaneidade não vem assim fácil.

Apesar de alguns lampejos de humor e emoção genuínas, Bad Trip tem dificuldade de conciliar sua trama com as “pegadinhas” envolvendo pessoas reais, com situações que soam forçadas em muitos momentos.

 

Nota: 4/10

Trailer

Crítica – Framing Britney Spears: A Vida de Uma Estrela

 

Produzido pelo jornal New York Times, o documentário Framing Britney Spears: A Vida de uma Estrela chamou atenção por revelar a situação jurídica da cantora pop Britney Spears, que desde 2008 vive sob tutela jurídica do pai, como se fosse alguém completamente incapaz de cuidar de si mesma.

O que é apresentado aqui é um competente trabalho de pesquisa que examina a trajetória profissional de Britney desde quando ela começou no mundo do entretenimento ainda muito jovem até os dias atuais quando ela luta para reverter a situação da tutela jurídica. Em termos de forma é um documentário bem simples, se baseando no padrão de entrevistas e imagens de arquivo, privilegiando mais a transmissão de informações e a construção da retórica de convencimento acerca da questão problemática que é a tutela de Spears.

Mais do que a questão da tutela, o documentário pondera sobre o papel da mídia na trajetória da cantora, especialmente no modo como ela foi, desde muito nova, constantemente cobrada, vigiada e pressionada pelos veículos de imprensa do mundo todo, algo que não deve ser saudável. A natureza predatória dos paparazzi fica evidente na entrevista com o fotógrafo que registrou o ataque de Britney com um guarda chuva. Os vídeos feitos por ele evidenciam que a cantora claramente não estava bem e o tempo todo ouvimos ela ou as pessoas que estavam com ela pedindo para pararem de filmar, mas ainda assim o paparazzo a seguiu de carro por horas e na entrevista para o documentário ainda diz que não fez nada de errado, deixando claro que esse modo de cobrir celebridades não tem nenhuma preocupação em estabelecer uma boa relação com a fonte, com o consentimento de imagem ou com princípios éticos.

Crítica – Mank

 

Dentro da crítica e da cinefilia há toda uma corrente de debate que argumenta que boa parte dos méritos de Cidadão Kane (1941) residiam no roteiro escrito por Herman Mankiewicz. Este Mank, dirigido por David Fincher parece tomar essa posição ao acompanhar Mank enquanto escreve o roteiro para Orson Welles.

A trama mostra Herman “Mank” Mankiewicz (Gary Oldman) acamado depois de um acidente de carro. Com problemas financeiros e de saúde que vinham desde antes do acidente e com a reputação prejudicada entre os executivos de grandes estúdios por conta de seu alcoolismo, vício em apostas e constantes críticas às hipocrisias dos magnatas da mídia, Mank aceita escrever um roteiro para o então incipiente diretor Orson Welles (Tom Burke), uma história inspirada na trajetória de William Randolph Hearst (Charles Dance).

A narrativa vai e volta no tempo entre o Mank do presente tentando finalizar seu roteiro e o passado do roteirista, mostrando sua relação complicada com o produtor Louis B. Mayer (Arliss Howard), chefão da MGM, com o ricaço Hearst e com Marion (Amanda Seyfred), a jovem esposa de Hearst. Os flashbacks mostram a relação complicada de Mank com os figurões de Hollywood e da mídia por conta de sua vida de excessos e posições políticas. Enquanto a Hollywood da década de 1930 adotava uma postura de não criticar a Alemanha nazista por medo de perder arrecadação por lá, Mank já denunciava os perigos que os nazistas representavam.

Crítica – O Som do Silêncio

 

Lidando com um personagem que passa por transformações radicais em sua vida, O Som do Silêncio não trata apenas da perda de audição, mas de como aceitar as inevitáveis mudanças que a vida nos impõe e entender que certas coisas não podem ser restauradas como eram. São temas delicados, principalmente em relação à comunidade surda, que muitos filmes as vezes derrapam no excesso de romantização da condição desses personagens.

Ruben (Riz Ahmed) é um baterista de heavy metal que começa a perder a audição. Ele tem uma banda junto com a namorada, Lou (Olivia Cooke), e logicamente se preocupa em como seu problema inviabilizará seu modo de vida. Ruben pensa na possibilidade de conseguir retomar a vida com um implante coclear, no entanto, o custo alto o impede de conseguir a cirurgia. Sem alternativas, ele vai morar em uma comunidade de surdos para aprender a lidar com a nova condição e aceitar que não há nada de errado com ele.

A jornada do protagonista é quase uma jornada de luto, passando por estágios como negação, raiva, barganha ou aceitação. De certa forma faz sentido, já que Ruben experimenta uma perda que praticamente torna impossível que ele siga com o mesmo modo de vida e precisa de tempo para se adequar à sua nova realidade. Nesse sentido, Riz Ahmed é ótimo em nos apresentar o desespero e desamparo de Ruben conforme ele percebe que está em um caminho sem volta.

Crítica – Era Uma Vez um Sonho

 

Dirigido por Ron Howard, este Era Uma Vez um Sonho é um daqueles filmes que parece feito sob medida para premiações. Traz um diretor de renome e um elenco de peso para contar um drama baseado em fatos reais sobre superação. Em tese teria tudo que as premiações adoram e não tinha como dar errado, mas, na prática, muito pouco funciona no filme

A trama é focada em J.D (Gabriel Basso) um jovem estudante de direito que volta para sua cidade natal depois de saber que sua mãe, Bev (Amy Adams), teve uma overdose. Lá, ele começa a rememorar sobre a juventude, as dificuldades passadas com a família e a difícil relação que tinha com a mãe e com a avó (Glenn Close).

A narrativa vai e volta no tempo, intercalando o presente de J.D lidando com a overdose mãe com diferentes momentos do passado em que ele rememora a infância morando com a mãe e posteriormente com a avó. Não há muita razão para boa parte dessas idas e vindas que trabalham mais para dar um caráter fragmentado e episódico do que para efetivamente costurar essas diferentes experiências. O filme poderia começar com J.D indo para casa e depois voltando ao passado, contando tudo cronologicamente em ordem a partir daí que não faria muita diferença.

Crítica – Por Trás da Inocência

 

Não esperava grande coisa deste Por Trás da Inocência, produção original da Netflix. O trailer tinha toda cara de um thriller erótico de quinta categoria, mas ainda assim minha curiosidade mórbida levou a melhor e fui conferir o filme. Minhas expectativas eram extremamente baixas e surpreendentemente ele conseguiu ser ainda pior do que eu imaginava.

A trama é centrada em Mary (Kristin Davis), uma escritora de romances de suspense que há anos não produz nada de novo por conta de um bloqueio criativo. Um dia ela é procurada pelos seus editores que oferecem um largo adiantamento para que ela produza um novo livro para sua mais famosa série. Em problemas financeiros por conta de apostas financeiras ruins do marido, Tom (Dermot Mulroney), ela acaba aceitando e mergulha no universo sombrio de suas personagens. Ao mesmo tempo, a família contrata uma nova babá em Grace (Greer Gramer) e Mary começa a sentir uma estranha atração pela jovem, mas talvez tudo seja apenas imaginação da escritora, muito imersa nas tramas sombrias de seus livros.

Crítica – Cabras da Peste

 

Um policial precisa ir até uma grande metrópole para caçar um criminoso de sua cidade natal e causa o caos por lá. Essa era a trama de Um Tira da Pesada (1984) e é também a premissa central deste Cabras da Peste, que também parodia “filmes de parceiros” como Máquina Mortífera (1987) ou Os Bad Boys (1995).

Bruceuilis (Edimilson Filho) é um policial de uma pequena e pacata cidade no interior do Ceará. Quando uma cabra é levada por um caminhão transportando rapadura batizada com drogas, Bruceuilis segue o criminoso até São Paulo para recuperar o animal. Lá ele encontra o apoio de Trindade (Matheus Nachtergaele), um policial paulista sem respeito dos colegas por querer fazer apenas trabalho burocrático.

É o típico arranjo da dupla de personalidades opostas, um de temperamento explosivo e afeito a ação e outro mais retraído, como em Máquina Mortífera. Aqui a narrativa é autoconsciente dos clichês que evoca e constantemente faz piada com isso, a exemplo da perseguição inicial envolvendo Bruceuilis e um sujeito que aparentemente roubou um ventilador, uma correria que acaba com barris convenientemente posicionados explodindo atrás do protagonista.

Crítica – A Festa de Formatura

 

O musical A Festa de Formatura narra a história de Emma (Jo Ellen Pellman), uma adolescente lésbica cuja associação de pais da escola em que ela estuda se recusa a fazer uma festa de formatura na qual ela possa ir com a namorada. Ao saberem da notícia, um grupo de fracassadas estrelas da Broadway decide partir a pequena cidadezinha na qual Emma vive para protestar contra a homofobia do caso e, além disso, se promoverem para retomarem as carreiras.

Tinha tudo para ser um musical vibrante e divertido com uma mensagem positiva de enfrentamento dos preconceitos. De certa forma, até é isso, mas também é demasiadamente arrastado, se alongando por desnecessárias duas horas e quinze com várias subtramas que apenas repetem as mesmas ideias do conflito principal envolvendo Emma. Lá pela marca de uma hora, quando a presidente da associação de pais, Sra. Greene (Kerry Washington), trapaceia na realização da formatura e deixa Emma sozinha na festa, imaginamos que o filme caminha para o seu clímax, com as estrelas da Broadway encabeçadas por Dee Dee Allen (Meryl Streep) organizando uma nova festa ou denunciando a Sra. Greene. Só que não, ainda há mais de uma hora de filme em que a trama se arrasta para chegar a esse ponto.

Boa parte dos problemas vem da necessidade da trama em dar a cada personagem uma subtrama só sua, sendo que muitas dessas histórias soam redundantes. A narrativa do ator Barry (James Corden) narrando como foi expulso de casa pela mãe por ser gay toca nas mesmas questões de homofobia da trama principal, por exemplo. Imagino que todas essas narrativas secundárias já estivessem presentes no musical teatral que deu origem ao filme, a questão é que nem tudo que funciona em um meio, funciona em outro.

O discurso contra a homofobia por vezes peca pelo excesso de didatismo, muitas vezes soando como uma videoaula na qual essas ideias são explicadas com pouca organicidade. Claro, em muitos momentos o filme lida bem com isso, em especial no conflito do relacionamento de Emma com a namorada, Shelby (Sofia Daler), que teme em sair do armário para a mãe. Há também a questão das variações bruscas de tom, com a narrativa muitas vezes saindo de uma cena envolvendo um drama sério sobre preconceito para um número musical alegre e exuberante, com essas transações por vezes soando abruptas.

O ponto alto, logicamente, são os números musicais. Repletos de cor, energia e exuberância, as canções retratam os sonhos românticos de Emma ou os desejos de grandeza dos astros da Broadway. As canções também trazem uma boa dose de humor, reconhecendo que o núcleo da Broadway está agindo mais por ego do que por crença, com Meryl Streep e Nicole Kidman vendendo muito bem a falta de noção e desespero por holofotes dessas personagens.

Eu queria ter gostado mais de A Festa de Formatura por causa de suas canções divertidas e elenco carismático, mas seu ritmo arrastado e excesso de subtramas atrapalham a experiência.

 

Nota: 6/10

Trailer

Drops – A Sentinela

 

A produção francesa A Sentinela parece não ser capaz de decidir que história quer contar. De início parece um filme que visa discutir as consequências da guerra contra o terrorismo e as sequelas disso nas tropas. Logo depois vira um filme de vingança com cara das produções estreladas por Stallone ou Schwarzenegger na década de oitenta.

Na trama, a soldado Klara (Olga Kurylenko) volta para a França depois de uma missão de combate ao terrorismo no exterior dar errado. Afetada por estresse pós-traumático, a soldado tenta reconstruir a vida. Tudo muda quando a irmã de Klara é estuprada e espancada por um rico estrangeiro com imunidade diplomática. Quando as autoridades não podem tocar no estuprador de sua irmã, Klara decide fazer justiça com as próprias mãos.

Apesar de tocar em temas sérios, como as marcas da guerra que ficam nos soldados ou violência contra a mulher, o filme não tem nada a dizer sobre nada disso. Toda questão do trauma da protagonista é basicamente irrelevante para a trama, já que ela poderia ser simplesmente uma soldado competente que não mudaria coisa alguma. Do mesmo modo, o estupro da irmã dele serve apenas de motivador para a ação e poderia ser substituído por qualquer outro crime, como assassinato, espancamento ou atropelamento que não faria qualquer diferença, é meramente um dispositivo de roteiro para servir de gatilho para a história.