Drops – City Hunter

 

Adaptando o mangá de mesmo nome, City Hunter acompanha as aventuras do detetive particular Ryo Saeba (Ryohei Suzuki) que resolve os casos que a polícia não dá conta. Durante a busca por uma garota desaparecida, o parceiro de Ryo, o ex-policial Makimura (Masanobu Ando), é morto e Ryo continua no caso para descobrir o responsável pelo assassinato. O detetive acaba recebendo a ajuda de Kaori (Misato Morita), irmã de Makimura, que decide acompanhar Ryo na investigação.

O filme acerta na mescla de drama criminal sério e comédia escrachada que era tão marcante no mangá e no anime. Seria difícil sair de uma cena dramática de assassinato e partir para outra com Ryo agindo como um completo idiota por não saber se comportar diante de mulheres atraentes, entretanto o filme consegue transitar por essas variações sem cair em uma inconsistência tonal. É um equilíbrio que me remete aos games da franquia Yakuza/Like a Dragon e me faz pensar porque nunca fizeram um game de City Hunter nesse molde, mas, divago.

Crítica – Godzilla e Kong: O Novo Império

O primeiro Godzilla vs Kong (2021) entregava empolgantes luta entre monstros, mas caía nos mesmos erros de sempre do “Monsterverso”, em especial no excesso de personagens desinteressantes e superficiais. Este Godzilla e Kong: O Novo Império evita o número excessivo de núcleos de personagens dos filmes anterior, embora ainda assim não consiga fazer nada de muito envolvente com os que restam.

Na trama, Kong vive aparentemente em paz na terra oca, até descobrir uma nova ameaça na forma de Skar, um símio gigante que controla o titã gélido Shimo e lidera um exército de outras criaturas. Skar tinha sido banido para as profundezas da terra oca, mas agora que escapou Kong talvez não seja o suficiente para lidar sozinho com a ameaça e precise de Godzilla.

Crítica – Jardim dos Desejos

 

O roteirista e diretor Paul Schrader costuma explorar cantos sombrios da existência humana em seus filmes. É assim no pavor existencial de Fé Corrompida (2017) ou nos relacionamentos da indústria hollywoodiana em Vale do Pecado (2013). Seu mais novo trabalho, Jardim dos Desejos, não deixa de explorar essas facetas mais soturnas da experiência humana, mas traz também uma ternura que não costuma ser comum no cinema de Schrader.

A trama gira em torno de Narvel (Joel Edgerton), um jardineiro meticuloso que trabalha na propriedade de uma ricaça, Norma (Sigourney Weaver), cuidando do jardim e prestando outros serviços. Quando Norma lhe pede que ele ensine jardinagem a sua problemática sobrinha-neta Maya (Quintessa Swindell) Narvel aceita, mas a presença da jovem negra os problemas com vícios que ela enfrenta fazem Narvel desenterrar um passado que preferia esquecer ao mesmo tempo em que ele se afeiçoa a ela.

Drops – Imaculada

 

Protagonizado por Sydney Sweeney, Imaculada é um terror que parece incerto de como quer abordar a história que tem em mãos. A narrativa acompanha Cecilia (Sydney Sweeney), uma jovem freira que vai viver em um convento no interior da Itália. Chegando lá se depara com fenômenos estranhos que culminam em sua gravidez apesar de ser virgem. A congregação, em especial o padre Tedeschi (Alvaro Morte, o Professor de La Casa de Papel) crê que ela traz no ventre a segunda vinda de Cristo e passa a cercá-la de cuidados, praticamente mantendo-a presa no convento até o parto.

É uma narrativa que trata a ideia de concepção imaculada não como um milagre, mas como uma situação de horror na qual uma mulher perderia completamente a autonomia sobre o próprio corpo, sendo forçada a uma gravidez que não quis e tratada como um objeto, um mero receptáculo para o bebê por todos a sua volta. A noção do corpo de uma grávida como “propriedade coletiva” não é novidade no cinema horror, O Bebê de Rosemary (1964) já fazia isso muito bem. Filmes como o brasileiro As Boas Maneiras (2017) também já trabalharam a experiência de estar grávida como um horror corporal digno de David Cronenberg. Nesse sentido Imaculada não faz nada que já não tenha sido bem executado antes e não tem muitas questões novas a explorar no modo como pensa o comportamento da sociedade diante do corpo feminino.

Crítica – O Dublê

Tenho uma vaga memória de assistir a série Duro na Queda quando passava na TV aberta. Estrelada por Lee Majors (o eterno Homem de Seis Milhões de Dólares), a série mostrava um dublê de cinema que nas horas vagas trabalhava como caçador de recompensa. Apesar de alguma memória, não fiquei exatamente empolgado quando anunciaram uma nova versão da série neste O Dublê. Parecia mais uma maneira de associar um nome conhecido ao que seria só mais um filme de ação para tentar minimizar riscos e atrair mais gente aos cinemas, ainda mais por não ser uma produção com uma enorme comunidade de fãs clamando por mais. De todo modo, fui conferir O Dublê e fico contente de encontrar uma aventura bem bacana e despretensiosa.

A narrativa é protagonizada por Colt (Ryan Gosling), um dublê em hiato na carreira depois de um acidente durante uma filmagem. Ele recebe uma chance de voltar ao trabalho quando a produtora Gail (Hannah Waddingham) pede que ele participe de seu novo filme e a ajude a encontrar o astro Tom Ryder (Aaron Taylor Johnson) que está desaparecido. O que leva Colt a aceitar o trabalho é que o filme está sendo dirigido por Jody (Emily Blunt), antiga paixão do dublê da qual ele se afastou depois de um acidente.

Crítica – Feud: Capote vs the Swans

 

Se em sua primeira temporada Feud contou a história dos anos de divergência entre Bette Davis e Joan Crawford, esse segundo ano resgata uma briga que mexeu com a alta sociedade nova-iorquina da década de 70 por conta da briga pública entre o escritor Truman Capote e um grupo de mulheres da alta sociedade da qual ele era amigo e denominava como suas “cisnes”.

A trama começa quando Capote (Tom Hollander) publica o conto La Côte Basque 1965 na revista Esquire. O conto seria parte de Súplicas Atendidas, um romance que o escritor estaria produzindo baseado em histórias que ouvia nas altas rodas da sociedade. O conto expunha várias indiscrições e boatos de membros da elite que, embora tivessem seus nomes modificados por Truman Capote, ainda eram facilmente identificáveis. A exposição de casos extraconjugais e outros escândalos levaram as “cisnes” a romperem relações com Capote e o excluírem de eventos da alta sociedade, levando o escritor ao ostracismo e paralisando sua carreira.

Crítica – Sugar

 

Uma trama detetivesca evocando os noir das décadas de 40 e 50 protagonizada por um investigador particular excêntrico e cinéfilo parecia uma proposta curiosa por si só para me atrair a Sugar, série protagonizada por Colin Farrell e produzida pela AppleTV. O que eu não imaginava era a guinada maluca que a série tomaria em seu sexto episódio, ressignificando tudo que vimos antes. Como é praticamente impossível falar sobre a série sem mencionar suas principais reviravoltas, aviso que o texto contém SPOILERS. 

O detetive particular John Sugar (Colin Farrell) atua na cidade de Los Angeles e trabalha exclusivamente encontrando pessoas desaparecidas. Ele é contratado pelo lendário diretor de cinema Jonathan Siegel (James Cromwell) para encontrar Olivia (Sydney Chandler), neta do diretor que está desaparecida há algum tempo. O contato com o cliente acontece por fora da agenciadora habitual de Sugar, Ruby (Kirby, que fez a Morte em Sandman), que não aprova o novo cliente. Ruby e Sugar parecem partilhar um passado misterioso e ambos exibem habilidades e conhecimentos muito além do que se esperaria de investigadores no ramo deles. 

Crítica – Fúria Primitiva

 

Estreia do ator Dev Patel como diretor, Fúria Primitiva foi vendido como um John Wick indiano e meio que é isso mesmo. A produção até menciona a franquia estrelada por Keanu Reeves. A diferença é que aqui se ensaia uma tentativa de comentário social que nunca engrena.

A trama acompanha um garoto (Dev Patel) que cresceu ouvindo da mãe a lenda de Hanuman, o poderoso deus-macaco hindu. Quando sua mãe é morta ainda durante sua infância, o garoto jura vingança contra os líderes corruptos que causaram sua morte. Ele cresce treinando para se vingar e entra no submundo de lutas ilegais para aprimorar suas habilidades e chegar mais perto dos responsáveis pela morte de sua mãe. Durante as lutas ele usa uma máscara de macaco como alusão a Hanuman e à memória da mãe.

É uma trama de vingança bem típica, com o protagonista se infiltrando na organização corrupta liderada pelo político conservador Baba Shakti (Makrand Deshpande) em busca do cruel xerife Rana (Sikandar Kher), responsável direto pela morte de sua mãe. Conforme ele sobe na organização ele testemunha a vida de excessos dos mais ricos cuja vida de luxo se constrói em cima do sofrimento dos mais pobres.

Crítica – Furiosa: Uma Saga Mad Max

 

A ideia de um prelúdio de Mad Max: Estrada da Fúria (2015) que contasse a história da Furiosa não parecia algo necessário, já que o filme de 2015 não criava nenhum grande mistério em relação a sua origem. Ainda assim, Furiosa: Uma Saga Mad Max entrega um épico de ação tão bom quanto sua incursão anterior neste universo.

A trama conta como Furiosa (Anya Taylor-Joy) foi sequestrada de seu lar, uma terra de abundância governada por mulheres em meio ao deserto estéril que o mundo se tornou, pelo caótico Dementus (Chris Hemsworth). Jurando vingança contra o vilão que lhe tirou tudo, Furiosa se torna soldado do cruel Immortan Joe (Lachy Hulme) para tentar destruir Dementus.

Tal como em Mad Max: Estrada da Fúria a força da trama contada por Miller reside mais na construção das imagens do que em diálogos. Os temas, as emoções e os significados são mais transmitidos via a construção visual do que através de falas dos personagens. Há uma clara oposição entre o verde saturado da terra de abundância das Vuvalini e os causticantes tons de laranja que dominam o deserto governado por homens violentos como Dementus e Joe. O mundo das mulheres é um mundo de verde, de cuidado, de preservação, vida e coletividade, o mundo dos homens é cruel, estéril, bruto, sem esperança onde apenas a morte prospera. Essa metáfora visual permanece até o fim quando Furiosa planta dentro de um inimigo a semente que recebeu de sua mãe, mostrando como a vida pode crescer através da destruição dessa lógica masculina violenta e a necessidade de derrubar essa lógica para reavivar um mundo devastado.

Crítica – A Batalha do Biscoito Pop-Tart

 

Filmes sobre produtos viraram uma tendência recente em Hollywood, com histórias sobre Tetris (2023), sobre o tênis Air Jordans em Air (2023), o Cheetos picante em Flamin Hot (2023) ou sobre o Blackberry (2023). Escrito, dirigido e estrelado por Jerry Seinfeld, A Batalha do Biscoito Pop-Tart parecia ser mais um desses filmes feitos para exaltar histórias de sucesso e confirmar mitos sobre o capitalismo corporativo. A narrativa, no entanto, vai na contramão disso, preferindo tratar toda a história como uma farsa absurda, construindo os trâmites corporativos para a criação de produtos como um circo ridículo.

A trama se passa na década de 60 e é protagonizada por Bob Cabana (Jerry Seinfeld), executivo da Kellogg que descobre que a empresa rival, Post, está desenvolvendo um novo produto de café da manhã que mistura biscoito e geleia, dispensando leite e cozimento, podendo ser esquentado em uma torradeira. Para superar a concorrência Cabana chama a genial, mas geniosa, Stan (Melissa McCarthy), que tenta criar a própria versão desse biscoito antes que a Post o faça.